Confessions of a Filmnerd

Blutiger Asterix

2007-04-09T01:54:00.000-07:00

Es war einmal, vor ziemlich langer Zeit, 480 v. Chr.
Ganz Griechenland, zitterte wie der Rest der Welt vor der Armee der 100 Nationen des persischen Gottkönigs Xerxes. Ganz Griechenland?
Nein, eine kleine Stadt entschied sich, Widerstand gegen das herannahende Millionen-Heer der Perser zu leisten.
So, oder so ähnlich könnte der Prolog zu 300, der zweiten Verfilmung eines Frank Miller Comics nach Sin City, auch aussehen.
Aber das würde zum einen ein Problem mit den Erfindern eines anderen berühmten Comics geben, und würde das Publikum zum anderen auf eine falsche Fährte bringen.
Was die Kinobesucher in Zack Snyders modernem Sandalenfilm nämlich erwartet sind keine niedlichen und liebevollen Gallier, die sich mit Zaubertrank gestärkt in die Rauferei mit den Römern begeben. 300 schildert eindrucksvoll den Kampf von 300 Spartanern, die mit ihrem König Leonidas (Gerard Butler) in eine blutige Schlacht ziehen, um ihre Stadt vor dem machtbesessenen Perserkönig Xerxes (Rodrigo Santoro) zu schützen. "Gebt ihnen nichts und nehmt ihnen alles", heißt die Devise, unter der in den nächsten 90 Minuten Köpfe und Gliedmaßen in Massen abgetrennt werden.
Wer jetzt denkt, dass es sich dabei um einen typischen Sandalenfilm wie Troy oder Kingdom of Heaven handelt, der liegt komplett falsch.
300 ist wie Sin City eine atemberaubende Reise in eine andere Welt. Optisch innovativ in Szene gesetzt, treten die 300 muskelbepackten Spartaner in den aussichtslosen Kampf gegen die Übermacht der Perser. Jedes einzelne Bild erinnert an ein Comic-Bild. Jede Einstellung wurde digital nachbearbeitet, wodurch ein merkwürdig sanfter Sepia-Ton falsche Hoffnungen erweckt. Denn das moderne Epos ist von der ersten bis zur letzten Sekunde brutal und hart, wie die Krieger auch.
Als ein persischer Bote in Sparta eintrifft, um die Stadt zur Rekapitulation zu zwingen, weigert sich König Leonidas, einfach aufzugeben. Obwohl der Rat der Weisen ihm Krieg mit spartanischen Ressourcen verweigert, findet Leonidas einen Weg, die korrupten Weisen und den Senat zu übergehen. Mit seinen treuesten Gefährten, einer Elite-Einheit der 300 stärksten Spartanern, zieht er los zu den Theromphylen, um dort das persische Heer in einem Blutbad zu ertränken.
Einfach und trotzdem genial umgesetzt ist die Story dieses Kultfilms, der zu großen Mitteln über Filmpromotion 2.0 kommuniziert wurde. Bereits vor einem Jahr haben sich die ersten Gerüchte und die ersten Bilder vom Film im Internet verbreitet, wodurch besonders in den vergangenen Wochen und Monaten rund um den Kinostart in den USA und wenig später in Europa ein wahrer 300-Hype im Web 2.0 entstanden ist. Eine Myspace-Seite wurde eingerichtet, in Second Life gab es einen Pressekonferenz zum Film usw.
So war es kein Wunder, dass der blutige antike Action-Thriller bereits am Startwochenende seine Produktionskosten von rund 70 Millionen Dollar locker wieder eingespielt hatte.
Schauspielerisch überzeugen die Hauptfiguren durch ihre Coolness. Die manchmal überzogene Art der Figuren unterstreicht den Kultfaktor des Films schon jetzt.
Technisch gesehen, ist 300 natürlich das momentane Non-Plus-Ultra - hier gibt es CGI-Bilder vom Feinsten. Besonders die Umsetzung des persischen Heers der 100 Nationen ist atemberaubend toll gelungen.
Obwohl der Film äußerst brutal ist, können die vermutlich vorwiegend männlichen Fans auch ihre Freundinnen zu einem Kinobesuch überreden, immerhin gibt es mit den 300 spärlich bekleideten spartanischen Kriegern auch etwas für das weibliche Auge zu sehen.
Fazit: 300 ist die mehr als nur gelungene filmische Umsetzung eines Kultcomics, dessen filmisches Pendant bereits jetzt die Bezeichnung Kultfilm verdient.

Trailer

Filmrolle 24. März 2007

2007-03-24T16:37:00.000-07:00

Zwei Filme habe ich mir in der vergangenen Zeit angesehen. Hier die beiden Kritiken dazu.

Schräger als Fiktion
Das Leben ist eine unheimlich lang erscheinende Geschichte. Sie beginnt mit der Geburt und endet mit dem Tod. So hört man es zumindest immer wieder von verschiedenen Leuten.
Doch was würde man sagen, wenn nicht Gott über das Schicksal eines Menschen und damit über den Lauf der Geschichte entscheiden würde, sondern eine Schriftstellerin.
Dieser Frage widmet sich der neue Film von Monster's Ball Regisseur Marc Forster.
Harold Crick (äußert passend besetzt mit dem US-Komiker Will Ferrell) ist Steuerfander. Er lebt ein einsames aber geregeltes Single-Leben. Zahlen sind alles in seiner Welt. Sie sind sein Ersatz für den fehlenden menschlichen Kontakt, sie ordnen sein Leben. Egal ob die Anzahl der Bürstenbewegungen beim Zähneputzen, die Schritte von seiner Wohnung zu Bus oder die Anzahl der Cent, die ein Steuer-Sünder dem Staat noch schuldig ist. Harold zählt einfach alles. Doch eines Tages werden seine Gedanken durcheinander gebracht. Harold hört die Stimme einer Frau in seinem Kopf und sie erzählt Wort für Wort, was in Harolds Gedanken vor sich geht. Doch leider kann nur er diese Stimme hören und schon bald sieht sich der bei seinen Kollegen als brillant aber eigenartig geltende Steuerfander einer mittleren Krise ausgesetzt. Ist er vielleicht überarbeitet? Ist die Stimme sein Gewissen, das ihn vor einem bevorstehenden Nervenzusammenbruch warnen will? Verzweifelt wendet Harold sich an Psychologen und andere Heiler, doch der Erfolg bleibt aus. Erst als er sich an den von Dustin Hoffman verkörperten Literaturexperten Prof. Jules Hilbert wendet, kommt Harold langsam aber sich hinter die schräge Situation, in der er sich befindet. Es stellt sich heraus, dass Harold die Hauptfigur des neuen Romans der berühmten Schriftstellerin Karen Eiffel (wunderbar verwirrt: Emma Thompson) ist. Ohne das diese es weiß, schreibt sie quasi in Echtzeit über Harolds Leben. Doch was Harold nicht weiß, ist, dass Karen etwas schreckliches vorhat. Wie jeden ihrer bisherigen Helden, will sie auch Harold töten. Sie weiß nur noch nicht wie. Natürlich will Harold dieses Vorhaben mit allen Mitteln verhindern, doch dazu muss er zuerst hinter dieses äußerst skurrile Geheimnis kommen. Viel Zeit bleibt ihm allerdings nicht mehr und noch dazu ist es Harold seit langem auch wieder einmal gelungen, eine Frau für sich zu begeistern. Dass Ana Pascal (Maggie Gyllenhaal in einer ungewohnt alternativ aber trotzdem wahnsinnig erotischen Rolle) ausgerechnet eine Steuer-Sünderin ist, auf die Harold angesetzt wurde, ist in dieser unheimlich schrägen Komödie noch die unschrägste Tatsache.
Marc Forster ist mit Stranger Than Fiction ein ziemlich komischer Film gelungen, der in seiner Art wirklich einzigartig ist. Das wunderbar faszinierende Drehbuch von Zach Helm und das schauspielerisch wirklich hochmotiviert wirkende Quartett bestehend aus Will Ferrell, Maggie Gyllenhaal, Dustin Hoffman und Emma Thompson machen die Komödie zu einem cineastischen Geheimtipp, den man sich auf keinen Fall entgehen lassen sollte.

The Last King of Scotland
Idi Amin hat während seiner etwa 8-jährigen Zeit als Diktator Ugandas in den 70er Jahren über 300.000 Menschen getötet. Durch einen Putsch an die Macht gekommen, schaffte er innerhalb kürzester Zeit alle Anhänger des gestürzte Milton Obotes aus dem Weg und machte sich schließlich nicht einmal mehr die Mühe, die Leichen zu begraben. In Kevin Macdonalds filmischer Auseinandersetzung mit der grausamen und von Verfolgungswahn getriebenen Diktatur des von Forest Whitaker faszinierend und mehrfach preisgekrönt dargestellten Machtbesessenen, kommt nun erstmal ein Drama ins Kino, das zum Teil auf wahren Begebenheiten basiert. Die Vorlage für das Drehbuch stammt von Giles Foden. In dem gleichnamigen Roman wird die Geschichte des jungen schottischen Arztes Dr. Nicholas Garrigan, gespielt von James McAvoy, erählt. Nach seinem Abschluss entscheidet sich Garrigan spontan nach Uganda zu gehen, um dort bei der Entwicklungshilfe zu helfen. Anfänglich in einem ländlichen Krankenhaus tätig, kommt er durch Zufall mit dem frisch an die Macht gekommenen Amin in Kontakt, als dieser sich bei einem Unfall an der Hand verletzt und Garrigan ihm erste Hilfe leistet. Begeistert von dessen Tatendrang, lädt der Diktator den jungen Schotten zu sich in die Präsidentenvilla ein und bietet ihm das Amt des Leibarztes an. Mit der Zusage begibt sich Garrigan jedoch in eine gefährliche Lage, die ihm erst bewusst wird, als es schon zu spät ist. Anfänglich von dem Luxus geblendet, erkennt der junge Arzt erst viel zu spät, welche Greueltaten Amin durchführt. Als dann auch noch Garrigans Affäre mit einer von Amins Frauen auffliegt, muss der einst so hochgeschätzte Leibarzt und engste Berater des Diktators um sein Leben fürchten.
The Last King of Scotland ist ein beeindruckender Film über die Gefährlichkeit von Macht. Das Thriller-Drama ist ein faszinierendes Porträt einer menschlichen Bestie und zeigt die Abhängigkeit und Blindheit eines seiner engsten Vertrauten. In zwei Stunden fesselt der Film durchgehend und hat keine einzig hakende Stelle. Dies liegt auch an der zu Recht Oscar-prämierten Perfomance von Forest Whitaker, der als Diktator Idi Amin fast schon beängstigend realistisch wirkt. Der Film vermischt gekonnt die auf wahren Begebenheiten basierende Fakten mit fiktiven Figuren und Handlungsteilen, ohne dabei unrealistisch oder gar unglaubwürdig zu erscheinen. Durch die dokumentarisch wirkende Kameraführung von Anthony Dod Mantle wirkt der Film noch authentischer. So fühlt man sich im Kino wie ein Voyeuer, wenn die Kamera den brillanten Rethoriker Amin bei seinen Reden im Close-Up verfolgt und dabei immer authentisch und ganz nah dran erscheint.
Kurzum, diesen Film sollte man gesehen haben.

Lately Watched

2007-03-03T06:57:00.000-08:00

The Departed
Der zu Recht mehrfach Oscar-prämierter Mafia-Thriller von Regiemeister Martin Scorsese ist eines der ersten Remakes, das auf einer Ebene mit dem japanischen Original (Internal Affairs - OT: Mou gaan dou ) steht. Der Film handelt von der Bostoner Iren-Mafia, angeführt von Frank Costello (Jack Nicholson), und ihrem Kampf gegen die Polizei. Es geht um Kriminelle, die kein Produkt ihrer Umwelt sein möchten, sondern lieber ihre Umwelt zu ihrem Produkt machen.
Ebenso komplex und auf den ersten Blick undurchschaubar wie diese Philosophie ist auch der gesamte Film. Es entwickelt sich ein Katz und Maus-Spiel zwischen den beiden Protagonisten Matt Damon (erstmals als Wolf im Schafspelz zu sehen) und Leonardo DiCaprio (der Gute auf der Seite der Bösen) die aufgrund ihrer Vergangenheit von Mafia und Polizei in jeweils hohe Positionen der anderen Partei geschleust werden.
Unterstützt von einem auch ansonsten grandiosen Cast, der bis in die kleinste Nebenrolle mit wahren Hollywood-Kalibern (Mark Wahlberg, Martin Sheen, Alec Baldwin usw.) aufwartet, gelangen die Hauptdarsteller zu wahren Höchstleistungen und auch aus technischer Sicht ist The Departed ein wahres Meisterwerk. Vielleicht nicht Scorese's bester Film, aber auf jeden Fall ein Höhepunkt im Kinojahr 2006.

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Blood Diamond
Leonardo DiCaprio die Zweite. Ambivalenter und zugleich realitätsnäher kann ein Film wohl kaum sein. Mit seinen wunderschönen und opulenten Aufnahmen von Südafrika verleitet Edward Zwick's Action-Politthriller Blood Diamond auf den ersten Blick dazu, den Film als beschönend oder gar realitätsfremd zu beurteilen. Doch dem Publikum wird schon bald klar, dass der Schein trügt. Der Film schildert das Schicksal zweier Männer, die durch den illegalen Diamanten-Handel in Siera Leone aufeinander angewiesen sind. Solomon Vendys (Djimon Hounsou) Familie wurde bei einem Überfall von Rebellen auf sein Dorf verschleppt. Seitdem ist er einer der vielen Sklaven, die in den Flüssen Siera Leones nach Diamanten suchen, auf die die "Freiheitskämpfern" bei der Finanzierung ihres Bürgerkrieges angewiesen sind. Danny Archer (Leonardo DiCaprio) hingegen ist Diamanten-Schmuggler. Als sich die beiden im Gefängnis treffen und Archer von Vendy's angeblich gefundenem rosa Diamanten erfährt, beschließt er, dem einfachen Fischer zu helfen, seine Familie wieder zu finden, um danach aus dem Edelstein mit unschätzbarem Wert, Kapital zu schlagen. Es beginnt eine Odyssee durch halb Afrika, in deren Verlauf sich die beiden unterschiedlichen Charaktere immer weiter annähern und schließlich erkennen, dass sie ohne den anderen keine Chance auf Erfolg haben.
Blood Diamond ist kein leicht verdaulicher Film. Er öffnet die Augen für etwas, das alltäglich passiert, jedoch von der Weltbevölkerung größtenteils ignoriert wird. In vielen Ländern Afrikas ist Krieg Normalzustand, doch anstatt etwas dagegen zu unternehmen, ist die industrialisierte Welt und ihre Bedürfnisse vielerorts der Auslöser für diese Kriege.

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Rocky Balboa
Was will sich ein alter Sack wie Sylvester Stallone eigentlich damit beweisen, wenn er über 15 Jahre nach seinem letzten Auftritt als Boxlegende Rocky Balboa, noch einmal in den Ring steigt?
Gut, keine Frage, der Italo-Amerikaner ist im sechsten (und hoffentlich nun wirklich letzten Film Rocky Ba lboa) für sein Alter wirklich beeindruckend gut durchtrainiert. Und es sau-cool, wenn die bekannte Rocky-Melodie im Kino ertönt. Aber was will der Typ eigentlich? Nachdem er keinen Regisseur für sein Drehbuch gefunden hat, setzte sich "Sly" schließlich selbst in den Regie-Stuhl und inszenierte das als Sportfilm getarnte Drama kurzfristig selbst. Doch wer sich Action erwartet hat, liegt hier falsch. Es scheint, als hätte der gute Sylvester nämlich nicht mehr genug Power, um wie in den Siebzigern und Achzigern einen ganzen Film hindurch zu trainieren und dann am Schluss einen endlosen Kampf zu absolvieren. In Rocky Balboa sind es nämlich nur etwa 20 Minuten, die man die Boxlegende in Aktion zu sehen bekommt - und selbst die sind langweilig.
Stattdessen erfährt man mehr über den Menschen Balboa, der sich zurückgezogen hat aus dem Geschäft und lieber in seinem Ristorante Geschichten über seine Box-Erfolge erzählt. Schließlich fragt man sich allerdings nur: "Wer will das wissen?", und fordert: "Schlag endlich zu!"
Rocky muss ein letztes Mal in den Ring, um gegen den amtierenden Weltmeister Mason Dixon (Antonio Tarver) anzutreten. Doch selbst dieser Kampf ist am Ende enttäuschend. Wer will schon einen Royk-Kampf ohne K.O.?

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Der Illusionist
Ein Film, der unentdeckt bliebt, obwohl er ohne Zweifel zu den besten Filmes des Jahres 2006 zählt. Basierend auf einem Kurzfilm über den Magier Eisenheim, der im Wien der K&K-Zeit mit seinen Illusions-Shows für Aufsehen sorgte, erzählt Regisseur Neil Burger in The Illusionist die Geschichte von eben diesem Magier, der sich aufgrund seiner Liebe zu einer Frau sogar mit dem Kronprinzen anlegte. Dargestellt von Hollywoods derzeit bestem Jungschauspieler Edward Norton wirkt die Figur des Eisenheim so glaubwürdig und fantastisch wie man es sich in so einem Film erwartet. Wunderbar "altmodisch" fotografiert, entführt einen The Illusionist in eine fremde Welt der Magie und Zauberei. Nicht umsonst war Kameramann Dick Pope für den diesjährigen Oscar nominiert. Schauspielerisch hat der Film neben dem grandiosen Protagonisten auch in den Nebenrollen einiges zu bieten. So ist der lange Zeit als Independent-Schauspieler abgestempelte Paul Giamatti als Polizeiinspektor Uhl und die wunderschöne Jessica Biel als große Liebe Eisenheims zu sehen. Die Handlung des Films selbst ist so magisch wie die Illusionen Eisenheims selbst. Geschickt verbindet Burger Elemente der Historie mit fiktionalen Inhalten und entführt den Zuschauer damit auf eine wunderbare Reise, die trotz Happy-End nicht kitschig wirkt. Ein Meisterwerk, das zu unrecht im Verborgenen blieb!

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Babel
Mit Amores perros hat es begonnen, mit 21 Grams ging es weiter und mit Babel schließt der mexikanische Regie-Shooting-Star Alejandro González Iñárritu seine Trilogie zum Thema Schicksal hochkarätig und preisgekrönt nach sieben Jahren ab.
Der mehrfach mit dem Golden Globe ausgezeichnete Film mit Brad Pitt in einer der unzähligen Hauptrollen, handelt vom Schicksal verschiedener Familien. Scheinbar unabhängig voneinander passieren unterschiedliche Ereignisse. Doch im Verlauf des Films nähern sich die vier an verschiedenen Schauplätzen der Welt (Marokko, Mexiko/USA, Japan) stattfindenden Handlungsstränge immer weiter aneinander an um schließlich ein großes Ganzes zu ergeben. Wie bei der Chaostheorie, wonach ein Schmetterlingsschlag am Äquator einen Tsunami am anderen Ende der Welt hervorrufen kann, sind es in Iñárritus Film Kleinigkeiten, die eine Familie in den Abgrund führen können.
Es sind vor allem das geniale Drehbuch und die außergewöhnlichen Charaktere, die den Film zu einem Erlebnis für sein Publikum machen.
Babel war zu Recht einer der großen Favoriten bei den diesjährigen Oscars, konnte sich allerdings aufgrund der starken Konkurrenz nicht durchsetzen. Verdient hätte er sich die goldene Statue auf alle Fälle.

Trailer:

Und ich hatte doch recht!

2007-02-27T01:19:00.000-08:00

Als ich in meiner Kritik zu M. Night Shyamalans neuestem Werk Lady in the Water schrieb, dass sich der frühere Regie-Meister nun besser auf die Schauspielerei konzentrieren sollte, weil seine Cameo-Auftritte mit jedem seiner Filme beweisen, dass er besser vor der Kamera als dahinter stehen sollte, bekam ich von einigen Leuten Feedback.

In diesen Mails war zu lesen, dass Shyamalan immer noch zu den besten Regisseuren der Gegenwart zu zählen ist.
Aber scheinbar sind da einige, inklusive mir, einer anderen Meinung, wie die Verleihung der Goldenen Himbeere 2007 gezeigt hat.
Laut cinema.de wurde "der frühere Hollywood-Liebling" zum schlechtesten Regisseur erklärt.
Laut Razzies-Initiator John Wilson sei "sein Gruselthriller 'Das Mädchen aus dem Wasser', der von einer Nymphe in einem Großstadt-Swimmingpool erzählt, geradezu prädestiniert für eine 'Himbeere' gewesen." Dass der Regisseur mit dem Hitchcock-Komplex (er muss in jedem seiner Fime mindestens einmal kurz im Bild sein), auch als schlechtester Nebendarsteller ausgezeichnet wurde, lasse wir hier einfach Mal nebenbei erwähnt sein ;-)))

Hier die gesamte Liste der Nominierungen bzw. der Gewinner (fett). Gleich zu Beginn ein kleines Sorry. Ich habe nicht alle Filme verlinkt. Am besten ist es daher wahrscheinlich, für weitere Informationen die IMDB heranzuziehen.

Schlechtester Film
- Basic Instinct 2
- BloodRayne
- Lady in the Water
- Little Man
- The Wicker Man

Schlechtester Darsteller
- Tim Allen / THE SANTA CLAUSE 3: THE ESCAPE CLAUSE, THE SHAGGY DOG & ZOOM
- Nicolas Cage / WICKER MAN
- Larry the Cable Guy (Dan Whitney) / LARRY THE CABLE GUY: HEALTH INSPECTOR
- Rob Schneider / BENCHWARMERS & LITTLE MAN
- Marlon Wayans & Shawn Wayans / LITTLE MAN

Schlechtester Nebendarsteller
- Danny DeVito (Deck The Halls)
- Ben Kingsley (Bloodrayne)
- M. Night Shyamalan (Das Mädchen aus dem Wasser)
- Martin Short (Santa Clause 3 - Eine frostige Bescherung)
- David Thewlis (Basic Instinct 2: Neues Spiel für Catherine Tramell und Das Omen)

Schlechteste Schauspielerin
- Hilary Duff & Haylie Duff / MATERIAL GIRLS
- Lindsay Lohan / JUST MY LUCK
- Kristanna Loken / BLOODRAYNE
- Jessica Simpson / EMPLOYEE OF THE MONTH
- Sharon Stone / BASIC INSTINCT 2

Schlechteste Nebendarstellerin
- Kate Bosworth / SUPERMAN RETURNS
- Kristin Chenoweth / DECK THE HALLS, PINK PANTHER & RV
- Carmen Electra / DATE MOVIE & SCARY MOVIE
- Jenny McCarthy / JOHN TUCKER MUST DIE
- Michelle Rodriguez / BLOODRAYNE

Schlechtestes Drehbuch
- Basic Instinct 2
- BloodRayne
- Lady in the Water
- Little Man
- The Wicker Man

Schlechtestes Film-Duo:
- Tim Allen & Martin Short / SANTA CLAUSE 3: THE ESCAPE CLAUSE
- Nicolas Cage & his bear suit / WICKER MAN
- Hilary & Haylie Duff / MATERIAL GIRLS
- Sharon Stone's breasts / BASIC INSTINCT 2
- Shawn Wayans &/either Kerry Washington or Marlon Wayans / LITTLE MAN

Schlechtestes Remake oder Abzocke (Rip-off)
- Little Man (Rip-off des 1954er Bugs Bunny Cartoons "Baby Buggy Bunny")
- Der rosarote Panther
- Poseidon
- Shaggy Dog Story - Hör mal wer da bellt
- Wicker Man

Schlechtestes Prequel oder Sequel:
- Basic Instinct 2: Neues Spiel für Catherine Tramell
- Big Mamas Haus 2
- Garfield 2
- Santa Clause 3 - Eine frostige Bescherung
- Texas Chainsaw Massacre: The Beginning

Schlechtester Regisseur:
- Uwe Boll (Bloodrayne)
- Michael Caton-Jones (Basic Instinct 2: Neues Spiel für Catherine Tramell)
- Ron Howard (The Da Vinci Code - Sakrileg)
- M. Night Shyamalan (Das Mädchen aus dem Wasser)
- Keenan Ivory Wayans (Little Man)

Schlechtestes Drehbuch:
- Basic Instinct 2: Neues Spiel für Catherine Tramell (Leora Barish & Henry Bean)
- Bloodrayne (Guinevere Turner)
- Das Mädchen aus dem Wasser (M. Night Shyamalan)
- Little Man (Keenan Ivory Wayans, Marlon Wayans, Shawn Wayans)
- Wicker Man (Neil LaBute)

Schlechteste Rechtfertigung für Familienunterhaltung:
- Deck The Halls
- Garfield 2
- Die Chaoscamper
- Santa Clause 3: Eine frostige Bescherung
- Shaggy Dog - Hör mal wer da bellt

Oscars 2007 - Die Gewinner

2007-02-25T23:33:00.000-08:00

BESTER FILM

· "The Departed"

BESTER HAUPTDARSTELLER

· Forest Whitaker in "The Last King of Scotland"

BESTER NEBENDARSTELLER

· Alan Arkin in "Little Miss Sunshine"

BESTE HAUPTDARSTELLERIN

· Helen Mirren in "The Queen"

BESTE NEBENDARSTELLERIN

· Jennifer Hudson in "Dreamgirls"

BESTER ANIMATIONSFILM

· "Happy Feet" (1. Treffer – juhu)

BESTE AUSSTATTUNG

· "Pan's Labyrinth" (2. Treffer)

BESTE KAMERA

· "Pan's Labyrinth"

BESTE KOSTÜME

· "Marie Antoinette" (3. Treffer)

BESTE REGIE

· Martin Scorsese für "The Departed"

BESTER DOKUMENTARFILM

· "An Inconvenient Truth" (4. Treffer)

BESTER DOKUMENTARISCHER KURZFILM

· "The Blood of Yingzhou District"

BESTER SCHNITT

· "The Departed" (5. Treffer)

BESTER FREMDSPRACHIGER FILM

· "The Lives of Others"

BESTES MAKE-UP

· "Pan's Labyrinth" (6. Treffer)

BESTE FILMMUSIK

· "Babel"

BESTER FILMSONG

· "I Need to Wake Up" aus "An Inconvenient Truth"

BESTER ANIMIERTER KURZFILM

· "The Danish Poet"

BESTER KURZFILM

· "West Bank Story"

BESTER TON

· "Dreamgirls"

BESTE TONBEARBEITUNG

· "Letters From Iwo Jima"

BESTE VISUELLE EFFEKTE

· "Pirates of the Caribbean"

BESTES ADAPTIERTES DREHBUCH

· "The Departed" (7. Treffer)

BESTES ORIGINAL-DREHBUCH

· "Little Miss Sunshine" (8. Treffer)

Acht Treffer in 24 Kategorien. So schlecht habe ich noch nie getippt. Aber was soll’s. Nächstes Jahr beginnt das alles wieder von vorne.

Die Oscar-Nominierungen 2007 und meine Tipps (fett)

2007-02-25T23:22:00.000-08:00

BESTER FILM

· "Babel"

· "The Departed"

· "Letters From Iwo Jima"

· "Little Miss Sunshine"

· "The Queen"

BESTER HAUPTDARSTELLER

· Leonardo DiCaprio in "Blood Diamond"

· Ryan Gosling in "Half Nelson"

· Peter O'Toole in "Venus"

· Will Smith in "The Pursuit of Happyness"

· Forest Whitaker in "The Last King of Scotland"

BESTER NEBENDARSTELLER

· Alan Arkin in "Little Miss Sunshine"

· Jackie Earle Haley in "Little Children"

· Djimon Hounsou in "Blood Diamond"

· Eddie Murphy in "Dreamgirls"

· Mark Wahlberg in "The Departed"

BESTE HAUPTDARSTELLERIN

· Penélope Cruz in "Volver"

· Judi Dench in "Notes on a Scandal"

· Helen Mirren in "The Queen"

· Meryl Streep in "The Devil Wears Prada"

· Kate Winslet in "Little Children"

BESTE NEBENDARSTELLERIN

· Adriana Barraza in "Babel"

· Cate Blanchett in "Notes on a Scandal"

· Abigail Breslin in "Little Miss Sunshine"

· Jennifer Hudson in "Dreamgirls"

· Rinko Kikuchi in "Babel"

BESTER ANIMATIONSFILM

· "Cars"

· "Happy Feet"

· "Monster Hourse"

BESTE AUSSTATTUNG

· "Dreamgirls"

· "The Good Shepherd"

· "Pan's Labyrinth"

· "Pirates of the Caribbean"

· "The Prestige"

BESTE KAMERA

· "The Black Dahlia"

· "Children of Men"

· "The Illusionist"

· "Pan's Labyrinth"

· "The Prestige"

BESTE KOSTÜME

· "Curse of the Golden Flower"

· "The Devil Wears Prada"

· "Dreamgirls"

· "Marie Antoinette"

· "The Queen"

BESTE REGIE

· Alejandro González Iñárritu für "Babel"

· Martin Scorsese für "The Departed"

· Clint Eastwood für "Letters From Iwo Jima"

· Stephen Frears für "The Queen"

· Paul Greengrass für "United 93"

BESTER DOKUMENTARFILM

· "Deliver Us From Evil"

· "An Inconvenient Truth"

· "Iraq in Fragments"

· "Jesus Camp"

· "My Country, My Country"

BESTER DOKUMENTARISCHER KURZFILM

· "The Blood of Yingzhou District"

· "Recycled Life"

· "Rehearsing a Dream"

· "Two Hands"

BESTER SCHNITT

· "Babel"

· "Blood Diamond"

· "Children of Men"

· "The Departed"

· "United 93"

BESTER FREMDSPRACHIGER FILM

· "After the Wedding"

· "Days of Glory (Indigenes)"

· "The Lives of Others"

· "Pan's Labyrinth"

· "Water"

BESTES MAKE-UP

· "Apocalypto"

· "Click"

· "Pan's Labyrinth"

BESTE FILMMUSIK

· "Babel"

· "The Good German"

· "Notes on a Scandal"

· "Pan's Labyrinth"

· "The Queen"

BESTER FILMSONG

· "I Need to Wake Up" aus "An Inconvenient Truth"

· "Listen" aus "Dreamgirls"

· "Love You I Do" aus "Dreamgirls"

· "Our Town" aus "Cars"

· "Patience" aus "Dreamgirls"

BESTER ANIMIERTER KURZFILM

· "The Danish Poet"

· "Lifted"

· "The Little Matchgirl"

· "Maestro"

· "No Time for Nuts"

BESTER KURZFILM

· "Binta and the Great Idea (Binta Y La Gran Idea)"

· "Éramos Pocos (One Too Many)"

· "Helmer & Son"

· "The Saviour"

· "West Bank Story"

BESTER TON

· "Apocalypto"

· "Blood Diamond"

· "Dreamgirls"

· "Flags of Our Fathers"

· "Pirates of the Caribbean"

BESTE TONBEARBEITUNG

· "Apocalypto"

· "Blood Diamond"

· "Flags of Our Fathers"

· "Letters From Iwo Jima"

· "Pirates of the Caribbean"

BESTE VISUELLE EFFEKTE

· "Pirates of the Caribbean"

· "Poseidon"

· "Superman Returns"

BESTES ADAPTIERTES DREHBUCH

· "Borat"

· "Children of Men"

· "The Departed"

· "Little Children"

· "Notes on a Scandal"

BESTES ORIGINAL-DREHBUCH

· "Babel"

· "Letters From Iwo Jima"

· "Little Miss Sunshine"

· "Pan's Labyrinth"

· "The Queen"

Die Besten-Liste Vol IX: Die 10 besten Filmplakate

2007-01-20T09:41:00.000-08:00

"Ein Bild sagt mehr als tausend Worte", lautet ein altbekanntes Sprichwort.
Und da wir in einer bildorientierten Welt leben, in der alles visualisiert wird, um es besser zu verstehen, ist es um so wichtiger, mit den Kreationen aufzufallen.
Ganz besonders im Entertainment-Bereich bestimmt das Art-Work schon Mal, ob man sich mit dem angepriesenen Thema weiter auseinander setzt oder nicht. Um verschiedene Geschmäcker zu finden, wird so gut wie bei jedem Film nicht nur ein Motiv entworfen sondern gleich mehrere. Manchmal kommen dabei richtige Perlen raus.
Ich habe mich nun mit dem Thema Filmplakat auseinandergesetzt und überlegt, welche Motive und Filme mir in Erinnerung geblieben sind bzw. welche aktuellen Entwürfe in die Besten-Liste passen könnten.
Hier nun das Ergebnis. Wie immer freue ich mich natürlich auch über Kritik und eine Meinung, welche Poster hier nicht fehlen sollten.

10. Dragonheart: Zu diesem Film über den Drachentöter, gespielt von Dennis Quaid, gab es verschiedene Plakatentwürfe, bei denen von Hui bis Pfui alles dabei war.
Dieses Plakat war ein Teaser-Entwurf für den Film. Obwohl es durch die knalligen Farben einen leicht kitschigen Touch hat, gefällt es mir dennoch gut, weil es sehr viel Mystik ausstrahlt und Lust auf den mittelmäßigen Fantasy-Film macht.

9. Babel: Der frisch gebackene Golden Globe-Gewinner ist ein sehr gutes Beispiel für ein modernes Filmposter mit starker Symbolhaftigkeit.
Der Titel ist vertikal geschrieben, wodurch Assoziationen zum berühmten Turm von Babel geweckt werden, für den sich die Babilonier den Zorn Gottes einhandelten, weil sie dadurch den Himmel erklimmen wollten.
Die einzelnen Motive rund um den Schriftzug verraten etwas über den Film, nämlich dass er an verschiedenen Orten spielt und das Schicksal mehrerer Menschen behandelt. So wird ein gutes Plakat gemacht.

8. Scarface: Mit dem nächsten Plakat gehen wir ein wenig zurück in der Zeit.
Dieses Artwork zu Brian De Palmas Kultfilm Scarface beeindruckt durch seinen Minimalismus, was Farbgebung anbelangt.
Schwarz und Weiß stehen für das Gute und das Böse, die sich gegenüber stehen. In der Mitte, nicht genau zuordbar die Hauptfigur Al Pacino, der quasi zwischen den Fronten steht. Toll gemacht!

7. Full Metal Jacket: Ich persönlich war nie ein Fan von Stanley Kubrick. Mich erreichte die Euphorie zu seinen als Meisterwerke hochgelobten Filme.
Doch eines kann man dem Regisseur, der zu laut vielen zu den besten Regisseuren aller Zeiten zählt nicht absprechen. Er hatte immer eine gute Crew um sich. Bei seinem (Anit-)Kriegsfilm Full Metal Jacket waren es vor allem die Grafiker, die tolle Arbeit leisteten. Auch hier spielen Symbole eine große Rolle und lassen zwei gegensätzliche Dinge aufeinander prallen. Einerseits den Tarnhelm, der für Krieg und Zerstörung steht und andererseits das Peace-Zeichen. Ambivalenter könnte man ein Filmplakat nicht entwerfen

6. Crash: Der Oscargewinner aus 2006 hat mich nicht nur filmisch begeistert sondern auch durch die Farbgebung der verschiedenen Plakate. Ich bin ein Fan von Brauntönen und stehe auf das Spiel mit dem Bildfokus. Aus diesem Grund will ich hier zwei Entwürfe zeigen, die mir besonders gut gefallen haben. Besonders das Plakat mit den beiden Personen strotzt vor Emotionalität.

5. Kill Bill: Fans von Quentin Tarantino würden wahrscheinlich die Plakate all seiner Film in die Besten-Liste mit aufnehmen. Zugegeben, obwohl ich kein großer Fan des Selfmade-Kultregisseurs bin, muss ich ihm zugestehen, dass er ein gutes Händchen für die Kreation seiner Plakate hat.
Mein Favorite aus der Tarantino-Reihe: Das Teaser-PLakat zur Blutorgie Kill Bill.
Wer hätte schon gedacht, dass gelb und rot in Kombination mit minimalem Einsatz von schwarz so perfekt wirken können.

4. Die Saw-Trilogie: Makaber und mutig. Das sind die beiden Begriffe, die mir zu den Plakaten der Saw-Filme einfallen.
Makaber benötigt denke ich keine weitere Erklärung. Mutig deswegen, weil man als Marketing-Verwantwortlicher eine Menge Mut braucht, um eine öffentliche Plakatierung mit Motiven durchzuführen, die abgertrennte Körperteile zeigen.
Aber auch in diesen Fällen muss man gratulieren, denn schon auf den ersten Blick erkennt man bei diesen Postern, was einem beim Kauf eines Kinotickets erwartet. Ein wenig irreführend ist die Sterilität, die diese Bilder ausstrahlen.

3. Die Matrix-Filme: Der Begiff Bildikone bezeichnet Bilder, die sich in das kollektive Gedächtnis der Menschheit gebrannt haben. Eine solche Bildikon ist zum Beispiel das nackte Mädchen, das mit Napalm-Verbrennungen am ganzen Körper auf einer Straße herumläuft.
Auch in der Filmbranche gibt es solche Bildikonen. Man denke nur an die Zeichen so mancher Superhelden. Jeder kennt das Superman-Zeichen oder die Fledermaus aus Batman.
Doch während diese Filme von ihren Plakaten her, eher einfallslos sind, haben es die Matrix-Filme geschafft, mit ihren Zahlencodes und der einzigartigen Farbgebung, die sich durch die gesamte Trilogie zieht, eine Bildikone zu schaffen, die ziemlich cool und stylisch ist.

2. Paris, je t'aime: Der zweite Platz geht an einen aktuellen Arthouse-Film. Paris je t'aime ist eine Liebeserklärung an die Stadt der Liebe. 20 Regisseuren inszenierten in jeweils fünf Minuten eine Kurzgeschichte und erschufen dadurch eine Hommage an Paris.
Dazu gibt es mehrere erstklassige Plakatentwürfe, die vor allem durch Kreativität und ein tolles Gefühl für Grafik beeindrucken. Hier drei bekannte Motive.

1. Jaws (Der weiße Hai): Bildsprache ist, richtig eingesetzt, das ideal Mittel, um weltweit Messages zu vermitteln. Das Plakat zu Steven Spielbergs Horrorklassiker um den Killerhai ist Bildsprache in Perfektion. Ein tolles Plakat!

BMW und Hollywood

2007-01-17T00:47:00.000-08:00

Kaum ein Weltkonzern lässt sich Werbung abseits der klassischen Methoden so viel kosten, wie die Bayerischen Motoren Werke.
Bereits vor einigen Jahren zu Beginn dieses Jahrhunderts gab es auf www.bmwfilms.com die erste Staffel mehrere Kurzfilme zum Download, die mit Starbesetzung und Action, wie man sie normal nur aus den ganz großen Hollywood-Filmen kennt, nicht nur die Fans von BMW beeindruckten.
Das lag vermutlich daran, dass in Staffel eins, die den Namen The Hire trug, Regie-Meister wie Guy Ritchie, John Frankenheimer, Wong Kar Wai, Ang Lee, Alejandro González Iñárritu ans Werk gingen.
Auch die zweite Staffel ließ mit großen Namen mit Spannung auf sich warten und erfüllte alle Erwartungen.
John Woo, Joe Carnahan und Tony Scott setzten Clive Owen als legendären Driver und seinen Z-BMW perfekt in Szene.

Ich war damals zwar noch rechtzeitig dran und konnte die Filme downloaden.
Leider weiß ich allerdings nicht mehr, wo ich die gebrannte CD verstaut habe ;-(
Und jetzt hab ich sie wieder gefunden, und zwar bei Youtube.
Hier also nun die absolut tollen BMW Shorties. Nehmt euch Zeit, es lohnt sich!

1. Film
Titel: Ambush
Regie: John Frankenheimer

2. Film
Titel: Chosen
Regie: Ang Lee

3. Film
Titel: The Follow
Regie: Wong Kar Wai

4. Film
Titel: Star
Regie: Guy Ritchie

5. Film (mein persönlicher Favorit der ersten Staffel)
Titel: Powder Keg
Regie: Alejandro González Iñárritu

6. Film (erster Film der zweiten Staffel)
Titel: Hostage
Regie: John Woo

7. Film (Meine persönliche Nummer zwei)
Titel: Ticker
Regie: Joe Carnahan

8. Film (wie üblich, das beste kommt zum Schluss! Dieser Film ist legendär und zählt mit zu den besten "Werbungen" die ich je gesehen habe)
Titel: Beat the Devil
Regie: Tony Scott

Aktuelle Science-Fiction

2006-12-17T06:53:00.000-08:00

Nehmen wir einmal an, die Menschheit würde unfruchtbar werden und sich dadurch ihrem Ende zubewegen. Wie würde sich unser Dasein dadurch verändern?
Alfonso Cuarón, Regisseur von Y tu mamá también und Harry Potter and the Prisoner of Azkaban wagt sich mit seinem realistischen Science-Fiction-Thriller Children of Men an diese schwierige Frage.

Doch anstatt Erklärungen zu geben, wie es zu diesen Weltumständen gekommen ist, stellt er sein Publikum gleich zu Beginn vor vollendete Tatsachen.
Wir schreiben das Jahr 2027. Gerade wurde der jüngste Mensch der Welt mit 18 Jahren ermordet. In der Welt herrscht Anarchie. Jeder ist sich selbst der Nächste und um den radikalen Gruppierungen entgegen zu wirken, hat sich nicht nur England in einen Polizeistaat entwickelt, in dem Menschen aller Couleur grundlos eingesperrt oder gar auf offener Straße ermordet werden.
Genau in diesem von Brutalität geprägten Umfeld siedelt Cuaron seine Geschichte an.
Der desillusionierte Protagonist Theodor Faron lebt sein Einzelgängerdasein. Schon längst scheint es ihn nicht mehr aus dem Konzept zu bringen, wenn der Coffee-Shop, in der kurz zuvor noch seinen Morgenkaffee gekauft hat, mit einer Bombe in die Luft gesprengt wird und dabei zig Menschen ums Leben kommen.
Als Theo von maskierten Männern entführt wird, zeigt der gefühlstaube Mensch zum ersten Mal seit langem eine Regung. Er hat Angst. Als sich jedoch herausstellt, dass Julian, seine Ex-Geliebte, hinter der Entführung steckt, glaubt Theo, dass er nichts zu befürchten hat. Zuerst lehnt er den Hilferuf der mittlerweile zur Anführerin einer der zahllosen radikalen Splittergruppe gewordenen Julian ab. Doch als er bemerkt, worum es geht, wird Theo schnell klar, dass er gebraucht wird.
Die junge Kee (Claire-Hope Ashitey) muss zur Küste gebracht werden. Sie ist die erste schwangere Frau seit 19 Jahren. Gerät diese Nachricht an die Öffentlichkeit, würde dies - davon wird ausgegangen - das momentane Chaos nur noch verschlimmern.

Was folgt ist eine rasante und gefährliche Tour von London an die britische Küste, wo ein Schiff die schwangere Frau und ihr Kind in Sicherheit bringen soll.

Die Idee, eine Geschichte über die Folgen einer unfruchtbaren Menschheit zu erzählen, ist ohne Zweifel grandios. Die Schwierigkeit eines solchen Films liegt in der Entscheidung, wieviel Gedankenspielraum man dem Publikum lässt. Cuaron geht hier einen sehr interessanten Weg, denn statt konkrete Aussagen zu treffen, setzt er darauf, dass sich das mündiges Publikum mögliche Gründe für eine solche Situation ausgehend von aktuellen Diskussionen um Genmanipulation etc. ausmalen kann.
Nicht Fremdeinwirkung sondern im Grunde genommen die Menschheit selbst hat sich zu dem Punkt gebracht, wo sie 2027 steht, nämlich am Abgrund.

Children of Men ist kein typischer Science-Fiction-Thriller. Schon allein die Optik, mit der Cuaron seine grandios agierenden Hauptdarsteller Clive Owen (Closer, Sin City, Inside Man),
Julianne Moore und Michael Caine in Szene setzt, zeigt, wie ungewöhnlich dieser Film ist.
Die ungeschönten, fast schon dokumentarische Kameraaufnahmen von Emmanuel Lubezki (Sleepy Hollow) tragen ihren Part dazu bei, dass dieser Sci-Fi-Thriller so realistisch wirkt.
Realistisch ist auch die Tatsache, dass die Welt in Childrem of Men als ein multikultureller Schmelztegel präsentiert wird. In London fahren motorisierte Rikschas herum und tragen Moslems in Trauerzügen in den Straßen der westliche Welt ihre Toten zu Grabe. In dieser Hinsicht ist der Film eine konsequente Weiterführung der heute tagtäglich in den Nachrichten zu sehenden Bilder und wird dadurch hoch aktuell.

Zusammenfassend lässt sich behaupten, dass Children of Men durchaus als Highlight des Kinojahres 2006 bezeichnet werden kann. Eine hochkarätige Besetzung, die sehr unmittelbare Optik und die nicht nur aus philosphischer Sicht interessante Thematik des Films verleihen dem Thriller einen besondern Touch, der auch über den Kinobesuch hinaus anhält und zum Nachdenken anregt.

Trailer:

Die Besten-Liste Vol VIII: Die 10 besten Trailer

2006-12-09T11:44:00.000-08:00

Manche nervt der Werbeblock im Kino, der die Zeit bis zum Film oftmals einfach nur schier unendlich zieht. Doch andere wiederum gehen allein wegen den Trailern ins Kino. Als bekannt wurde, dass erste Trailer zu Episode 1 Star Wars in den Kinos gezeigt werden, stürmten massenhaft Fans von Luke Skywalker und Co in die Kinos, nur um die Vorschau zum Film zu sehen. Den eigentlichen Hauptfilm wollten die Leute damals nicht einmal sehen und so leerten sich die Säle noch bevor der Film eigentlich begann.
Nicht jeder Trailer besticht durch Qualität aber manchmal tauchten in der Filmgeschichte Vorschauen auf, an die man sich einfach erinnert und die einem richtig Lust auf den beworbenen Film machen. Hier sind meine 10 Lieblingstrailer.

10. Kids: Der Skandalfilm aus den 90ern wurde durch diesen ziemlich cool geschnittenen Trailer perfekt beworben. Besonders schön finde ich den Break in der Mitte, der dieser Filmvorschau einen besonderen Touch gibt.

9. The Cell: Visuell besticht dieser Trailer ähnlich wie der Film selbst und ich kann mich noch daran erinnern, wie sehr ich mich nach dieser Vorschau auf den Film gefreut habe. Auch wenn sich nach dem Kinobesuch die Meinung zum Film geändert hat.

8. Garden State: Besonders schön beim Trailer zu Zach "Flachzange" Braffs finde ich den Trailerscore von Fru Fru.

7. Fight Club: Wie im Film selbst, führt auch im Trailer Edward Nortons Stimme durch die Handlung. Eine gute und vor allem unkonventionelle Idee!

6. Clockwork Orange: Von vielen als Meisterwerk bezeichnet, ist auch der Trailer zu Clockwerk Orange sehenswert. Erstaunlich ist vor allem der unglaublich schnelle Schnitt und die gelungene Bildmontage.

5. In the Mood for Love: Hier zählt eindeutig nur das Bild, wenn auch der Soundtrack zum Trailer zum Eintauchen in die Welt Wong Kar Wais einlädt.

4. The Bridge: Mysteriös geschnitten könnte man beim ersten Mal Sehen dieses Trailers denken, er würde ein Drama bewerben. Tatsächlich ist The Bridge eine umstrittene Dokumentation, was den Trailer noch beeindruckender macht.

3. Ice Age 2: Ein Teaser, wie er im Buche steht. Etwa ein halbes Jahr vor Kinostart tauchte Scrat wieder im Kino auf, und jeder wusste sofort: Der zweite Teil von Ice Age kommt!

2. Deja Vu: Neu aber trotzdem gut. Dieser Film verspricht, ein Blockbuster zu werden. Die originelle Idee, bereits im Trailer mit dem Phänomen des Deja Vus mittels Wiederholung zu arbeiten, ist so noch nie dagewsen und absolut hochkarätig eingesetzt.

1. Texas Chainsaw Massacre: Horrorfilme haben einen besonderen Vorteil, wenn es darum geht, Trailer für sie zu produzieren. Man kann sehr stark mit Schockelementen arbeiten, die es meist zu Hauf im Film gibt. Beim Remake des Klassikers aus den 70ern stimmt vor allem beim Trailer alles: Aufbau, Musik und vor allem Schnitt sind ein wahres Vorzeigemodell, wie ein spannender Trailer aussehen sollte. Leider hielt der Film wie sooft nicht das, was versprochen wurde.

We are from Bavaria - That's near Germany!

2006-12-05T12:27:00.000-08:00

Dieses Zitat ist bezeichnend für Schwere Jungs, die neueste Sportlerkomödie der etwas anderen Art von Marcus H. Rosenmüller.
Erzählt wird die ungewöhnliche Geschichte des deutschen, oder sollte man vielleicht doch eher sagen bayerischen Olympia Bobteam aus dem Jahre 1952.

Schon in ihren Kinderjahren waren Gamser (Sebastian Bezzel) und Dorfler (Nicholas Ofczarek) Erzfeinde, als sie mit ihren selbstgebauten Bobs die Piste runter bretterten.
Während der Schreiner Gamser mit der Zeit sein sportliches Hobby aufgeben musste, um Geld für sich und seine Familie einzubringen, ist aus dem reichen Brauereibesitzer Dorfler ein weltberühmter Athlet geworden, der als regierender Weltmeister mit seinem Team fix für die Olympischen Spiele in Oslo qualifiziert ist.
Um seinem "großkopferten" Erzrivalen zu zeigen, dass er selbst nach vielen Jahren noch das Zeug dazu hat, ihn zu schlagen, trommelt Gamser seine alte Mannschaft wieder zusammen. Gemeinsam schaffen sie tatsächlich die Qualifikation für Oslo. In der Norwegischen Olympiastadt angekommen, müssen die Sportler jedoch feststellen, dass in der Grund-Besetzung keines der beiden Viererteams eine Chance auf den Sieg hat. So müssen die seit ihrer Jugend verfeindeten Bayern eine der wichtigsten Entscheidungen in ihrer sportlichen Karriere treffen. Sollen sie ihren eigenen Stolz befriedigen und in einem internen Duell ohne Chance auf einen Spitzenrang im Gesamtclassement den Besseren ermitteln, oder steht doch die Erfüllung der Erwartungen der noch vom Weltkrieg zerrüttenten deutschen Nation im Vordergrund? Sollen Gamser, Dorfler und Co. versuchen, mit vereinten Kräften einen Sieg für Deutschland einzufahren?

Allein das Gewicht entscheidet über Sieg oder Niederlage, und so ermitteln die Schweren Jungs nach einer Marathon-Mahlzeit die vier Schwersten aus ihren Reihen.
Köstlicher Wortwitz, spritzige Darsteller und eine durchwegs familienfreundliche Story mit einigen saukomischen Elementen, machen aus Schwere Jungs einen würdigen Nachfolger für Marcus Rosenmüllers Erstling Wer früher stirbt, ist länger tot.

Zusätzlich sorgt ein wie immer äußerst witzig agierender Bastian Pastewka in einer Nebenrolle als Olympia-Betreuer der Bayerischen Bobfahrer für so manchen Schmunzler zwischendurch.
Alles in Allem ist Schwere Jungs eine gelungene Winterkomödie, die besonders den Kinofreunden in Süddeutschland eine große Freude machen und vielleicht auch im Rest Deutschlands und in Österreich für eine Bobeuphorie sorgen wird.

Teaser:

Link zur offiziellen Filmseite mit Trailer:
www.schwerejungs.film.de

Blutige Geschichtsstunde

2006-12-05T10:04:00.000-08:00

Mel Gibson ist spätestens seit seinem blutigen Jesusdrama The Passion of the Christ für seinen provokativen Regiestiel bekannt.
Mit seinem neuesten Werk Apocalypto widmet sich der Oscarpreisträger nach Braveheart und seinem Religionsfilm auch in der vierten Regiearbeit der Vergangenheit.
500 Jahre dreht der Star aus den Mad Max und Lethal Weapon Filmen diesmal die Zeit zurück und verspricht, das Geheimnis um eine der mysteriösesten Kulturen der Weltgeschichte zu lüften.
In Apocalypto erzählt Gibson die Geschichte einer Maya-Familie, die bei einem Überfall von Kriegern auf ihr Dorf auf brutale Art und Weise getrennt wird.
Während seine schwangere Frau und sein Junge zurückbleiben, wird Jaguar Paw (Rudy Youngblood) von den Männern verschleppt und in die große Stadt gebracht, wo er den Göttern geopfert werden soll. Nachdem ihm die Flucht gelingt, beginnt eine atemlose Hetzjagd durch den Mittelamerikanischen Dschungel, auf der er mehrmals nur knapp dem blutigen Tod entgeht. Doch in seinem Revier wird aus dem Gejagten schnell der Jäger, und so schaltet Jaguar Paw seine Verfolger nach der Reihe aus, bevor er seine Familie heldenhaft vor dem sicheren Tod rettet.

Was als großartiger Historienfilm angekündigt wurde, der nie dagwesene Einblicke in die Kultur der Mayas bringen soll, entpuppt sich bei näherer Betrachtung als klassischer Actionfilm in ungewohnter Atmosphäre.
Keine Frage, Apocalypto ist ein außergewöhnlicher Film, schon allein wegen der Idee, eine solch rasante Geschichte in der Maya-Zeit anzusetzen. Doch der Film hält leider nicht, was er seiner vermeintlichen Zielgruppe (Kulturbegeisterte) verspricht.
Stattdessen fließt Blut in Strömen, werden Hinrichtungen in Großaufnahme gezeigt und Schockelemente eingebaut, wie man es auch aus anderen Actionfilmen kennt.
Was man dem Film dennoch zu Gute halten muss ist, dass er in keiner seiner 140 Minuten Längen aufweist, sondern zu jedem Zeitpunkt spannendes und rasantes Kino bietet.
Dazu trägt auch die innovative Kameraführung von Dean Semler bei, der durch seine sehr dynamischen Großaufnahmen den Verfolgunsjagden ein ganz besonderes Flair verleiht. Pompöse, atemberaubend schöne Aufnahmen des Dschungels komplettieren die nahezu an Perfektion grenzende Kameraarbeit Semlers, der bereits bei Dances with Wolves zeigte, welches Genie in ihm steckt.

Apocalypto ist ein typischer Mel Gibson Film. Wie sein Vorgänger The Passion of thr Christ ist auch Gibsons Maya-Thriller in Originalsprache mit deutschen Untertiteln gedreht. Verpflichtete er in der Verfilmung der letzten 12 Stunden von Jesus Christus noch Hollywood-Stars wie James Caviezel und Monica Bellucci, so sind bei dem in Yucatan Maya gedrehten Apocalypto nur indigene, weitgehend unbekannte Darsteller zu sehen.
Dadurch verliert der Film jedoch nicht an Qualität sondern gewinnt ganz im Gegenteil gewaltig an Authentizität.
Eine weitere Parallele zu Gibsons Vorgänger-Film ist die Spaltung des Publikums, die sein neuestes Werk auch auslösen wird. Fielen bei den grausigen Folterszenen im Jesus-Film sogar manche Menschen im Kino in Ohnmacht, so könnte gleiches auch bei den Hinrichtungsszenen in Apocalypto passieren. Bleibt abzuwarten, wie sich der Film an der Kinokasse schlagen wird. Sehenswert ist Mel Gibsons drittes Regiewerk auf alle Fälle.

Trailer

Ein würdiger Nachfolger

2006-12-04T13:23:00.000-08:00

Es ist eigentlich eine sehr paradoxe Geschichte mit dem neuen Bond.
Seit 23. November ist nämlich auch der wohl legendärste Geheimagent der Filmgeschichte dem aktuellen Franchise-Trend zum Opfer gefallen.
Star Wars machte mit seinen Episoden I bis III den ersten Schritt in Richtung Prequel Auswertung. Batman musste ebenfalls dran glauben, genau wie Superman und bald auch Indiana Jones. Alle Helden der Filmgeschichte, über die mehr als nur ein Teil gedreht wurden, bekamen in den letzten Jahren eine ganz besondere Wiederbelebung in Form ihrer Vorgeschichte.
Es ist ein einfaches Konzept.
Will man seine Hauptfigur nicht umbringen und fällt einem nichts Neues mehr ein, was man sie erleben lassen könnte, so beginnt man einfach die Geschichte vor dem ersten Teil noch ein bisschen auszuschmücken.
Und so ist es kein Wunder, dass Bond Nr. 21, der den interessanten Titel Casino Royale trägt, davon erzählt, wie Bond zum Geheimagenten mit der Lizenz zum Töten wurde.
Nachdem Pierce Brosnan, der vielerorts nach Sean Connery als der beste Bond bezeichnet wurde, seinen Doppelnull-Status nach vier Abenteuern (mit dem Bond-Projekt James Bond 007: Everything or Nothing fünf) abgeben musste entfachte eine wilde Spekulationsschlacht um seinen Nachfolger. Schließlich wurde der bis dato eher unbekannte Schauspieler Daniel Craig für den Job engagiert.
Zum ersten Mal ist Bond damit blond und wirkt nicht wie der Schönling von nebenan. Stattdessen ist Craig wie ein ungeschliffener Rohdiamant, dessen Wandlung man in Casino Royale und den geplanten weiteren Abenteuern mitverfolgen wird können.
Craig gibt ein gutes Debüt ab und kann durchwegs als würdiger Nachfolger für den Schönling Brosnan bezeichnet werden.
In seiner ersten Mission als 007 muss Craig einen fiesen Schurken namens Le Chiffre (Mads Mikkelsen) zur Strecke bringen, ehe dieser mit seinen Millionen afrikanische Terroristen unterstützen kann.
Das tolle an Craigs Bond-Interpretation ist, dass er das bisherige Klischee von Bond nicht mehr unterstützt sondern vielmehr im wahrsten Sinne des Wortes durch den Dreck zieht.
Waren seine Vorgänger stets anständig gekleidet und schweißfrei nachdem sie einen Kampf um Leben und Tod hatten, so blutet und schwitzt Craig als James Bond wie eine reale Person.
Er hat Narben nach Faustkämpfen, muss nach einer atemberaubenden Verfolgungsjagd über einen Kran erstmal kräftig durchatmen und muss auch sonst einiges einstecken.
Ihm ist es egal, ob sein Vodka-Martini gerührt oder geschüttelt ist. Hauptsache er bekommt ein Drink gegen die Schmerzen.
Dass diese Masche bei den Frauen zieht, beweist die Lovestory zwischen ihm und Vesper Lynd (Eva Green). Und auch in diesem Punkt ist der neue Bond ein Unicum. Nur soviel: Casino Royle erklärt, warum Bond in seinen bisher 20 Abenteuern nie mehr als eine Affäre mit seinen Girls hatte!

Fazit: Das 21. Abenteuer von James Bond ist zugleich der Auftakt zu einer neuen 007-Ära. Es soll weg vom Schönling-Dasein gehen und stattdessen eindeutig dreckiger und vor allem härter werden. Dafür sorgt Daniel Craig, der allein aufgrund seines kantigen Aussehens ein würdiger Nachfolger für alle anderen Bonds der letzten Jahre ist und damit Casino Royale trotz des fast schon pentranten Product Placements sehenswert macht.

Trailer:

Oliver Stone blessed America

2006-10-26T12:57:00.000-07:00

Oliver Stone gehört zu jenen Kalibern Hollywoods, denen man die Verfilmung der Tragödie vom 11. September 2001 noch am ehesten zugetraut hat.
Dem Regisseur von Klassikern wie Platoon, JFK oder Natural Born Killers vertraute man, dass er den richtigen Ton treffen würde. Nicht zu kitschig sollte es werden, aber trotzdem sollte der Nationalstolz der USA im Mittelpunkt stehen.
Was würde sich also besser eignen, als das Schicksal zweier Polizisten aus New York herauszupicken, die bei den 9/11 Anschlägen im Kampf um das Leben der Zivilisten in den Zwillingstürmen ihr eigenes Leben aufs Spiel setzten und dabei fast verloren hätten?

Und so erzählt Stone die Geschichte von Seargant McLoughlin (Nicolas Cage drückt kräftig auf die Tränendrüse) und seinem Partner Will Jimeno (Michael Pena, bekannt aus L.A. Crash), die am 11. September einen ganz normalen Dienst antraten, bis um kurz nach 10 Uhr plötzlich ein Schatten über die Stadt flitzte und einen lauten Knall folgen ließ.
Das erste Flugzeug hatte einen der Türme getroffen und alle Einsatzkräfte wurden in den Süden Manhattans geschickt, um bei der Evakuierung zu helfen.
Als würde Stone Vorwürfe, voyeuristisch zu sein, schon im Vorhinein abwehren wollen, filmt er die Zwillingstürme fast ausschließlich indirekt über Spiegelungen. Anstatt die brennenden Türme direkt zu zeigen, spiegelt sich der grauenhafte Anblick immer nur in Brillengläsern oder Busfenstern. Anstatt die Anschlagsziele in Großaufnahme zu zeigen, sieht man die entsetzten Blicke der erschütterten Bevölkerung und hier wird klar, dass die Terroranschläge selbst fünf Jahre nachher immer noch einen tiefen Eindruck hinterlassen haben.

Doch diese authentischen Momente, die kitschfrei sind, finden ein jähes Ende, als Stone die Story vorantreibt und die tapferen Mannen ins brennende World Trade Center schickt. Zu oft stellt der Regisseur auf Slow-Motion um und lässt gleichzeitig typische Heldenmusik ertönen.
Es kommt, wie es kommen muss. Als McLoughlin und seine Truppe im Gebäude sind, stürtzt der erste Turm ein und begräbt die Männer unter sich. Nur zwei überleben, und diese müssen schwer verletzt stundenlang lebendig begraben ausharren, bis sie von einem heldenhaften Marine gerettet werden.

Inzwischen erfährt das Publikum, dass auf die beiden tapferen Cops Familie und Kinder zu hause warten. Und es wird kräftig auf die Tränendrüse gedrückt, wenn die kleine Tochter ihre schwangere Mummy fragt, ob Daddy denn wieder heim kommen würde. Es ist zwar schlimm, angesichts der Tatsache, dass es scheinbar eine wahre Begebenheit ist, nach der Stone seine Geschichte erzählt, aber trotzdem wirkt der Film besonders in solchen Momenten mehr als nur kitschig.
Seinen Höhepunkt erfährt der Kitsch jedoch, als die beiden Verschütteten knapp vor ihrem Tod stehen und in einer Vision einer Jesusartigen Gestalt begegnen. Spätestens zu diesem Zeitpunkt werden die Ambitionen, den Film abzubrechen, sehr groß.
Natürlich wird nicht verabsäumt, Amerika als einen weltoffenen Schmelztegel der Kulturen zu zeigen. So werden Menschen aller Couleur gezeigt, die von den Anschlägen betroffen sind.
Patriotismus wird ebenfalls sehr groß geschrieben in World Trade Center. Hierfür ist vor allem die Rolle des Marine (William Mapother) zuständig. Er verfolgt den Einschlag des Flugzeugs im Turm im Fernsehen und fühlt sich von Gott berufen, den hilflosen Menschen das Leben zu retten. Natürlich muss vorher noch ein anständiger Haarschnitt her, aber dann kann die von Gott gewollte Rettungsaktion im Namen der US-Nation beginnen.
Da hilft nur mehr Kopfschütteln und Hoffen, dass Oliver Stone bei seinem nächsten Projekt hoffentlich wieder ein wenig zu seiner alten Form zurückfindet.
World Trade Center kann eigentlich nur als Ausrutscher bezeichnet werden, der selbst einem Genie wie Stone einmal im Leben passieren darf!

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Übersinnlicher Besuch aus einer anderen Welt

2006-10-26T10:56:00.000-07:00

Hat M. Night Shyamalan eine persönliche Abneigung gegen Filmkritiker?
Nicht anders ist sein kleiner Seitenhieb im neuesten Thriller Das Mädchen aus dem Wasser zu erklären.
Die einzige Figur, die darin nämlich stirbt, ist ein Filmjournalist. Und die Szene in der dieser von einem Wesen aus einer anderen Welt getötet wird, ist auch noch äußerst amüsant. Anstatt davon zu laufen, sinniert er über Filmszenen aus Horrormovies in denen die Opfer genau in
solch einer Situation kurz vor ihrem Tod stehen. Doch anstatt zu flüchten, errechnet sich der Filmkenner vermeintlich gute Chancen. Immerhin ist auch er eine wichtige Figur in der Handlung. Falsch gedacht, denn schon wenige Augenblicke später hört man lautes Schreien und ein Schnitt macht klar, dass sich da wohl einer geirrt hat.
So kann Shyamalan also auch klar machen, dass er von den vielen negativen Urteilen der Journalisten über seine letzten Filme gar nichts hält und stattdessen weiterhin an seinem Konzept, der leicht übersinnlichen Thriller mit Überraschungsmoment am Ende festhält.

Mit "leicht übersinnlich" macht der einst als Meister seines faches gepriesene Regisseur in seinem neuesten Märchen Das Mädchen aus dem Wasser Schluss.
Diesmal geht es richtig ins magische Genre.
Erzählt wird die Geschichte eines Fabelwesens, genannt Narv. Story, so der Name des von Bryce Dallas Howard (The Village, Manderlay)verkörperten Wasserwesens mit menschlicher Gestalt, ist aus ihrer Welt in die unsere gekommen um Frieden in die Welt zu bringen. Nur wenn sie die eine Person trifft, und ihr ganz tief in die Augen sieht, ist ihre Mission erfüllt und sie kann zurück in ihre Heimat.
Dass sie ausgerechnet in Philadelphia im Swimmingpool einer Wohnanalge auftaucht passt Hausmeister Cleveland Heep (erstmals eher blass und nicht überzeugend, Paul Giamatti) erst gar nicht. Schließlich entschließt er sich, dem Mädchen zu helfen. Immerhin scheint ihre doch sehr weit hergeholt scheinende Geschichte doch nicht ganz so falsch zu sein, bedenkt man die Geschichte von der Narv, die ihm seine Nachbarin erzählt hat.
Demnach werden die Fabelwesen tatsächlich mit einer Mission in die Menschenwelt geschickt und müssen sich dort aber vor dunklen Bestien hüten, die sie daran hindern wollen, zurück zu kehren. Nur eine Gruppe von Menschen kann das Mädchen aus dem Wasser sicher und unversehrt wieder zurück bringen. Und dass diese Gruppe aus Menschen besteht, die allesamt in der Wohnanlage hausen, ist da schon einmal ein guter Zufall. Jetzt muss Cleveland nur noch herausfinden, wer von den schrägen Gestalten der Heiler, der Wächter bzw die Gilde ist, die Story auf ihrem Heimweg vor den dunklen Biestern schützen sollen.

Zwischenzeitlich ist Das Mädchen aus dem Wasser ein absolut witziger und vor allem unkonventioneller Film, in dem Shyamalan an seine Drehbuchkünste von früher (The Sixth Sense, Unbreakable) herankommt. Wie bereits in Signs - Zeichen (wo allerdings der gesamte Film als schlecht zu bezeichnen ist) ist es auch im neuen Shyamalan-Film das Ende, das für schlechte Kritken sorgt.
Gegen Ende zerstört der Regiessuer nämlich die Sympathie für die übersinnliche Story, indem er dem Film einen allzu kitischigen und vor allem fantasylastigen Ausklang gibt, der absolut nicht in das vorherige Schema passt.
Zum ersten Mal geht auch der mittlerweile schon zur Gewohnheit gewordene Cameo-Auftritt Shyamalans über ein kurzes Erscheinen hinaus. Diesmal ist er sozusagen die wichtigsten Figur im Film, nämlich jener Schriftsteller, welcher der Grund für den Besuch des Mädchens aus dem Wasser in der Menschenwelt ist. Und fast ist man schon geneigt, dem Filmemacher zu raten, sich voll und ganz der Schauspielerei zu widmen. Immerhin überzeugt er in seinen letzten Filmen wesentlich mehr als Schauspieler denn als Regisseur und Drehbuchautor.

Trailer:

Die Besten-Liste Vol VII: Die 10 besten Drehbücher

2006-10-23T12:48:00.000-07:00

"Und das beste ist der Schluss...!"
"Nein, verrate es nicht, ich will mir den Film auch noch ansehen."
So, oder zumindest so ähnlich verläuft ein Großteil der Diskussionen, wenn es darum geht, anderen Leuten von einem Film zu erzählen, den man richtig gut fand, weil die Story einfach packend und spannend war bzw. eine überraschende Wendung am Schluss aufwies.
In M. Night Shyamalans The Sixth Sense war es die Tatsache, dass Bruce Willis während des gesamten Films tot ist, die dem Film zu einem Erfol verhalf, der lange Zeit seines gleichen suchte.
Nun ist es an der Zeit die 10 besten Drehbücher zu wählen. In dieser Liste spielt aber nicht allein die Frage, ob der Film ein Überraschungselement am Schluss aufweist eine Rolle. Vielmehr geht es um Kurzweiligkeit, den Aufbau der Story sowie den Umgang mit Figuren. Bei manchen ist es aber auch ganz einfach die Tatsache, dass das Drehbuch schräger ist, als alles andere, was man bisher gesehen hat.
So zum Beispiel der Fall beim ersten Film in den Top 10.

10. Fear and Loathing in Las Vegas

Was kommt raus, wenn man einen genialen Schauspieler wie Johnny Depp in der Verfilmung einer Hunter S. Thompson Story einsetzt? Normalerweise ein Film, der nicht weiter überzeugt. Schafft man es allerdings, ein solch geniales Drehbuch in Bilder umzusetzen, wird daraus ein Roadmovie der besonderen Art, dass vor allem durch seine surrealen, drogengeschwängerten Szenen und Dialoge überzeugt, die im Drehbuch absolut genial beschrieben sind und noch besser verfilmt wurden.

9. 11.14

Ich muss gestehen, ich bin ein Fan von Filmen bzw. Drehbüchern, die es schaffen, eine Geschichte, die sich eigentlich nur über wenige Minuten erstreckt, so auszudehnen, dass sie selbst 90 Minuten lang spannend ist. Tom Tykwer hat in Lola Rennt! gezeigt, wie eine solche Streckung gekonnt umgesetzt werden kann.
11:14 macht es nach. Das Schicksal verschiedener Menschen schlägt ausgerechnet um 11:14 Uhr in der Nacht zu. Wie es dazu kommt, erzählt dieser Film auf innovative Art und Weise. Einfach toll!

8. Monster's Ball
Filme, in denen die Todesstrafe einen zentralen Part der Handlung ausmachen, sind ein heikles Thema. Während Dead Man Walking oder Last Dance die Thematik über die Figur des Verurteilten angehen, wählt Monster's Ball einen anderen, ungewöhnlichen Weg und beschreibt die Geschichte einer Frau, die nach der Hinrichtung ihres Mannes vor dem Ruin steht.
Und da ist es ausgerechnet der Henker ihres Mannes, der ihr durch seine Liebe aus der Krise hilft.
Neben einem grandiosen Plot überzeugt das Drehbuch von Monster's Ball vor allem wegen dem gekonnten Umgang mit den äußerst schwierigen Themen Rassismus und Todesstrafe.

7. The Rules of Attraction

Liebe unter Jugendlichen. Oder war es doch nur Geilheit zwischen ein paar Studenten, von denen dieses grandios inszenierte Drehbuch erzählt.
Ich denke es ist nichts von beiden.
Obwohl The Rules of Attraction wie der Titel schon sagt, eine Geschichte über die menschliche Anziehungskraft erzählt, würde ich den Film nicht als Liebesfilm bezeichnen. Es ist eine innovativ verfilmte Milieustudie und zugleich ein in Bildern ausgedrücktes Psychogramm, dass mit innovativer Erzählstruktur aufwartet. Und genau das macht dieses Drehbuch hochkarätig.

6. Die üblichen Verdächtigen

Wer ist Kaiser Souze?
Okay in diesem Film spielt der Überraschungsmoment am Ende eine große Rolle. Noch nie war es so spannend, gehende Füße in Großaufnahme zu sehen und dabei langsam aber sicher festzustellen, dass aus einem verkrüpelten Humpeln ein aufrechter Gang wird.
Kevin Spacey trägt seines dazu bei, ein hochkarätiges Drehbuch mit hohem Anspruch genial zu verfilmen.

5. L.A. Crash

Manchmal stimme ich sogar mit den Oscars überein. 2006 war so ein Jahr, wo zum ersten Mal seit langem wieder einmal ein Drehbuch die begehrte Statue einheimste, dass sie wirklich verdient hat.
L.A. Crash schafft ein Kunstwerk, dass nur wenigen Drehbüchern gelingt. Obwohl es sich nicht an das klassische Gebot der Personenökonomie hält und stattdessen die Geschichte von über 10 Personen erzählt, gelingt es dem Film eine durchgehende Story zu erzählen. In einzelnen Episoden, die durch einfache Verstrickungen am Ende ein Ganzes ergeben, wird eine Handlung erzählt, die bei genauerem Hinsehen doch komplexer ist, als sie auf den ersten Blick wirkt.

4. American Beauty

"Heute ist der letzte Tag meines Lebens. Ich weiß das aber natürlich noch nicht!"
Mit diesen Worten beginnt einer der besten Filme der letzten Jahre, dessen hohe Qualität wie jene von anderen erfolgreichen Dramen vor allem auf der Drehbuchvorlage fußt.
In American Beauty sind es vor allem die Dialoge und ein weiteres Mal der überraschende Schluss, die dem Film gerechterweise bei den Oscars 2000 fünf goldene Statuen (unter anderem jene für das beste Drehbuch) einbrachte.

3. Donnie Darko
Die Top Drei werden mit einem Drehbuch eingeleitet, von dem anzunehmen ist, dass es nicht einmal der Autor selbst so richtig verstanden hat. Kritken sehen Donnie Darko als den besten Independent Film aller Zeiten. Andere sehen darin nur den schlechten Versuch eines drittklassigen Autors, sich einen Namen in der Liga der ganz Großen zu machen. Für mich ist und bleibt das Drehbuch zu diesem Film über einen High-School Jungen der sein Leben noch einmal erleben darf, eines der besten und intelligentesten, das jemals geschrieben wurde. Auch wenn ich lange Zeit brauchte, um auch nur einen Bruchteil der Geschichte zu verstehen. Oder blick ich da immer noch nicht durch und es ist gerade die Faszination an dieser Tatsache, die mich dieses Drehbuch so bewundern lässt?

2. Saw
Wer sich solch kranke Methoden ausdenkt, um Menschen zu töten, kann doch auch in Wirklichkeit nicht gerade ungefährlich sein. Solche Gedanken kommen auf, wenn man den Überraschungshit aus den USA sieht, in dem ein totkranker Mörder, Menschen quält um ihnen bewusst zu machen, welches Geschenk das Leben an sich eigentlich ist und wie leichtfertig die Menschheit damit umgeht. Diesen Ansatz als Ausgangspunkt für einen brutalen Horrorfilm zu wählen, halte ich für ungeheuer intelligent und anspruchsvoll, sodass Saw es mir wert ist, ihn auf Platz zwei zu wählen. Allein der Titel des Films ist hochintelligent gewählt. So bedeutet er zum einen Säge, kann aber auch als gesehen übersetzt werden, eine Translation, die angesichts der Tatsache, dass der Mörder seine Opfer im Todeskampf beobachtet, um einiges passender erscheint.

1. Memento
Okay, okay, ich geb es zu. Memento ist von vielen als jener Film mit dem besten Drehbuch bezeichnet worden, aber ich muss mich hier auch einmal dem Trend beugen und mich der Masse anschließen.
Ein Film, der von hinten nach vorne erzählt wird, gab es vor diesem Meisterwerk der Erzählkunst noch nie.
Als Drehbuch für Fortgeschrittene könnte man die Story über einen Mann mit Kurzzeitgedächtnis bezeichnen, der auf der Jagd nach dem Mörder seiner Frau ist. Erstklassig!

Rosenkrieg der Superlative

2006-10-18T12:01:00.000-07:00

Endlich traut sich einmal jemand, das Genre der Superhelden-Filme durch den Kakao zu ziehen.
Während sein Sohn mit seinem Debütfilm Thank You For Smoking einen der besten Filme des Jahres abgeliefert hat, wählt Comedy-Regie-Altmeister Ivan Reitman mit seinem neuesten Werk Die Super-Ex die Sparte der seichten Samstag-Abend-Unterhaltung.
Doch wie schon in Ghostbusters und all seinen anderen Filmen hat auch Reitmans neueste Komödie einen eigenen Touch, der den Film von anderen Komödie anhebt.

Da wäre zum Einen die geniale Besetzung der Titelrolle mit Uma Thurman, die quer durch die einzelnen Genres Erfahrung besitzt und wie geschaffen für die Rolle des G-Girls bzw. der Jenny Johnson ist.
Und an ihrer Seite steht das bei uns bisher verkannte Schauspieltalent Luke Wilson, der als durchschnittlicher New Yorker, wie der Deckel auf den Topf passt.
Zum Anderen ist Die Super-Ex keine normale Klamauk-Satire wie man es von der Scary Movie Reihe kennt, sondern lässt erkennen, dass der Regisseur tatsächlich nichts Böses anrichten will, sondern eigentlich auch ein Fan der Filme ist, die er aufs Korn nimmt.
Die Story ist relativ einfach gestrickt.
Der erfolgreiche New Yorker Architekt Matt Saunders (Wilson) lernt das Mauerblümchen Jenny kennen. Hinter der Fassade glaubt Matt, eine wilde Schönheit entdeckt zu haben. Und tatsächlich ist die Frau wie eine wild gewordene Amazone im Bett. Da muss schnell mal Matts Schlafzimmer dran glauben.

Und als Jenny ihr Geheimnis lüftet, nämlich, dass sie die stadteigene Superheldin G-Girl ist, wird dem verblüfften Matt schnell einiges klar. Als die Heldin dann allerdings mit der Zeit zu anhänglich und neurotisch wird, beschließt er, die Beziehung mit derFrau mit Superkräften zu beenden.
Doch damit begeht der Mann den Fehler seines Lebens.
So schnell lässt sich G-Girl nicht abservieren. Und wenn der Typ es schon auf die harte Tour wünscht, dann ist er selbst Schuld.
So verschwindet Matts Auto genauso wie seine Kleidung während einer wichtigen Präsentation wie durch ein Wunder von einer Sekunde zur nächsten.
Schließlich hetzt Jenny ihm auch noch einen Weißen Hai auf den Hals und sorgt immer wieder dafür, dass Matt in seinem Penthouse den Sternenhimmel ungetrübt genießen kann, indem sie sein Dach ruiniert.

Wähend sich die Filme über Superman, Spiderman, Batman und wie sie sonst alle heißen, in erster Linie um die Abenteuer des Superhelden drehen und das Liebesleben der Weltretter außen vor lassen, dreht Reitman die Sache um und erzählt in Die Super-Ex genau diesen Teil des Lebens, was die Satire zum ersten Superhelden-Film, der auch Frauen besonders gut gefallen wird.

Natürlich darf auch ein echter Bösewicht nicht fehlen.
In diesem Fall ist dies der von Eddie Izzard dargestellte Bedlam, der sich selbst als ganz normalen Menschen - abgesehen von „10.000 Mal mehr Geld, Intelligenz und Geschmack als der Durchschnittsbürger“ beschreibt.

Die Story des Films ist natürlich leicht vorhersehbar. Doch das stört eigentlich gar nicht. Schließlich erwartet man von Die Super-Ex keinen tiefgehenden Plot mit hohem Anspruch. Der Film soll einfach nur unterhalten und das gelingt ihm aufgrund der hohen Gagdichte und den köstlichen Schauspielern, die sowohl das männliche als auch das weibliche Publikum zum einen oder anderen Schmunzler bringen werden, sehr gut.

Nein, die machen nicht süchtig!

2006-10-17T13:10:00.000-07:00

Pressesprecher genießen in der Öffentlichkeit häufig nicht wirklich das beste Ansehen.
Ihre Arbeit wird als Lügnerei oder Schönfärberei abgestempelt und sie haben trotz ihrer Arbeit nicht wirklich die Kontrolle darüber, in welche Richtung die Berichterstattung der Journalisten gehen wird.
Nun stellen Sie sich vor, wie es dem Pressesprecher und Lobbyisten der Tabakvereinigung in Bezug auf den ganz oben angeführten Aspekt geht.
Nick Naylor (Aaron Eckhart) kennt dieses Gefühl ziemlich gut. Er hat nämlich genau diesen nicht wirklich beliebten Job. Doch er hat damit kein Problem, denn für ihn ist es eine Aufgabe wie jede andere. Und schließlich muss einer den Job ja machen. Immerhin hat jedes Unternehmen das Recht, eine Vertretung zu haben. Selbst wenn ihre Produkte mehrere Tausend Menschen am Tag töten.
Thank You For Smoking ist das gelungen Debüt von Jason Reitman (Sohn der Regie-Legende Ivan Reitman), das zweifellos zu den besten Filmen des Jahres zählt. Mit bissiger Art nimmt die Satire unzählige bisher unangetastete Themen aufs Korn und schreckt dabei vor so gut wie gar keinem Tabu zurück.
So ist bereits der Beginn des Films oscarreif. In einer Talk Show bringt es Naylor zu Stande, das Publikum mitsamt eines Krebskranken Jungen auf seine Seite zu ziehen und ihm zu applaudieren.
Das Thema der Show: Rauchen gefährdet die Jugend!

So etwas kann nur ihm gelingen, dem Mann der fest davon überzeugt ist, dass es jedem zustehen sollte, seine Meinung äußern zu dürfen und zu argumentieren. Und im Argumentieren ist er der Beste. Das ist auch der Grund, warum die Tabakindustrie ihn immer wieder in die Öffentlichkeit hinaus schickt.

Reitman gelingt es, in Thank You For Smoking ein bissiges Portrait zu zeichnen und dabei quasi nebenbei eine überaus spannende Story zu erzählen, die zeigt, wie schmal die Spur zwischen Erfolg und tiefem Fall sein kann.
Würde die Öffentlichkeit von den wöchentlichen Treffen des TAG-Teams und den Themen dieser abendlichen Besäufnisse erfahren, wären die Pressesprecher der Tabak-, Alkohol- (Maria Bello) und Waffen(=Gun)-Industrie (David Koechner) schneller unten durch, als sie schauen könnten.
Und diesbezüglich sollte man ganze besonders im Umgang mit Journalisten sehr vorsichtig sein. Dies gilt vor allem dann, wenn die Redakteurin so attraktiv wie Heather Holloway (Katie Holmes) ist. Was für den geschiedenen Nick ein willkommenes Abenteuer ist, endet bereits kurz später in einer Katastrophe.
Nach einem Interview landet der Pressesprecher nämlich mit der Journalistin im Bett. Das ist natürlich noch nicht die Katastrophe. Die folgt kurze Zeit später, als klar wird, wer schließlich am längeren Ast sitzt.

Nick begeht nämlich den Fehler und plaudert im Glauben, privat und off-the-record zu sprechen, über interne Vorgänge seines Unternehmens während er mit Heather im Bett ist.
So erzählt er von seinem neuesten Auftrag, einen Gouverneur (köstlich verkörpert von William H. Macy) davon abzubringen, Warnhinweise an den Zigarettenpackungen anzubringen. Nick plaudert über seinen Sohn, den er auf Geschäftsreisen mitnimmt, in der Hoffnung, ihn für seinen Job zu begeistern.
Er erzählt davon, wie er Hollywood-Agenten davon überzeugen will, dass Rauchen im Kino mittels Product-Placements wieder cool gemacht werden soll.
Dann wäre da noch die Sache mit der Bestechung des einstigen Marlboro-Mannes, der heute an Krebs leidet und in den Medien gegen die Tabakindustrie wettert. Um diesen Mann stumm zu machen, soll Nick ihn mit einem Koffer voller Geld überreden. Auch davon erzählt er beim Sex mit der Journalistin, nichts ahnend, dass die alles Gehörte abspeichert.

Die ungeahnte Klatsche kommt schon bald in die Zeitung. Dort erscheint nämlich anstatt eines klassischen Interviews ein Portrait über Nick Naylor, den Handlanger des Teufels, der ohne Gewissen handelt und nur auf sich selbst bedacht ist.
Dass er dann auch noch von Unbekannten entführt und fast getötet wird, ist nur die Krönung dieser misslichen Lage, in die sich der brilliante Stratege und Redner selbst manövriert hat.
Doch Nick Nayler wäre keine Profi, wenn er nicht auch aus dieser Situation einen Ausweg finden würde.

Thank You For Smoking ist satirisches Kino vom Feinsten, das an Filme wie Wag the Dog erinnert, in dem auch die Kommunikationsbranchen im ganz großen Stil auf die Schaufel genommen wird.
Schauspierlisch hat der Regisseur ein exzellentes Händchen bewiesen und mit Aaron Eckhart die perfekte Besetzung für die sympathische rechte Hand des Teufels gefunden.
Der Film überzeugt durch seine unzähligen Gags und die unheimlich treffsichere Situationskomik, die wiederum auf den perfekten Cast zurückzuführen ist.
Fazit: Thank You For Smoking ist ein Must-See des Kinojahres 2006.

Trailer:

Der gute Riecher

2006-10-17T12:34:00.000-07:00

Eine gute Nase hat Bernd Eichinger bewiesen, als er sich die Verfilmungsrechte für Patrick Süßkinds Erfolgsroman Das Parfum sicherte. Eigentlich hatte der Autor einen ganz speziellen Regisseur im Auge, der sein Buch in Bilder umsetzen sollte.
Niemand geringerer als Stanley Kubrick (2001, Dr. Strangelove, Full Metal Jacket) hätte Hand anlegen sollen, um die Geschichte des Massenmörders Jean-Baptiste Grenouille, für die große Leinwand zu adaptieren. Mit dem Tod des Hollywood-Stars entschied sich Süßkind schließlich dem deutsche Erfolgsproduzenten Bernd Eichinger, die Rechte zu verkaufen und einige Jahre später ist der Film auf den alle warten fertig und wird der Öffentlichkeit präsentiert.

Mit Romanverfilmungen ist das aber so eine Sache. Meistens werden die Filmememacher mit einer riesige Fan-Gemeinschaft konfrontiert, die jeden noch so kleinen Arbeitsschritt überwachen und sich darüber in Foren austauschen.
Was bereits bei Herr der Ringe galt, nämlich dass die Romanreihe unverfilmbar sei, galt in noch viel höherem Ausmaß für Süßkinds Das Parfum. Immerhin handelt die Geschichte von einem Mörder, der durch seinen ausgeprägten Geruchssinn getrieben ist, und was gibt es schwierigeres, als etwas Unsichtbares zu verfilmen?

Diese Tatsache war es auch, die einen Großteil der Presse nach ersten Vorführungen dazu verführte, eher negative Kritiken zu veröffentlichen. Es stimmt, dass der Gesichtserker des Baptiste-Darstellers Ben Wishaw eine sehr große Rolle einnimmt und daher auch ziemlich oft in Großaufnahme zu sehen ist. Doch man darf nicht auf die faszinierende Bilderwelt zwischen den Nasen-Aufnahmen vergessen. Hier ist Lola Rennt-Regisseur Tom Tykwer, der von Eichinger mit der Umsetzung des Projekts betraut wurde, ein echtes Meisterwerk gelungen.

Bis ins letzte Detail wurden die im Buch beschriebenen Kulissen aufgebaut, sodass es tatsächlich gelungen ist, dem Publikum eine Vorstellung zu geben, wie es auf dem Pariser Fischmarkt im 18. Jahrhundert gestunken haben muss. Hier setzt die schicksalshafte Geschichte des Protagonisten nämlich an. Von seiner Mutter sofort nach der Geburt im Stich gelassen, kam der von Ben Wishaw exzellent verkörperte Baptiste in ein Waisenhaus, vonwo aus ihn sein Schicksal in die Welt hinaus trieb.
Schon in frühen Jahren erkennt der Junge, dass sein Geruchssinn ausgeprägter ist, als jener der anderen Menschen.
Nach einer harten Jugend lernt er beim Parfumeur Guiseppe Baldini (gespielt von Hollywood-Altstar Dustin Hoffman) die Kunst des Parfumierens.
Getrieben von dem Wunsch, den ulitmativen Duft zu kreieren, dauert es nicht lange, bis Baptiste sein erstes Opfer ermordet. Und so setzt sich eine grausame Mordserie in Gang, die schon bald die Bürger der Stadt in Angst und Schrecken versetzt. Nachdem er sein letztes Opfer Laura (Rachel Hurd Wood), die Tochter des Kaufmanns Richis (Alan Rickman) ermordet hat, wird er gefangen und zum Tode verurteilt. Doch mit dem von ihm kreierten Duft hat Baptiste ungeahnte Kontrolle über die Menschheit erlangt.

Das Parfum ist ohne Zweifel das deutsche Kinoereignis des Jahres. Auf keinen Film hat das deutsche Publikum sehnsüchtiger gewartet, als auf diese Romanverfilung. Und der Film wird den Erwartungen gerecht. Was ihm an Spritzigkeit fehlt, macht der Blockbuster durch extrem kräftige Aufnahmen wieder wett. Die schauspielerische Leistung lässt über manche Länge hinwegsehen, die man ohnehin nur darauf zurückführen kann, dass Regisseur Tykwer Süßkinds Geschichte eines Mörders so wenig wie möglich kürzen wollte.
Was übrig bleibt ist ein Film, den man Deutschland so nicht zugetraut hätte und der eine große Hoffnung auf den Auslands-Oscar darstellt.

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Moralisches aus Hollywood

2006-09-17T11:50:00.000-07:00

Wer hätte nicht gerne ein wenig mehr Kontrolle über sein Leben bzw. sein Universum?
Es wäre doch toll, wenn man einfach mal den Streit mit Frau oder Freundin wie ein Kapitel auf einer DVD überspringen, das störende Hundegebell mitten in der Nacht leiser drehen oder lästige Personen wie den Chef einfach mal auf Standbild schalten könntre, um ihm mächtig die Meinung zu sagen oder gar eine zu verpassen.

Das denkt sich auch Michael Newman alias Adam Sandler in Frank Coracis Film Click.
Michael ist erfolgreicher Architekt. Sein Erfolg droht jedoch trotz eines Lebens für den Job zu wanken.
Er müht sich nächtelang ab, arbeitet bis in die frühen Morgenstunden und vernachlässigt dafür sogar seine überaus attaktive Frau (gespielt von sexy Kate Beckinsale) und die beiden Kinder Samantha und Ben.

Als der Workoholic eines Nachts einen Shop findet, in dem ihm der mysteriöse Verkäufer Morty (exzellent und witzig verkörpert von Christopher Walken) eine Fernbedienung für sein Leben schenkt, ist Michael zuerst verwirrt. Nach und nach bemerkt er allerdings die Macht dieser universellen Fernbedienung, die ihm schier unfassbare Dinge ermöglicht.
Unliebsame Gästebesuche können im Schnelldurchlauf übersprungen werden, das lästige Vorspiel mit der Frau bringt man mit einem Klick auf Forward ebenfalls schnell hinter sich und wenn man einmal vergessen hat, wann man seine Frau zum ersten Mal geküsst hat, reicht ein Klick auf den Menü-Button, um in der Geschichte zurückzublicken und nachzusehen.

Auf den ersten Blick wirkt diese neue Macht sehr wünschenswert. Doch dann verselbstständigt sich die Fernbedienung und lässt Michaels Leben im Autopilot in größeren Abschnitten vorwärts laufen.
So muss der Arme miterleben, wie seine Frau ihn verlässt und mit dem Badelehrer seines Sohnes ein neues Leben beginnt.
Im nächsten Abschnitt ist aus dem einst attraktiven Mann ein fetter Kerl geworden, der seinen alten Tagen nachhängt. Als Michael dann auch noch miterleben muss, wie sein Vater stirbt und mit welcher Einstellung sein Alter Ego den Tod hinnimmt, verzweifelt er nach und nach und sieht sich schließlich selbst sterben.

Doch Click wäre kein Hollywood-Film, wenn das Ende nicht eine gehörige Portion Moral vermitteln würde, die da wäre: Die Familie darf nie durch den Job an die zweite Stelle im Leben rücken. Kümmere dich um sie und du wirst ein glückliches Leben leben!

Insgesamt ist der Film, der eine Mischung aus Zeitreise-Drama und Familienkomödie ist, wirklich gelungen. Besonders die Performance von Hauptdarsteller Adam Sandler, der nach Punch Drunk Love und Spanglish einmal mehr beweist, dass er auch in ernsten Rollen überzeugen kann, und der Gastauftritt von David "Baywatch" Hasselhoff machen Click zu einem durchaus empfehlenswerten Film für die ganze Familie.

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Ein Kultfilm floppt!

2006-09-17T11:10:00.000-07:00

Seit Monaten geistert ein Film durch das Internet und löste einen wahren Hype besonders bei den amerikanischen Bloggern, Podcastern und anderen Freunden des Web 2.0 aus.
Was The Blair Witch Project vor der Jahrtausendwende gelang, schien auch dem Horror-Thriller Snakes on a Plane zu gelingen.
Durch die Einrichtung eines Weblogs (http://www.snakesonablog.com/) trat das Filmteam um Regisseur David R. Ellis eine Lawine los, die ungeahntes Echo mit sich brachte.
In Windeseile verbreitete sich das Thema besonders auf amerikanischen Seiten und Blogs und ein Buzz der besonderen Art war geboren.

Von da an fütterten die Filmemacher das wissbegierige Publikum nach und nach mit Informationen zu dem Schlangen-Horror-Film.
Dies ging sogar soweit, dass Regisseur Ellis sein Publikum über das Ende des Film hat abstimmen lassen bzw. bestimmte Szenen nachdrehte, nachdem User ihre Kritik äußerten.

Während The Blair Witch Project bei seinem Publikum wenigstens die Erwartungen großteils erfüllen konnte, enttäuscht Snakes on a Plane auf jede erdenkliche Art und Weise.
Selbst der Anker, an dem der ganze Film zumindest im Notfall hätte aufgehängt werden können, nämlich Hauptdarsteller Samuel L. Jackson, versagt erstmals seit langem voll und ganz.

Was man dem Horror-Film zu gute halten muss, ist die Tatsache, dass er die Anforderungen an gutes Popcorn Kino insofern erfüllt, als dass man zumindest die Story in kurzen Sätzen erzählen kann.
Ein Mafiaboss (Byron Lawson) will den Kronzeugen eines Mordes (Nathan Philips) beim Flug nach L.A. mittels hunderter von Giftschlangen im Flugzeug ermorden lassen. Dass dabei Zivilisten den bissigen Biestern zum Opfer fallen, ist dem skrupellosen Gangster egal. Nur durch den heldenhaften Einsatz des FBI-Agenten Neville Flynn (Samuel L. Jackson), der den Kronzeugen beschützen soll, gelingt es am Ende, die Maschine sicher zu landen.

Die Idee, mit einer der unbeliebtesten Tierarten der Menschheit, den Schlangen, einen Horror-Film zu drehen ist grundsätzlich erlaubt und eine gute Idee. Nur hat sich in den letzten Jahren immer wieder gezeigt, dass es kaum oder gar nicht möglich ist, dabei einen halbwegs annehmbaren Film zu standen zu bringen. Movies wie Anaconda oder dessen Fortsetzung Anacondas - The Hunt for the Blood Orchid floppten an der Kinokasse und waren auch in der späteren Auswertung nicht gerade erfolgreich.

Snakes on a Plane schaffte es durch den im Internet ausgelösten Hype zwar kurzzeitig an die Spitze der US-Charts. Im Rest der Welt, wo der Hype nicht wirkte, blieb der Film allerdings zurecht ohne Erfolg.

Trotzdem hat der Film gezeigt, dass die Kommunikation für einen Film über das Internet ein überaus wichtiger und mächtiger Weg ist, der auch in Zukunft immer öfter seine Anwendung finden wird. Nur so kann und wird es möglich sein, dem Kino aus der seit Jahren andauernden defizitären Lage zu helfen.
Hoffentlich merken das bald auch die großen Hollywood-Player, und gehen kleineren Verleihern nach, auf deren Weg in Richtung Online-Filmvermarktung via Blogs, Podcasts etc.

Trailer:

Links zum Thema Snakes on a Plane und (virales) Online-Vermarktung:
http://klauseck.typepad.com/prblogger/2006/08/blogpromotion_f.html
http://www.besserebotschaften.de/?p=111
http://www.bayernmatrix.com/include.php?
http://www.netzeitung.de/entertainment/movie/388882.html
http://www.netzeitung.de/entertainment/movie/433470.html
http://www.netzeitung.de/entertainment/movie/433969.html
http://www.imediaconnection.com/content/9557.asp
http://www.factorfake.de/snakes-on-a-plane-us-blogger-hypen-b-movie.html

Adrenalin pur!

2006-09-14T13:20:00.000-07:00

80 Minuten, länger würde man diese Art von Action wahrscheinlich nicht aushalten.
80 Minuten gibt The Transporter, Jason Statham in seinem neuen Hochspannungsthriller vollgas um nicht abzukratzen.
Der Grund: einer seiner Erzfeinde hat ihm einen chinesischen Giftcocktail gespritzt, der ihn innerhalb einer Stunde töten sollte, wenn er seinen Adrenalin-Spiegel nicht konstant auf Hochdruck hält.
Das klingt nach Speed (nein nicht die Droge sondern der Film) und auf gewisse Weise hat der Film auch einige Anleihen aus dem Action-Klassiker mit Keanu Reeves und Sandra Bullock. Ganz allgemein nimmt der Film Attribute von anderen Filmen auf und setzt sie auf innovative Art und Weise um.
So erinnert der Schnitt ganz eindeutig an MTV-Musikvideos. Sehr kurze Szenen, die künstlerisch zusammengeschnitten sind, geben dem Film neben der einfachen Handlung noch den nötigen Kick.
Dazu ertönt temporeiche Musik, die auch beim Publikum den Puls höher schlagen lässt.
Das Poster (nicht das hier abgebildete) erinnert an Sin City, genau wie die Brutalität und so mancher Charakter in Crank.
Anstatt jedoch wie eine zusammengewürfelte Kopie der einzelnen Vorbilder zu sein, entwickelt der Film einen eigenen Stil und Humor, der mitunter das eine oder andere Schmunzeln ins Gesicht zaubert.

Auf eine klassische Einführung der Figuren pfeiffen die Regisseure Mark Neveldine und Brian Taylor, die auch für das von den Dialogen her eher plumpe Drehbuch verantwortlich zeichnen.
So beginnt der trashige Film mit dem Erwachen des Protagonisten. Gefilmt wird diese Eröffnungssequenz allerdings nicht klassisch in Totalen, Halbnahen und Close-Ups sondern aus der Ego-Shooter Perspektive, wie man bei Computer-Games sagen würde.
Ein interessanter Zugang, der mit Beginn des Films auch beim Publikum den Adrenalin-Spiegel nach oben laufen lässt.

Und auf diesem hohen Level geht es weiter bis zum Ende.
Zwischendurch gibt es immer wieder Szenen, bei denen man nicht weiß, ob man entsetzt den Kopf schütteln oder einfach nur beherzt lachen soll. Ein Beispiel ist jene Sequenz, in der Statham auf der Flucht vor den Polizisten von sich ablenkt indem er den Taxifahrer, den er gerade überfallen hat, als Al-Kaida Mitglied vor all den Anwesenden anschwärzt.

Dass ein Film über überlebenswichtig hohen Blutdruck auch eine gewisse Portion Sex beinhalten muss, ist klar. Für den sorgt die hochattraktive Amy Smart, die man schon aus Filmen wie Road Trip oder Butterfly Effect als sexy Blondine kennt.
In einer Szene "überredet" der in Lebensgefahr schwebende Held seine Freundin (Smart) zu einem Quickie mitten am Markt in L.A. Chinatown zur Mittagszeit. Man(n) wusste doch immer schon, dass Sex Leben retten kann.

Crank ist kein typischer Action Thriller nach Hollywood-Manier. Der Film ist aber auch kein Blockbuster-Movie, an das man sich noch in einigen Jahren erinnern wird.
Der "kranke" Thriller lebt von seiner unkonventionellen Machart, den netten Seitenhieben (z.B. auf Nokia) und der kurzweiligen Handlung. Schwächen finden sich im Dialogdrehbuch, sowie in der manchmal zu Klischee-haften Inszenierung und Verhaltensweise der Hauptfiguren.
Wenn es den beiden Regisseuren gelingt, in ihrem nächsten Projekt diese Minuspunkte auszumerzen, haben sie ein neue Actionfilm-Variante entwickelt und einer großen Karriere steht nichts mehr im Wege.

Die Besten-Liste Vol. VI: Die 10 besten Soundtrack-Songs

2006-09-13T13:30:00.001-07:00

In dieser Woche schließen wir mal wieder die Augen im Kino und konzentrieren uns ganz und gar auf die Ohren.
Filme verdanken zu einem hohen Prozentsatz der Akustik ihre Klasse.
Es gibt magische Momente im Kino, die fast immer mit einem Song verbunden sind. Die Rede ist hier nicht vom klassischen Score, den man aus Star Wars, Indiana Jones oder anderen Klassikern kennt. In dieser Rangliste sind ausschließlich Soundtrack-Songs zu finden.
Viel Spass damit:

10. Diana King - I say a littel Prayer

In dem mittelmäßigen Film Die Hochzeit meines besten Freundes gibt es eine Szene, die mich jedes Mal wieder zum mitsummen oder gar mitsingen bringt. Als Julia Roberts und alle anderen Hauptdarsteller am Tisch sitzen, beginnt jemand, das Lied anzustimmen. Plötzlich stimmen alle in den Song ein und daraus wird die wunderbarste Szene des ganzen Films.

9. Marvin Gaye und Tammi Tarrell - Ain't no Mountain high enough

Denzel Washington kämpft in Gegen jede Regel als Trainer der ersten amerikanischen Football Mannschaft, die sowohl aus Schwarzen als auch aus Weißen besteht, gegen den Hass der Gesellschaft. Die Lyrics des Marvin Gayes Songs passen in jeder Szene, in der das Lied ertönt, wie die Faust auf das Auge.

8. EMF - Unbelievable

Coyote Ugly ist eigentlich ein Film, in dem sich alles um die Musik von Leann Rimes dreht. Die beste Szene des Film wird allerdings von EMFs Unbelievable akkustisch begleitet. Seit Coyote Ugly denkt jeder Mann bei diesem Lied an knackige Mädels die auf der Bar tanzen.

7. Gene Kelly - Singin' in the Rain

Legendär ist die Szene im gleichnamigen Film, in dem der Schauspieler singend durch die nächtlichen Gassen von New York tanzt und sich selbst vom Regen nicht die gute Laune verderben lässt.
Oft kopiert, nie mehr erreicht und damit zum Kult geworden!

6. Aretha Franklin - Respect
Ein Musikfilm hat es ja leicht in so eine Rangliste zu kommen.
Keine Frage, so ziemlich jeder Song aus dem ersten Blues Brothers Film hat das Zeug dazu, unter die Top 10 der besten Soundtrack-Songs zu kommen. Mein Favorit ist der Auftritt von Aretha Frankin, die ihrem Ehemann eine musikalische Standpauke hält und just a little respect fordert.

5. Bruce Springsteen - Streets of Philadelphia

Ein Lied, das zu Hymne wurde. Im preisgekrönten Film Philadelphia kämpft Tom Hanks als AIDS-Kranker für sein Recht auf Arbeit und soziale Anerkennung. Wenn Springsteens Stimme dazu ertönt ist eine Gänsehaut garantiert.

4. The Verve - Bittersweet Symphony

Es ist der Song aus dem Kultfilm Eiskalte Engel. Zum Schluss des Remakes von Gefährliche Liebschaften enthüllt Reese Witherspoon das dunkle Geheimnis von Sarah Michelle Gellar. Sie verteilt das Tagebuch des verstorbenen Sebastian auf dem Schulhof und dazu läuft der Song von Richard Ashcroft. Wenn der Song langsam lauter wird, und die bekannte Melodie ertönt, kommt die Gänsehaut wie von selbst.

3. Jack Black - Let's get it on

Eigentlich ist das Lied im Original von Marvin Gaye. Jack Black darf sich aber an diesen Klassiker rantrauen. Er meistert die schwierige Aufgabe auch zur Überraschung von John Cusack in High Fidelity allerdings sehr gut.

2. Elton John - Tiny Dancer

Jaja, ich weiß. Es ist ein wenig verdächtig, dass schon wieder die beiden Filme High Fidelity und Almost Famous so weit vorne zu finden sind. Aber dass diese Top-Movies hier überall ganz vorne zu finden sind, beweist die Qualität, die sie haben.
In Almost Famous gibt es die legendäre Szene im Tourbus, in der die Bandmitglieder nach einem Streit aus heiterem Himmel den Elton John Song anstimmen. Achtung: Mitsing-Gefahr!

1. Tom Petty - Free Fallin'
Man stelle sich Tom Cruise als Jerrry Maguire im Auto vor. Er fährt vor sich hin, hat Grund zum Feiern und sucht sich voller Singelan einen Sender, auf dem ein passendes Lied läuft. Nach mehreren missglückten Versuchen landet er bei Tom Petty und als der Refrain ertönt beginnt eine Szene im Film, die ebenso lustig ist wie die vielzitierte "Für mich zum Schotter"-Szene.
Ich sag nur: Yeeeaaaaaahhhh I'm freeeeeeeeee, freeeeeeeeeeee faaaallinnnnnnn. Zweifelsohne die Nr1.!

Die Besten-Liste Vol V: Die 10 besten Schauspieler

2006-08-30T12:34:00.000-07:00

Eines vorweg!
Die hier aufgelisteten Schauspieler sind fast ausschließlich dem neuen Kino zuzuordnen.
Wer normale Star-Ranglisten erstellt, setzt regelmäßig Altstars wie Robert DeNiro, Al Pacino oder Sean Connery an die Spitzenränge.
Bitte nicht falsch verstehen, aber wenn ich rein nach diesen alltäglichen Kriterien bewerten würde, ist für die Jungstars, die im Grunde genommen ebenso exzellent spielen, wie ihre großen Vorgänger, fast kein Platz mehr, da man die großen Namen schon rein aus Respekt vor der langen Erfahrung mit in die Liste aufnehmen müsste.
Diese Liste ist also ein Ranking der zum größten Teil "Neuen". Viel Spaß damit!

10. Keanu Reeves

Man kennt ihn aus Speed, Gefährliche Brandung und den Matrix-Filmen, durch die er erst so richtig zum Superstar wurde.
Wie immer sind es aber die älteren Filme, in denen dieses Schauspieltalent, das mit nicht ganz 40 Jahren tatsächlich gar nicht mehr zu den ganz Jungen zählt, so richtig genial anders war.
Man denke nur an die Bill und Ted-Filme, in denen Reeves rockte wie Sau!
Gott sei dank ist der Beau aus Hollywood, der auch eine eigene Band hat, immer noch aktiv und dreht einen Film nach dem anderen. Irgendwann wird schon wieder mal ein Hit dabei sein, Mister Reeves!

9. Moritz Bleibtreu

Mit diesem Namen verbinde ich echte deutsche Filmschauspielkunst, wie man sie wohl ansonsten zur Zeit nur von Jürgen Vogel kennt.
Bleibtreu hat bewiesen, dass er nicht nur in komischen Rollen brillieren kann, sondern dass er auch als ernste Figur überzeugen kann.
Zu seinen besten Filmen zählen Lola Rennt, Das Experiment, Knocking on Heavens Door und Im juli. Zuletzt zeigte der deutsche Mime in der Romanverfilmung Elementarteilchen, was in ihm steckt.

8. Jamie Foxx

Wenn man als Hollywood-Star den Durchbruch geschafft hat, und dann
auch noch gut singen/rappen kann, dann hat man zumindest im Mainstream-Bereich den Gipfel erreicht. Auf diesem ist Jamie Foxx gerade angelangt.
Er überzeugte als Ray Charles und zählt vermutlich im Moment zu Michael Manns Lieblingsschauspielern. Nicht umsonst ließ der Actionregisseur Mister Cool in seinen letzten beiden Filmen Collateral und Miami Vice wichtige Rollen über.

7. Clive Owen

Einem kleinen Publikum ist der britische Schauspieler bereits seit langer Zeit ein Begriff. Der "Geheimtipp" spielte den Fahrer in allen spektakulären BMW-Werbe-Filmen, die es bis vor kurzem noch zum kostenlosen Download gab. Hollywood eroberte Owen aber erst durch seine Aiftritte in Hautnah und Entgleist, wo er zum ersten Mal auch einem größeren Publikum sein Können erfolgreich beweisen konnte.

6. Kevin Spacey

Der Oscar-Preisträger ist einer jener Schauspieler in dieser Liste, die aufgrund ihres Alters nicht so ganz in diese Liste passen.
Weil Spacey aber mit wenigen Ausnahmen nur absolute Top-Leistungen als Schauspieler abgeliefert hat, musste ich ihn einfach in die Liste mitaufnehmen.
Wenn ich an seine Performances in Die üblichen Verdächtigen, American Beauty oder Das Leben des David Gale denke, würde ich es sogar wagen, ihn als einen jener Schauspieler der Gegenwart zu bezeichnen, der auch mit vergangenen Größen mithalten kann.

5. Jean Reno

Es gibt wenige Schauspieler, die mich in meinem Leben länger begleiten, als Jean Reno. Ich habe fast alle seiner Filme gesehen und muss gestehen, dass dieser französische Akteur zu meinen absoluten Favoriten zählt. Leider muss ich auch ihn in dieser Liste nicht weiter oben als auf Platz fünf einreihen, weil er nicht in das Konzept der Neuen Stars passt. Seine Blütezeit erlebte Reno, als er mit Luc Besson Filme wie Le Grand Bleu, Le Dernier Combat oder eben Leon - Der Profi drehte.

4. John Malkovich

Und um den Kreis der alten Knacker zu schließen darf auch dieser Herr nicht fehlen. Er ist glaube ich der einzige Schauspieler nach dem jemals ein Film benannt wurde. In Being John Malkovich, entdeckt John Cusack, der übrigens auch in dieser Liste zu finden ist, eine Möglichkeit, in das Hirn von John Malkovich einzutauchen und die Welt aus der Sicht des Stars zu erleben. Schräg aber super!
Andere Filme des großen Schauspielers: Gefährliche Liebschaften (das Original zu Eiskalte Engel) enige Shakespeare-Verfilmungen und zuletzt Klimt.

3. Zach Braff
Wenn ein junger Schauspieler Talent zur Komik hat, dann ist es Zach Braff. Bereits seit einiger Zeit unterhält er mich als Jungarzt Dr. Dorian in der wirklich extrem witzigen Serie Srubs- die Anfänger. Jetzt beginnt Braff auch in Hollywood mitzumischen. Zuletzt überzeugte mich sein Regieerstlingswerk Garden State, in dem er auch noch die Hauptrolle spielte und für das Drehbuch verantwortlich zeichnete. Sein neuer Film startet demnächst.

2. John Cusack

Ein Allround-Genie wie es im Buche steht. Egal ob als verwirrt-verliebter Plattenladenbesitzer in meinem Lieblingsfilm High Fidelity oder als Cop in zahlreichen anderen Filmen wie Con Air oder Identität. John Cusack hebt allein durch sein Auftreten die Qualität eines jeden Films.
Sollte es einen Film geben, der durch diesen Schauspieler nicht bereichert wurde, dann bitte ich um Comments!

1. Edward Norton

Was soll man da sagen? Die Filmliste spricht für sich:
Zwielicht, Fight Club, 25 Stunden und American History X
Das sind Filme, die man so schnell nicht mehr vergisst, un die als Klassiker des modernen Kinos der 90er Jahre und des neuen Jahrtausends gelten. Aber auch in seinen anderen Rollen in Keeping the Faith, The Score oder Red Dragon brillierte er voll und ganz.
Edward Norton ist ein Schauspieler, der definitiv noch lange Zeit in Erinnerung bleiben wird.

Ein typischer Almodovar

2006-08-27T14:11:00.000-07:00

Volver ist spanisch und heißt übersetzt soviel wie zurückkehren.
Um die Rückehr und das Schließen des Kreises dreht sich auch der neue Film des spanischen Ausnahme-Regisseurs Pedro Almodovar, der regelmäßig bei Filmfestspielen Preise abräumt.
Seine Filme Alle über meine Mutter, Sprich mit Ihr und Schlechte Erziehung sind Werke, die Anspruch und Unterhaltung perfekt miteinander verbinden.

Wie seine vorangegangen Werke ist auch Volver kein leichter Film.
Zu frontal konfrontiert Almodovar sein Publikum mit Themen wie Inzest und Mord, sodass einem bei so manchem Dialog oder so mancher Szene ein merkwürdiges Gefühl überkommt.
Im Mittelpunkt des in Cannes für das beste Drebuch und die beste weibliche Schauspielerin ausgezeichneten Films steht Raimunda, eine Frau mittleren Alters, die gemeinsam mit ihrem Mann Paco (Antonio de la Torre) und ihrer Tochter Paula (Yohana Cobo) in der spanischen Provinz La Mancha lebt.
Weil Paco seinen Job verloren hat und den ganzen Tag biertrinkend vor dem Fernseher sitzt, muss die von Superstar Penelope Cruz verkörperte Protagonistin allein dafür sorgen, dass genügend Geld ins Haus kommt.
Doch hinter der scheinbar heilen Fassade, verbirgt sich ein dunkles Geheimnis, dass Almodovar nach und nach ans Licht bringt.
Die Fassade beginnt zu bröckeln, als Paula ihren vermeintlichen Vater Paco in Notwehr ermordert, als dieser sich an ihr vergehen will.
Anstatt sich bei der Polizei zu melden, entscheidet sich Raimunda dafür, die Leiche verschwinden zu lassen und Familie und Freunde im Glauben zu lassen, dass er sie verlassen hätte.

Doch der Mord an Paco ist bei weitem nicht das einzige, was im Leben der spanischen Schönheit bisher schief gelaufen ist.
Als dann auch noch die totgeglaubte Mutter zurückkehrt und bei Raimundas Schwester Unterschlupf sucht, wird so manche Geschichte aus der Vergangenheit noch einmal aufgewärmt und es stellt sich heraus, dass vergangene Ereignisse sich im Laufe der Geschichte immer wiederholen. Raimunda muss herausfinden, dass auch ihre Mutter ihren Mann, Raimundas Vater, umgebracht hat, weil dieser sie betrog und auch Inzest ist in dieser nach außen hin völlig normal scheinende Familie nicht zum ersten Mal vorgekommen...

Volver ist ein typischer Almodovar-Film. Obwohl die Thematik eine mehr als schwer zu Verfilmende ist, gelingt es dem Regiemeister, sie auf die Leinwand zu bringen.
Mörderinnen werden plötzlich sympathisch und man vergisst durch die detailreiche, mit Situationskomik versehen Umsetzung, dass der Film eigentlich ein Drama ist.
Almodovar gestaltet seinen Film farbenreich und wählt oftmals ungewöhnliche Perspektiven, in denen er scheinbar alltägliche Aktivitäten filmt. So zeigt er Cruz zum Beispiel beim Erledigen des Abwaschs von oben, und gibt dadurch dem Publikum Einblick in das Dekoltee der attraktiven Schauspielerin.

Es sind die Schauspieler, der gekonnte Umgang mit heiklen Themen, die farbenfrohen Bilder und große Passion mit der Almodovar Volver in Szene gesetzt hat, die den Film wirklich empfehlenswert für Freunde des europäischen Kinos machen.

Welcome to Miami

2006-08-26T10:51:00.000-07:00

TV-Serien aus der Blütezeit des Fernsehens werden immer öfter modernisiert und kinogerecht in Szene gesetzt (siehe Drei Engel für Charlie, Ein Duke kommt selten allein und Verliebt in eine Hexe)
Ähnlich den Remixes in der Musik-Branche gibt es auch in Hollywood nur mehr wenige Drehbuchautoren, die wirklich kreativ und eigenständig Ideen entwickeln. Stattdessen werden alte Stories zeitgerecht aufbearbeitet und cool gemacht.
Ab und zu gelingt den Filmemachern allerdings ein Glücksgriff (was eine weitere Parallele zur Musikbranche ist).

Große Hollywood-Namen haben reihenweise in den Schlamm gegriffen, als sie alte Filme neu aufleben lassen wollten. (siehe Drei Engel für Charlie, Ein Duke kommt selten allein und Verliebt in eine Hexe)
Michael Mann, der als Meister des unkonventionellen Actionfilms gilt, wagt sich nun an ein TV-Heiligtum.

Mit seiner Kinoversion der 80er Kultserie Miami Vice, in der Don Johnson im weißen Anzug Drogenbosse zur Strecke brachte, gelingt dem Regisseur von Klassikern wie Heat oder Collateral nun ein solcher Glücksgriff, der alle Jahre einmal vorkommt.
Mit Collin Farrell (Nicht Auflegen!, Alexander, Daredevil) und Oscar-Preisträger Jamie Foxx (Ray, Collateral) in der Rolle der beiden Miami Police Departement Detectives Sonny Crocket und Ricardo Tubbs konnte Mann kaum eine bessere Besetzung für die Playboys schlechthin auswählen. Farrell wirkt mit seiner 80er Jahre Frisur und dem Schnauzer wie der perfekte Macho und Foxx verleiht dem Duo die nötige Coolness. Während sich das Polizisten-Duo in Bad Boys auf die coolen Sprüche beschränken, bestechen die beiden durch ihr eiskaltes Auftreten, bei dem selbst vor größeren Opfern kein Halt gemacht wird.

In punkto Brutalität geht Michael Mann neue Wege. Miami Vice ist voll von blutigen Schusswechseln. Doch der Regisseur lässt diese brutalen Szenen durch die unkonventionellen Aufnahmeart, die man bereits aus Collateral kennt, nicht wie Kino aussehen sondern gibt dem Film einen erschreckend realen Charakter, sodass der Zuschauer den Eindruck bekommt, es könnte tatsächlich so laufen, wie man es im Film sieht.
Körnige Bilder, die größtenteils mit der Handkamera aufgenommen wurden, zeigen die Protagonisten hauptsächlich in Close-Ups, wodurch der Film fast schon einen dokumentarischen Charakter erhält. So hat man sich eine Adaption der vor Klischees nur so strotzenden TV-Serie nicht erwartet und genau das macht Miami Vice zu einer angenehmen Abwechslung im Action.Kinoprogramm.

Bei der Story wollte Mann sichtlich nichts riskieren. So dreht sich auch in der Kinoversion alles um die beiden Undercover-Detectives, die ihr Leben in der Grauzone des Gesetzes führen und dabei die großen Drogen-Barone aus Südamerika ausschalten.
Heiße Erotik, schnelle Autos (und Boote), coole Drinks und abgefahrene Sprüche kommen auch hier massenweise zum Einsatz. Ausserdem ist der geniale Soundtrack eine Erwähnung wert, der sich in jeder Szene passend einfügt und dem Film noch einen Schub an Coolness verleiht.
Damit ist Miami Vice neben einer perfekten Abendunterhaltung auch ein Film für die Fans vonungewöhlichen Thrillern in der Tradition von Collateral und Heat, die vor allem durch ihre Machart und Erzählstruktur bestechen.

Ein unmoralisches Angebot auf französisch

2006-08-25T15:48:00.000-07:00

Irgendwoher kennt man das doch. Ein reicher Mann bietet einer Frau eine große Menge Geld, nur dafür, dass er eine gewisse Zeit mit ihr verbringen darf.
In Ein unmoralisches Angebot brachte Robert Redford Demi Moore und Woody Harrelson mit seinem Offert, eine Million Dollar für eine Nacht mit Miss Moore zu bezahlen zum Grübeln.

In Wie sehr liebst du mich? ist es der glücklose, herzkranke Francois (fabelhaft verkörpert von Bernard Campan) der sich nach einem Lottogewinn endlich in das Etablissement an der Ecke traut, um der unglaublich schönen Prostituierten Daniela (fast durchgehend halb nackt: Monica Bellucci) das Angebot ihres Lebens zu machen.
Für 100.000 Euro im Monat will er, dass sie bei ihm einzieht und als seine Frau mit ihm lebt.
Weil Daniela nichts und niemand hält, willigt sie ein, muss jedoch schon bald feststellen, dass alles einfacher klingt, als es tatsächlich ist.
Als dann auch noch ihr Zuhälter Charly auftaucht (der dank einer köstlichen Performance von Gerard Depardieu in Erinnerung bleibt) und das gesamte Vermögen von Francois für sich beansprucht, kippt der Film komplett.

Wie sehr liebst du mich? fehlen besonders gegen Ende ein wenig die Zusammenhänge. Bleibt der Film bis weit in die zweite Hälfte hinein logisch, so verliert er im Finale an Durchsichtigkeit und vor allem an Humor.
Führen die Dialoge und das teilweise recht hilflos wirkende Schauspiel der Protagonisten anfangs zu so manchem Schmunzler, lacht man am Ende nur mehr über die Absurdität des Films.

Regiemeister Bertrand Blier ist es nicht gelungen, seinem Film eine Message mitzugeben. Anstatt seinem Publikum etwas zu vermitteln, schmeißt er am Ende Logik und auch Aufbau des Films über den Haufen und begügt sich mit zusammenhangslosen Szenen, die keinen nachvollziehbaren Sinn mehr erkennen lassen.
Der einziger Grund für das wahrscheinliche überwiegend männliche Publikum von Wie sehr liebst du mich?, sich diesen Film anzusehen, ist die wie immer göttliche Monica Bellucci, die selbst als Prostituierte sexy wie nie wirkt und dadurch über so manche schauspielerische Schwäche hinwegblicken lässt.

Surreal, aber irgendwie schön - DVD Tipp: It's all about Love

2006-08-25T15:15:00.000-07:00

David Lynch hat bei einem Interview zu seinem Film Lost Highway einmal auf die Frage, ob er beschreiben könnte, worum es in dem Thriller geht, geantwortet, dass er selbst keine Ahnung habe.
Nun, so heftig ist es bei Thomas Vinterbergs It's all about Love nicht. Immerhin kann der Dogma 95 Mitbegründer zumindest Themengebiete nennen, um die sich sein surrealer Liebesthriller dreht. Es ist eine Kritik an der zukünftigen Welt, die von Fortschritt und zwischenmenschlicher Kälte geprägt ist.
So lässt der Film einige Interpretationen zu und wirft beim Publikum eher Fragen auf, als welche zu beantworten.
Aber genau das macht den Film so interessant. Lässt man sich auf dieses Abenteuer ein, so taucht man in Vinterbergs abstruse Welt ein, die er Zukunft nennt.

Wir schreiben das Jahr 2021. Es ist ein ungewöhnlicher Sommer. Das Klima spielt verrückt, es schneit mitten im Juni. Die Welt ist nicht mehr so, wie wir sie kennen. In New York sterben Menschen an ihrem gebrochenen Herzen. Doch anstatt sich Sorgen darüber zu machen, steigen die Lebenden einfach über die leblosen Körper, die überall in der Stadt herumliegen.
Während die Bevölkerung des Big Apple mit der zwischenmenschlichen Kälte und dem vermutlich damit verbundenen Klimawandel in Richtung Eiszeit zu kämpfen hat, spielt die Gravitation in Uganda verrückt. So können sich die Einwohner des afrikanischen Landes nicht mehr auf der Erde halten und müssen sich mit Leinen am Boden festbinden, um nicht davon zu fliegen.

Mittendrin in dieser surrealen Situation erzählt Vinterberg in wunderschönen Bildern, die gar nicht den Vorgaben von Dogma 85 entsprechen, die Liebesgeschichte eines Ehepaares, das sich eigentlich auf dem Weg zu Scheidung befindet, jedoch durch außergewöhliche Umstände wieder zueinander findet. Die Hauptdarsteller Joaquin Phoenix (Gladiator, Signs, Walk the Line) und Claire Danes (Rome und Julia, Der Regenmacher) agieren befreit und dadurch äußerst überzeugend. Komplettiert wird das Star-Trio von Ausnahme-Talent Sean Penn (Dead Man Walking, Mystic River), der in der Rolle des verkannten Genies, das aufgrund einer falschen Medikation nur mehr im Flugzeug über den Wolken der Welt überleben kann, brilliert.
John (Phoenix) ist eigentlich nur nach New York gekommen um sich von seiner Frau Elena (Danes), einer bekannten Eiskunstläuferin, die Scheidungspapiere unterzeichnen zu lassen.
Doch aus dem scheinbar einfachen Unterfangen entwickelt sich ein undurchsichtiger Thriller, der viele Fragen aufwirft und das Publikum am Ende ohne Antworten entlässt.

Aber genau das ist das Schöne an It's all about Love. Durch den starken Einsatz von Symbolen, lässt Vinterberg viele Möglichkeiten offen, seine Geschichte zu deuten und den Freunden des anspruchsvollen Kinos ist dieser Film dadurch sehr ans Herz zu legen. Als einfache Abendunterhaltung eignet sich der mit Stars besetzte Liebesthriller aber nicht, wenn auch einige Szenen mit hohem Schmunzelfaktor dabei sind.

Schwaches Comeback

2006-08-21T14:09:00.000-07:00

Nachdem Batman zurückgekommen ist, muss das Volk nun auch noch die Rückkehr des Ur-Helden Superman verkraften.
In der wohl teuersten Produktion, die Hollywood je unter das Volk gebracht hat, bleibt dem Publikum allerdings selbst nach zwei einhalb Stunden nichts weiter als die Erkenntnis, dass ein gigantisches Budget noch lange keine Garantie für hochwertiges Kino ist.
Keine Frage, den wirklichen Fans der Superman-Comics und früheren Filme mit der verstorbenen Legende Christopher Reeve, wird auch der neue Superman-Streifen mehr als nur gefallen.
Für den Rest der Leute ist Superman Returns allerdings nichts weiter als ein gewöhnlicher Sommer-Blockbuster, den man zwar sehen kann, der jedoch mit Sicherheit nicht in die Must-See-Liste des Jahres 2006 gehört.

Regisseur Bryan Singer outete sich ja bereits 2003 als Comic-Fan, indem er die Inszenierung des zweiten Abenteuers der X-Men übernahm.
Schon damals überzeugte der Filmemacher vor allem durch actiongeladenes Popcorn-Kino, das zumindest noch ein wenig Tiefgang bot.
Auf diesen Tiefgang vergisst Singer bei seinem neuesten Mega-Projekt aber vollkommen. Stattdessen lässt er es so richtig krachen und versucht damit scheinbar auch den Verstand seines Publikums zu verheizen.
Die Story lässt sich in wenigen Sätzen zusammenfassen.
In dem Sequel zu den vorangegangen Superman Filmen kehrt der Held in Strumpfhosen nach einigen Jahren wieder zurück zur Erde. Als schusseliger Reporter Clark Kent zieht es den Hünen mit dem S auf der Brust zurück nach Metropolis, wo er feststellen muss, dass die ansonsten so jobfixierte Lois Lane mittlerweile verheiratet ist und einen Sohn hat.
Doch als Superman zum ersten Mal wieder die Welt rettet, ist es um Lois geschehen.
Und weil auch Supermans Erzfeind Lex Luther nicht fehlen darf, gilt es für Superman schon bald, den Untergang der Welt zu verhindern und dabei festzustellen, dass er bei Lois Lane mehr hinterlassen hat, als nur einen guten Eindruck...

Für die Rolle des Superman in dem mit Sehnsucht erwarteten neuen Abenteuers hat sich halb Hollywood beworben. So standen unter anderem Nicolas Cage, Georg Clooney und andere Kaliber auf der inoffziellen Liste der potenziellen Darsteller des stählernen Retters.
Am Ende gab Regisseur Bryan Singer aber dem völlig unbekannten Brandon Routh die Chance, sich durch die Verkörperung des Superhelden schlechthin einen Namen in Hollywood zu machen. Doch man sieht dem Jungschauspieler seine mangelnde Erfahrung an. So wirkt Rough nicht gerade souverän in der Titelrolle.
Das selbe gilt auch für Kate Bosworth, die nach ihren Auftritten in Blue Crush und Die Regeln des Spiels in die Rolle der wohl bekanntesten Filmreporterin Lois Lane schlüpft. Doch anstatt dem Film zumindest schauspielerisch auf die Sprünge zu helfen, bleibt auch sie blass.
Also muss es einmal mehr Schauspiel-Routinier Kevin Spacey richten, und eine komplette Katastrophe verhindern.
Sein Auftritt als Bösewicht Lex Luther ist zwar nicht atemberaubend, allerdings besitzt der Oscar-Preisträger die Gabe, die Rolle des Superman-Widersachers zumindest mit der nötigen Portion Humor zu spielen, sodass man bei so mancher Szene ein Schmunzeln nicht verhindern kann.

Zusammenfassend kann man Superman Returns als Film bezeichnen, dessen Deutschland- bzw. Österreichstart ruhig noch weiter als zwei Monate hinausgezögert hätte werden können.
Aus Angst, eine Bruchlandung an den Kinokassen zu landen, wenn man den Film während der Fußball WM starten lässt, wurde die Premiere nämlich um einige Wochen nach hinten verschoben. Damit dürfte Superman Returns zwar die Pole Position in den Charts gesichert worden sein. Sehr lange wird sich der Film jedoch nicht an der Spitze halten können, denn dazu fehlt ihm selbst als Blockbuster die nötige Klasse.

Die Besten-Liste Vol IV: Die 10 besten Filme in der Originalversion

2006-08-13T03:49:00.000-07:00

Man kennt das ja - Man sitzt im Kino und sieht den Schauspielern genau beim Sprechen zu und auf einmal fällt einem auf, dass gewisse Mundbewegungen absolut überhaupt nicht zu dem Gesagten passen.
Willkommen in der Welt der dubbed Versions.
Seit mir aufgefallen ist, dass Synchronfassung eigentlich der absolut falsche Ausdruck für die ins Deutsche übersetzte Version eines Films ist, gehe ich mit Vorliebe in OV-Vorstellungen.
Da gibt's wenigstens keine Asynchronitäten.
An dieser Stelle muss ein Hoch auf die DVD ausgesprochen werden, bei der man mit nur einem Knopfdruck den akustischen Schund zur Seite räumen kann um echtes Kinovergnügen zu erleben.
Hier sind sie nun, die 10 besten Filme, die man unbedingt in der Originalversion gesehen haben sollte. Es muss hier allerdings auch gesagt werden, dass diese Liste nicht meiner persönlichen Lieblingsfilmliste entspricht. Die findet man ein paar Scrolls weiter unten.

10. Good Night and Good Luck

Weil gute Nacht und viel Glück einfach nicht so cool klingt und die Atmosphäre von George Clooneys Schwarz-Weiß Film dadurch verloren geht.

9. Half Baked

Gut, ich geb es zu! Der Film ist zwar unter aller S.. aber trotzdem hat es was Geiles, vier Kiffern dabei zuzusehen und vor allem in Englisch dabei zuzuhören, wie sie einen ihrer Freunde aus dem Knast holen, nachdem dieser ein Diabetiker Polizeipferd im Drogenrausch mit Zuckerwatte umgebracht hat.

8. Team America World Police

Sprechende Marionetten, die im Kampf gegen den Dschihad und Kim Jong Il sind, können fast nur komisch sein, wenn man sie in der Originalversion hört. Dies ist vor allem dann der Fall, wenn der Film von den Machern von South Park stammt, die ja für ihre provokanten Dialoge bekannt sind.
Legendär: Der Monolog von Gary am Schluss sowie Matt Damon!

7. Bringing out the Dead

Martin Scorsese ist ja bekannt für seine Filme und den darin vorkommenden Monologen seiner Protagonisten. In Taxi Driver war es Robert DeNiro, der vorm Spiegel mit sich selbst sprach. In Bringing out the Dead erzählt Nicolas Cage als "Alkoholiker-Sanitöter" von seinen Sorgen. Ein Fall für die Originalversion.

6. Bill & Teds excellent Adventures

Die wilden Hengste sollte man schon gesehen haben. Der Film ist eigentlich sowas wie Kult, finde ich zumindest. Besonders schön ist er aber deswegen, weil Keanu Reeves als Jungspund eine Stimme hat, die man ihm nicht zutrauen würde.
Ansehen und lachen!

5. Shrek

Eigentlich müsste man ja einen anderen Film von Mike Meyers hier in die Liste geben. Als Spezialagent Austin Powers powerte er so manche Dame. Doch der Mann kann es auch nur mit der Stimme. Als Shrek der Oger verzauberte er gemeinsam mit Cameron Diaz und Eddie Murphy die mutigen Kinogänger, die den Film in der Originalversion schauten.

4. Blues Brothers

Musikfilme sind so ziemlich das letzte, was ich mir in der übersetzten Version ansehen würde. Kaum beginnt die Singerei, haut es einen aus dem Kinosessel, wenn man mitbekommt, wie die Schauspieler eigentlich in Echt klingen.
Deswegen empfehle ich den Genuss von Blues Brothers in englischer Sprache.

3. La Vita e bella

Legendär war der Auftritt von Roberto Benigni bei den Oscars, als er eine goldene Statue abräumte. Genau so zappelig und lebendig ist er auch in seinem wunderbaren Film über einen Familienvater, der trotz KZ-Aufenthalt die Liebe zum Leben nicht verliert.

2. Forrest Gump

Hy, my name is Forrest, Forrest Gump!
Tom Hanks als zurückgebliebenes Genie ist auch in Deutsch ein Klassiker des modernen Kinos. Die Originalversion setzt dem Film allerdings noch eine Krone auf. Besonders gelungen finde ich die Szenen aus der Geschichte, in die Tom Hanks digital hineingeschnitten wurde. So agiert Forrest in einer Szene gemeinsam mit JFK.

1. Almost Famous

Ich glaube zu diesem Film gibt es nichts mehr zu sagen. Ich habe Almost Famous noch nie in Deutsch gesehen und will es auch gar nicht. Dieser Film ist Magie und dazu trägt auch die Atmosphäre im Original bei, die mit Sicherheit in der dubbed Version fehlt.

Wenn sich zwei streiten...

2006-08-07T14:22:00.000-07:00

... dann freut sich bekanntlich der Dritte. In diesem ganz besonderen Fall sind es sogar vier, die sich freuen können. Aus dem Streit zwischen Jennifer Aniston und Brad Pitt entstanden zwei neue Traumpaare Hollywoods. Während Pitt seine "Mrs. Smith" Angelina Jolie anbetet, haben sich Vince Vaughn und Jennifer Aniston beim Dreh zu Trennung mit Hindernissen mehr als gut kennen gelernt. So heißt es zumindest in der Klatschpresse Hollywoods, die seít den Dreharbeiten von der Turtelei zwischen den beiden Superstars berichtet.

Geht man nach den Geschehnissen im Film, so dürften sich die beiden allerdings gegenseitig bei lebendigem Leib auffressen.

Alles beginnt wie eine typische Romanze. Gary bemerkt Brooke, wie sie gelangweilt mit ihrem Freund im Stadion sitzt und verliebt sich auf Anhieb in die Schönheit. Weil er nicht locker lässt, kommen sich die beiden bereits bei ihrem ersten Date ziemlich nahe. Soweit der Vorspann.
Mario Barth, der deutsche Komödiant, hat allerdings recht, wenn er behauptet, dass Männer und Frauen wie zwei völlig verschiedene Spezies, mit völlig unterschiedlichen Sprachen sind. Aus diesem Grund wäre es Gary und Brooke zu empfehlen gewesen, Barths Wörterbuch Deutsch-Frau Frau-Deutsch bzw. das Gegenstück von Susanne Fröhlich und Constanze Kleis Deutsch-Mann Mann Deutsch zu lesen.

So kommt es, wie es kommen muss und nach dem gemeinsamen Familienessen bringt ein an sich harmloser Streit das Fass zum Überlaufen und Brooke beendet die Beziehung.
Wäre da nicht das gemeinsam finanzierte Apartment in der City von Chicago, wäre dieser "Break-Up" nichts Uungewöhnliches. Immerhin soll es öfters vorkommen, dass Beziehungen in die Brüche gehen. Doch in diesem speziellen Fall entsteht eine, zumindest für den Zuschauer ur-witzige Situation, in der die beiden Doch-Noch-Immer-Ineinader-Verliebten krampfhaft versuchen, dem anderen eins auszuwischen und auf diese Weise das Apartment für sich allein zu haben. So versucht Brooke, Gary eifersüchtig zu machen, indem sie eine neue männliche Bekanntschaft nach der anderen in die Wohnung mitbringt. Doch anstatt sich darüber zu ärgern, spielt er lieber mit dem neuen "Lover" eine Runde auf der Playstation und bringt Brooke dadurch zur Weißglut.

Mit einem wahren Feuerwerk an komischen Dialogen, bitterbösen Racheaktionen und herrlich komischen Einlagen der Protagonisten Vince Vaughn und Jennifer Aniston hat Regisseur Peyton Reed es geschafft, mit Trennung mit Hindernissen einen Film zu produzieren, der es zum ersten Mal möglich machen wird, einen Streit zwischen Mann und Frau an der Kinokasse zu verhindern, denn in dieser Komödie ist wirklich für jedes Geschlecht etwas dabei.
Gott sei Dank verzichtet der Film auf ein zuckersüßes Happy-End und bleibt so, auch dem männlichen Publikum nach dem Abspann noch in Erinnerung, und vielleicht nimmt sich der eine oder andere Mann auch die Moral aus der Geschichte zu herzen.
Eine Beziehung basiert auf Gegenseitigkeit, was soviel bedeutet, dass jeder seinen Teil dazu beitragen sollte, auch wenn man dadurch oft Dinge tun muss, die man vielleicht nicht so gerne macht.

Selbstjustiz und Pädophilie

2006-07-31T14:02:00.000-07:00

Hard Candy ist der Schocker von Senator Film, der eigentlich nach Rothenburg in die Kinos hätte kommen sollen. Da das gerichtliche Aufführungsverbot für den Film über Armin Meiwes allerdings immer noch aufrecht ist, bringt der deutsche Verleih den neuen Film von David Slade in die Kinos.
Was den Zuschauer dabei erwartet ist nichts für schwache Nerven.
Das Thriller-Kammerspiel beschäftigt sich mit dem heiklen Thema Pädophilie, wählt jedoch einen äußerst ungewöhnlichen Zugang.

Mit nur zwei Hauptdarstellern und drei weiteren unbedeutenden Figuren, spielt die Geschichte an zwei Orten und handelt von einem etwa dreißigjährigen Modefotografen, der in einem Chatroom auf die 14-Jährige Halyey stößt und sich kurz darauf mit ihr trifft.
Bereits zu diesem Zeitpunkt sind die ersten Überlegungen im Zuschauer mehr als klar.
Doch die Geschichte entwickelt sich völlig entgegen den scheinbar vorprogrammierten Lauf. So ist es der Teenager, der das Ruder an sich reißt und Jeff (beeindruckend verkörpert von Patrick Wilson) dazu überredet, sie mit zu sich zu nehmen.
Nach kurzer Anlaufzeit ist das erste Gläschen Vodka geleert. Doch anstatt seinen Minderjährigen Besuch zu fotografieren, verliert Jeff das Bewusstsein und findet sich wenig später gefesselt in seiner Wohnung wieder.
Und was ihn in den nächsten Minuten erwartet, lässt jeden Mann die Beine übereinander schlagen.
Hayley entpuppt sich als festentschlossenes Girl, das an dem für sie eindeutig pädophilen Jeff ein Exempel für alle weiteren Kinderschänder dieser Welt statuieren will.
In beeindruckenden Bildern entfacht ein Psychospiel zwischen den beiden hervorragend agierenden Protagonisten, die den Zuschauer von einer Gänsehaut in die nächste jagen.
Fast im Minutentakt wechseln die Sympathien für Ellen Page und Patrick Wilson.
Hat Jeff etwas mit dem Verschwinden des minderjährigen Mädchens zu tun, nach dem die Polizei bereits seit Tagen sucht?
Hayley ist überzeugt davon und ist bereit, Selbstjustiz an dem Pädophilen zu üben.
So schreckt sie nicht einmal davor zurück, den Mann bei vollem Bewusstsein zu kastrieren, ein Moment im Film, der besonders dem männlichen Publikum Angstschweiß auftreibt.

Obwohl Hard Candy eine normale Filmlänge hat, wird derPsychothriller nie wirklich langweilig. Zu perfekt ist die schauspielerische Leistung der beiden Hauptdarsteller, die einem noch lange in Erinnerung bleiben wird.
Beeindruckend auch die Kamera- und Schnittleistung.
So ziehen sich die Farben rot und weiß durch den Film hindurch und lassen so auch das Rotkäpchen-otiv erkennen, das bereits am Filmplakat eindeutig angedeutet wird.
Hayley als unschuldiges Mädchen, dass sich im dunklen Wald nur durch den Mord am bösen Wolf retten kann.
Doch so unschuldig ist der Teenager gar nicht. Das wird durch die unzähligen Close-Up Aufnahmen der fabelhaften Ellen Page bereits nach wenigen Minuten klar.
Verwackelte Handkamera-Bilder und blasse Farben verleihen dem Film einen unheimlichen und fast künstlichenTouch, der mehrere Deutungen zulässt. So wird durch die unterschiedliche Färbung der fantastischen Portraitbilder eine Perspektivenwahl möglich, die es zumindest kurzfritig zulässt, Sympathien für eine der beiden Figuren zu entwickeln. Weil sich aber das Blatt und damit auch die Färbung der Bilder stetig ändern, ist eine eindeutige Zuordnung von Gut und Böse nur schwer oder gar nicht möglich.

Fazit: Hard Candy ist, wie der Titel bereits verrät, keine leichte Kost, sondern fordert den Zuseher und verlangt ihm einiges ab. Durch die magischen Bilder und die oscarreife Performance der Hauptsdarsteller verwandelt sich das Kammerspiel in ein gefährliches Katz und Mausspiel, bei dem man bis zum Ende nicht weiß, wie es enden wird. Ein toller Film, den man nicht verpassen sollte!

Die Besten-Liste Vol III: Die 10 besten Schauspielerinnen

2006-07-29T11:09:00.000-07:00

Nun ist es ja bereits ein paar Wochen her, dass ich zum letzten Mal was geschrieben habe. Da ich aber mit der FH sehr viel Stress hatte und auch für die Vorbereitungen auf Hamburg eingedeckt war, habe ich eine sehr gute Entschuldigung.
Ich melde mich hier zum ersten Mal aus Hamburg und kann nur auf meinen anderen Weblog untere www.auf-der-reeperbahn.blogspot.com verweisen, in dem ihr die neuesten Infos von mir in Hamburg nachlesen könnt.
Nun aber wieder zurück zum Thema dieses Blogs.
Diese Woche sind die Ladies des Filmgeschäfts dran. Ich habe mich entschieden den Darstellerinnen den Vorzug zu geben und hier sind sie also, die 10 besten Schauspielerinnen.
Ich muss hier außerdem betonen, dass es nicht nur darum geht, wie die Damen aussehen, sondern vor allem darum, wie sie sich vor der Kamera zeigen und welches Talent sie besitzen.

10. Shannyn Sossamon:

Die meisten lieben sie seit ihrem Auftritt in Ritter aus Leidenschaft, viele mögen sie seit 40 Tage und 40 Nächte. So richtig genial ist diese Schauspielerin allerdings erst seit ihrer Rolle in dem Teenager-Drama Die Regeln des Spiels in dem Shannyn Sossamom zum ersten Mal zeigte, was sie wirklich drauf hat.

9. Sandra Bullock:

Okay ich muss zugeben, dass ich ich in Sandra verliebt bin. Für die Leute die mich kennen, ist diese Aussage zweideutig. Naja egal. Für mich ist sie eine der konstantesten Schauspielerinnen, die Hollywood in der letzten Zeit gesehen hat. Selbst mit ihren knapp vierzig Jahren ist Miss Bullock immer noch sexy wie nie und hat es drauf mich einfach ins Kino zu lpcken, wie sie es zuletzt mit ihrem neuesten Film Haus am See geschafft hat. In diesem Film spielte sie zum ersten Mal seit über 10 Jahren wieder an der Seite von Keanu Reeves.

8. Maggie Cheung:

Mit der Wahl von Maggie Cheung in die besten 10 Schauspielerinnen, ist wieder einmal klar, dass ich ein Fan von Wong Kar Wai bin. Wenn dieser Regisseur eine weibliche Hauptrolle sucht, dann ist er bei Maggie Cheung richtig. In the Mood for Love und zuletzt 2046 beweisen, dass dieser Mann Geschmack hat.

7. Scarlett Johansson:

Es gibt doch nichts über eine junge Schauspielerin, die am Beginn ihrer Karriere steht und in den kleinen Rollen beweist, dass sie Talent hat. Scarlett Johansson gehört zu dieser Sorte von Schauspielerinnen, die einerseits durch ihren Sexappeal ganz nach oben kommen und andererseits ihren Ruhm dazu ausnützen um in kleineren Rollen wie zum Beispiel in Filmen von Woody Allen zeigt, dass sie neben schön sein auch noch schauspielern kann.

6. Audrey Tautou:

Sie ist Amelie. Keine Frage. Mademoiselle Tautou ist die frabzösische Schauspielerin schlechthin. Sie ist zwar ungemein attraktiv, glänzt jedoch in ihren Rollen nicht durch sexuelles Auffallen sondern vielmehr durch ihre ganz eigene Art und Weise wie sie mit der Kamera spielt. Nach ihrer Paraderolle der Amelie in dem weltweiten Erfolg Die wunderbare Welt der Amelie folgte eine weitere französische Rolle in Mathilde eine große Liebe bis sie im Sommer 2006 an der Seite von Tom Hanks in Sakrileg die Kinos stürmte.

5. Uma Thurman:

Sie killte Bill!
Quentin Tarantinos Braut gehört zu jener Sorte Schauspielerin, die eiskalt ist. Manche mögen sie, andere hassen sie. Ich muss gestehen, dass sie mich weniger in den Tarantino Filmen überzeugte sondern vielmehr in den Mainstream Filmen wie Couchgeflüster zu Hochform neigt.

4. Monica Bellucci:

Egal wo sie auftaucht. In ihrer Nähe scheint die Welt stillzustehen. Es gibt glaube ich keinen magischeren Moment in der französischen Filmgeschichte als jenen, in dem ihr nackter Körper in Der Pakt der Wölfe übergeht in einen hügeligen Wald. Diese Szene muss man einfach gesehen haben.
Sie hat es aber auch drauf das Publikum zu schocken. Zuletzt geschenen in ihrem Film Irreversible als das Publikum die Kinos bei der Vergewaltigungsszene verließ.

3. Salma Hayek:

Wie auch in Sandra Bullock war und bin ich auch heute noch in diese mexikanische Powerfrau verknallt.
Sie hat Power bis in die Zehen und ist noch dazu eine wahnsinns Schauspielerin. Was will man mehr. Mein persönlicher Tipp: Frida

2. Natalie Portman:

Die Welt kennt sie als Königin Amidala aus Star Wars.
Aber wer ein echter Fan von Natalie Portman ist, weiß, dass sie in Leon der Profi ihre beste Performance hingelegt hat.

1. Hillary Swank

Nicht umsonst wurde diese Schauspielerin zweimal mit dem Oscar ausgezeichnet. Eine Ehrung die gerechtfertigt ist. Sieht man sich ihre Filmmografie an, sieht man nur die besten Filme:Million Dollar Baby, Boys don't cry und 11:14

Das gewisse Etwas

2006-05-31T03:44:00.000-07:00

Die einen Filme haben es, die Anderen haben es nicht. Das gewisse Etwas, das über Erfolg oder Misserfolg an der Kinokasse entscheidet. In seinem Buch "Der Publikumsvertrag" erklärt Roland Zag die Prinzipien des erfolgreichen, weil emotionalen Drehbuchschreibens mit "the human factor".

Was ist das Geheimnis erfolgreicher Filme? Sind es die Stars, die besonderen Special-Effects oder die beeindruckenden Kameraeinstellungen? Der deutsche Autor, Regisseur und Produzent Roland Zag sieht im Drehbuch den Schlüssel zum Erfolg. Der "human factor" einer Story, also die Art und Weise, wie Figuren interagieren und damit die Erwartungen des Publikums erfüllt werden, sind ausschlaggebend auf das Ergebnis an der Kinokasse.

Zwischen Filmemacher und Zuschauer herrscht laut Zag ein ungeschriebener Publikumsvertrag. Der Besucher erfüllt seinen Teil des Vertrages, indem er sich auf den Film einlässt. Dafür erwartet er, dass ihn die Geschichte emotional packt. Diesen Teil des Abkommens haben die Filmschaffenden zu erfüllen.

Von der Erzähltechnik zur Erzähltheorie

Bücher über das Drehbuchschreiben gibt es bekanntlich wie Sand am Meer. Während Syd Field und andere Screenplay-Profis allerdings vorwiegend Tipps und Tricks über die Techniken des filmreifen Erzählens geben, wechselt Zag zur Erzähltheorie.
In seinen zwanzig leicht lesbaren Paragrafen des Publikumsvertrag zeigt der Autor unter anderem, wie es gelingt, in einem Drehbuch die Fähigkeit zum Mitgefühl für die Figuren zu wecken und damit als Filmschaffender seinen Teil des Publikumsvertrags einzuhalten.

Der "human factor" entscheidet

Anhand seiner Theorien analysiert Zag, warum sich James Camerons "Titanic" zum erfolgreichsten Film aller Zeiten entwickelt hat, "Der Pate" als Mafia-Klassiker in die Geschichte eingegangen ist und warum man Jack Nicholson als unsympathischen Menschenhasser in "Besser geht’s nicht" so schnell nicht wieder vergessen wird.
Auch zwei deutsche Produktionen nimmt er unter die Lupe. Als Positiv-Beispiel, in dem die Regeln des Publikumsvertrags von Seiten der Filmemacher eingehalten wurden, nennt er den Export-Schlager "Good Bye Lenin! ". Zu wenig "human factor" und unbefriedigende Figuren-Konstellationen waren die Kennzeichen von "Marlene", dem erfolglosen Film über die legendäre Schauspielerin und Sängerin Marlen Dietrich.

Gerichtet an Autoren, Regisseure und Freunde der Filmbranche, bietet Roland Zags "Der Publikumsvertrag" einerseits praktische Tipps für kreatives Schreiben und andererseits leicht lesbare Informationen, die dabei helfen, die Erfolgschancen von Drehbüchern und Filmen einzuschätzen.

Fazit: Sollte im Bücherregal von Cineasten und Filmschaffenden nicht fehlen!

Die Besten-Liste Vol II: die 10 besten Regisseure

2006-05-30T15:11:00.000-07:00

Neue Woche, neues Thema.
Wurde in der letzten Best Of-Liste die Königsklasse behandelt, so dreht sich hier alles um jene Personen, die dafür zuständig sind, dass Filme das gewisse Etwas erhalten.
Voila, die 10 besten Regisseure und Regisseurinnen.

10. Steven Spielberg
Er ist der Mann, der Hollywood in den 90er Jahren den Blockbuster gebracht hat. Mit Der Weiße Hai, Jurassic Park, Indiana Jones, Schindlers Liste und zuletzt München bescherte der Regie-Meister seinem Publikum unvergessliche Stunden im Kino.

http://www.imdb.com/name/nm0000229/

9. Sofia Coppola
Nur ein Film ist notwendig, um sich auf der ganzen Welt einen Ruf als eine der besten Regisseurinnen zu machen. 2003 erhielt die Tochter von Regiemeister Francis Ford Coppola für ihren Film Lost in Translation den Oscar für die Beste Regie.

http://www.imdb.com/name/nm0001068/

8. Michael Winterbottom
Der britische Regisseur besticht nicht durch Größe sondern durch Qualität. So waren seine letzten Film Welcome to Sarajewo, 9 Songs und Road to Guantanamo zwar nicht an den Kinokassen erfolgreich dafür aber umso mehr bei Festivals wie der Berlinale, wo in diesem Jahr der neue Winterbottom Film für Platzstreiterein zwischen den anwesenden Filmjournalisten sorgte.

http://www.imdb.com/name/nm0935863/

7. Akira Kurosawa
Er war DER Regisseur aus dem asiatischen Raum. Mit seinen Filmen brachte erstmals ein Regisseur asiatische Filme in den Westen. Besonders sehenswert ist seine frühe Produktion Rashomon aber auch die großen Kurosawa-Filme Die 7 Samurai, Ran und Kagemusha sollten in keiner Cineasten-Sammlung fehlen.

http://www.imdb.com/name/nm0000041/

6. Alfred Hitcock
Stanley Kubrick, George Lucas und Alfred Hitchcock. Diese drei Namen kennt ziemlich jedes Kind. Der Meister des Suspense drehte viele Filme und wurde vor allem dafür bekannt, dass er in den meisten seiner Produktionen einen kurzen Cameo-Auftritt hat. Die bekanntesten Filme: Die Vögel, Psycho und Vertigo.

http://www.imdb.com/name/nm0000041/

5. Darren Aronofsky
Kein anderer Regisseur versteht den Umgang mit Splitscreen-Technik und schwarz/weiß Bildern so gut, wie der junge Darren Aronofsky. In seinen Filmen dreht sich alles um ein Problem, an dessen Lösung die tragischen Protagonisten meist scheitern. Eindrucksvoll wird dies vor allem in Pi und Requiem for a Dream bewiesen.

http://www.imdb.com/name/nm0004716/

4. Gus Van Sant
Während andere Regisseure eine durchschnittliche Schnittfrequenz von unter drei Sekunden in ihren Filmen haben, nutzt dieses Ausnahmetalent in vielen Fällen Szenenlängen von mehreren Minuten. Was dadurch entsteht ist eine ungeheure Verlangsamung der Filme, die in Zeiten von MTV und Co. unheimlich entspannendes Kino ermöglicht. Zu den bekanntesten Produktionen zählen My Own Private Idaho, Good Will Hunting und Elephant.

http://www.imdb.com/name/nm0004716/

3. Cameron Crowe
Wenn sich Dave Grohl von den Foo Fighters in einem MTV-Livekonzert kurzerhand dazu entschließt, Elton Johns Tiny Dancer in einer Accoustic Version zum Besten zu geben, weil er den Song aus Almost Famous kennt, dann ist das eindeutig ein Zeichen dafür, dass der Regisseur ein gutes Händchen für Musik im Film hat. Auf Cameron Crowe trifft dies nachweislich zu, wie Jerry Maguire (Bruce Springsteen - Secret Garden und Tom Petty - Free Fallin') und Elizabethtown (Elton John - My Father's Gun) beweisen.

http://www.imdb.com/name/nm0001081/

2. Luc Besson
Die meisten Filmkritiker beurteilen den französischen Playboy an seinen amerikanischen Produktionen Das fünfte Element und Johanna von Orleon. Ein Fehler, schließlich hatte Besson seine beste Zeit in den 80ern und 90ern als er mit seinem Lieblingsschauspieler Jean Reno die Film Le Dernier Combat, Im Rausch der Tiefe, Nikita und Leon - Der Profi drehte.

http://www.imdb.com/name/nm0000108/

1. Wong Kar Wai
Er ist der Meister der Ästhetik. Kein anderer Regisseur versteht es dermaßen perfekt, Gefühle und Emotionen bildnerisch darzustellen. Egal ob Happy Togehter, Days of Being Wild, In the Mood for Love oder 2046. Jeder dieser Filme stellt ein Meisterwerk für sich selbst dar.

http://www.imdb.com/name/nm0939182/

Gerichtliche Zensur

2006-05-30T13:46:00.000-07:00

Eigentlich hätte sich das deutschsprachige Publikum seit 10. März diesen Jahres ein eigenes Bild von der grausamen Tat von Armin Meiwes, dem sogenannten Kannibalen von Rotenburg, machen können.
Dann kam allerdings ein herber Schlag für die Filmverleiher Constantin (in Österreich) und Senator (in Deutschland). Mit einem gerichtlich Beschluss verfügten die Anwälte von Meiwes, der einen anderen Mann zerstückelt und aufgegessen hat, ein Aufführungsverbot wegen Verletzung der Persönlichkeitsrechte.
Hatten die juristischen Vertreter bei dem Verbot des Rammstein Songs "Mein Teil", welcher sich eindeutig auf die Tat Meiwes' bezieht, noch das Nachsehen, gelang ihnen im Fall "Rohtenburg" (so der Titel des Film mit Thomas Kretschmann in der Hauptrolle) die Durchsetzung eines Aufführverbots auf unbestimmte Zeit.

Interessanterweise dürfte die amerikanisch-deutsche Ko-Produktion bereits Anfang des Jahres in Pressevorführungen diversen Filmjournalisten aus ganz Deutschland und Österreich gezeigt worden sein. In den März-Ausgaben der verschiedensten Filmmagazine wurde auf Martin Weiszs Horrorfilm aufmerksam gemacht. Hielt man sich bei den Marketing-Maßnahmen zurück, machte der Film allein durch sein Thema in diversen Medien die Runde.

Im Grunde genommen hätte dem Regisseur und seiner Crew jedoch aus werbetechnischer Sicht nichts Besseres passieren können, als die nunmehrige Situation. Sollte der Film in absehbarer Zeit doch starten, ist ihm eine hohe Zuschauerzahl versichert, auch wenn die Kritiker von einem schwachen Streifen schreiben, der vor allem aufgrund seines Drehbuchs enttäuscht.

Nähere Informationen zum Film, Filmkritik, Trailer sowie ein Bericht über den gerichtlichen Beschluss:
http://www.imdb.com/title/tt0448400/
http://www.filmstarts.de/kritiken/Rohtenburg.html
http://www.moviemaze.de/media/trailer/2572/rohtenburg.html
http://www.hispeed.ch/unterhaltung/medianewsdetail.htm?non=1&ArtikelId=166902

Die Besten-Liste Vol. I: Die 10 besten Filme

2006-05-23T13:41:00.000-07:00

Ich habe mich dazu entschlossen, eine Serie zu starten.
Ziel dieser Serie ist es, die jeweils 10 besten Filme, Schauspieler, Regisseure, Score-Komponisten, Kameramänner, Cutter etc. zu wählen.
In den kommenden Wochen werde ich jeweils einmal pro Woche (wenn die Zeit es zulässt) eine Liste mit den neuesten Top Ten veröffentlichen.
Gleich zu Beginn gibt es hier eine Warnung. Die Bestenlisten sind jeweils subjektiv von mir gewählt. Ich nehme außerdem nur Filme oder Personen, die sich in meinem knapp 400 Filme fassenden Filmarchiv befinden oder die ich gesehen habe.

Also dann. Viel Spass. Ich hoffe auf rege Kommentarnutzung.

In dieser Woche starten wir gleich mit der Königsklasse
Vol. I: Die 10 besten Filme.

10. Requiem for a Dream
Jahr: 2000
Regie: Darren Aronofsky
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0180093/

9. Good Will Hunting
Jahr: 1997
Regie: Gus Van Sant
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0119217/

8. Elephant
Jahr: 2003
Regie: Gus Van Sant
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0363589/

7. Metropolis
Jahr: 1927
Regie: Fritz Lang
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0017136/

6. L. A. Crash
Jahr: 2004
Regie: Paul Haggis
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0375679/

5. The Rules of Attraction
Jahr: 2002
Regie: Roger Avary
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0292644/

4. Kiss Kiss Bang Bang
Jahr: 2005
Regie: Shane Black
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0373469/

3. In the Mood for Love
Jahr: 2000
Regie: Wong Kar Wai
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0118694/

2. Almost Famous
Jahr: 2000
Regie: Cameron Crowe
IMDB-Link: http://www.imdb.com/title/tt0181875/

1. High Fidelity
Jahr: 2000
Regie: Stephen Frears
IMDB-Link http://www.imdb.com/title/tt0146882/

Ein Nachtrag: Sowohl Luc Bessons Leon der Profi als auch die grenzgeniale Drogenkomödie Fear and Loathing in Las Vegas hätten es zwar ohne weiters in die Top 10 geschafft. Nur leider ist die Dichte der genialen Filme in dieser Best-Liste zu hoch, als dass ich mich letzte Woche dazu entscheiden hätte können, die genannten Filme hineinzuwählen.

Die eigentliche Sensation in Cannes

2006-05-23T01:19:00.000-07:00

Alles spricht über das große Filmfestival von Cannes, das seit vergangenen Mittwoch an der französischen Cote D'Azur Hollywood-Stars und andere Filmnerds aus der ganzen Welt anlockt.
Medien berichten über seit gut einer Woche über die laufenden Filme in Hot Rotation.
Natürlich war der Eröffnungsfilm The Da Vinci Code das Thema Nummer 1.
Ein gefundenes Fressen auch die schlechten Kritiken des Blockbusters nach seiner Ur-Aufführung in Cannes.
Allmählich ist jedoch auch die angeblich schlechte Qualität des Films nur mehr ein Thema von gestern und stattdessen stürtzt man sich in der Berichterstattung auf die wirklich wichtigen Dinge. So berichtet man über Oliver Stones neuestes Projekt, den, nach United 93, bereits zweiten Film über die Tragödie von 9/11, dessen erster Teil am Wochenende in Cannes gezeigt wurde.

Die eigentliche Sensation beim diesjährigen Filmfestival an der Cote D'Azur haben aber nur die wenigsten Medien wirklich aufgegriffen.
So lohnt sich in diesem Jahr ein Blick auf die Jury, die 2006 von niemand geringerem als dem Regie-Meister persönlich geführt wird.
Wong Kar Wai, der beste Regisseur der momentan in der Filmszene tätig ist, hat es sich nicht nehmen lassen und nimmt neun Jahre nach seinen ersten Triumphen in Cannes (Beste Regie sowie Nominierung für die Goldene Palme 1997 für Happy Together) und sechs Jahre nach dem wirklichen Cannes Durchbruch mit In the Mood for Love (zwar nur nominiert für die Goldene Palme 2000, jedoch der große Publikumsliebling) selbst den Platz des Entscheidungsträgers ein.
Wong Kar Wai ist nicht mehr wegzudenken aus der langjährigen Geschichte des Festivals in Süd-Frankreich. So war auch 2004 die Aufführung des Kar Wai Films 2046 nicht zuletzt aufgrund der unglaublichen Bild-Ästhetik einer der Höhepunkte von Cannes.
Zu Ehren des diesjährigen Festival-Juryleiters wurde sogar das offizielle Plakat zum 59. Festival in Cannes nach seinem Meisterwerk In the Mood for Love kreiert.

Hätte in diesem Jahr auch noch Kar Wais Haus und Hof Kameramann Christopher Doyle einen Platz in der Jury eingenommen, wäre die Sensation perfekt gewesen. So muss man sich mit Monica Belucci, Helena Bonham Carter, Zhang Ziyi, Samuel L. Jackson sowie Tim Roth begnügen.

Nützliche Links:
http://www.festival-cannes.fr/
http://cinema.msn.de/news/specials/c/cannes?object_id=4113
http://orf.at/060517-99563/index.html?url=http%3A//orf.at/060517-99563/99564txt_story.html (muss halt auch sein: Eine ORF Bericht über den Start von Da Vinci Code in Cannes)
http://www.imdb.com/name/nm0939182/ (Alles über Wong Kar Wei)
http://www.imdb.com/name/nm0236313/ (Christopher Doyle, der beste Kameramann der Welt)

Mirjam, du weißt

2006-05-22T15:09:00.000-07:00

Also ich mag MTV ja wirklich nicht gern, aber wenn man mal die Chance bekommt und die nette Mirjam kennenlernt, wird man schnell zu einem Dauerschauer von TRL und co. Und ich spiele momentan sogar mit dem Gedanken, mir Dancing Stars anzuschauen. Und das alles nur für dich Miri!

Was hat Jaws eigentlich mit dem Weißen Hai zu tun?

2006-04-07T14:08:00.000-07:00

Oder: Ein letztes bisschen Kreativität

http://www.moviefans.de/specials/filmtitel/
http://www.funstart.at/filmeserien/kinotvnews/
immermehrfilmtitelwerdennichteingedeutscht.html

Ich bin mal wieder auf ziemlich interessante Websites gestoßen, die mich dazu gebracht haben, mich selbst mit dem dort behandelten Thema auseinanderzusetzen.
Ja, es gibt tatsächlich so verrückte Leute, die nichts besseres zu tun haben, als für die Menschheit festzuhalten, wie verrückt und ausgefallen die deutsche Übersetzung bestimmter Filme ist.

Nun, ich hab mich einfach kurzerhand entschieden mir auch mal den Kopf darüber zu zerbrechen und zu überlegen, warum es eigentlich passiert, dass man an sich geniale Titel wie z.B. Eternal Sunshine of a Spotless Mind nicht einfach weltweit unter dieser Bezeichnung in die Kinos bringt. Gut, okay vielleicht ist dieser Film mit Jim Carrey aus 2004 nicht gerade das beste Beispiel für eine Vermiesung des Titels im Deutschen. Immerhin hieß der Film in unseren Breitengraden Vergiss mein nicht!

Was zwar ein genialer Titel ist, allerdings so gut wie wirklich gar nichts mit dem Original-Titel zu tun hat. Hier haben die deutschen Kollegen allerdings wirklich gute Arbeit geleistet. Was den eigentlichen Filmproduzenten zwar auch ganz gut gelang, schaffte der deutsche Verleih Constantin wesentlich besser.
Der Film handelt von einem Typen (Carrey) der mit der Absicht, seine Geliebte (Kate, „komm zurück Leo“ Winslet) zu vergessen, zu einem etwas komischen Arzt geht, der ihm verspricht, mittels neuartiger Methode die Gedanken an eine ganz bestimmte Person löschen zu können.
Tja, jetzt heißt zwar Eternal ewig (oder so ähnlich) und Kate Winslet ist auch wirklich ein wahrer Sunshine (für die, dies nicht wissen: Sunshine ist Sonnenschein) mit ihren blauen Haaren, aber trotzdem passte der gewählte Titel nicht wirklich aufs Auge wie die Faust es tut. Hier kam man mit Vergiss mein nicht! doch ein wenig näher dran.

Aber Ausnahmen bestätigen ja bekanntlich die Regel. Und die lautet: Ziemlich jeder Versuch, einer kreativen Übersetzung des Original-Titels (trifft übrigens nicht nur die Amerikaner) geht mehr als nur schief.
Selbst wahre Kassenschlager wie Der Weiße Hai sind im Grunde genommen ziemlich komische Übersetzungen ihrer Originaltitel. Gut, in diesem Fall ist es ja noch wirklich gut gelungen muss man neidlos zugeben. Wer weiß schon, dass Jaws wörtlich übersetzt soviel wie Kiefer, Mäuler oder Klauen heißt. Würde ja auch blöd klingen, wenn einer der bekanntesten Horror-Filme der Welt den Titel Klauen tragen würde.
Aber was solls.
Ich habe mich mal in meinem Filmarchiv auf die Suche nach Filmen gemacht, die besser auch bei uns im Original-Titel hätten erscheinen sollen.
Eine kleine Anmerkung noch am Rande: Die Reihung der Filme ist mit keinerlei Wertung gleichzusetzen. Die Filme wurden in jener Reihenfolge hinzugefügt, in der sie mir einfielen.

(Mein persönlicher Favorit – Leute, was das Geld gekostet haben muss, diesen tollen deutschen! Titel zu kreieren) Rogue Trader – High Speed Money

Eternal Sunshine of a Spotless Mind – Vergiss mein Nicht

Matchstick Man – Tricks

Something’s gotta give –Was das Herz begehrt

Torque – Hart am Limit

Dodge Ball – Voll auf die Nüsse

Remember the Titans – Gegen jede Regel

Analyze This – Reine Nervensache

C'era una volta il West - Spiel mir das Lied vom Tod

Analyze That – Reine Nervensache 2

Cruel Intentions – Eiskalte Engel

Entrapment – Verlockende Falle

Forces of Nature – Auf die stürmische Art

Girl Interrupted – Durchgeknallt

Annie Hall - Der Stadtneurotiker

Just Married – Voll verheiratet

Keeping the Faith – Glauben ist Alles!

Copycat - Copykill

National Lampoon’s Van Wilder – Party Animals

Saving Grace – Grasgeflüster

Snake Eyes – Spiel auf Zeit

Liar, Liar - Der Dummschwätzer

Stepmom – Seite an Seite

Jaws – Der Weiße Hai

Primal Fear – Zwielicht

Closer - Hautnah

The Deer Hunter – Die durch die Hölle gingen

Lock, Stock and Two Smoking Barrels - Bube, Dame, König, Gras

North by Nothwest - Der unsichtbare Dritte

The Longest Yard – Die Kampfmaschine bzw Spiel ohne Regeln
Failure to Launch – Zum Ausziehen verführt

Chicken Little – Himmel & Huhn

Dragnet - Schlappe Bullen beißen nicht

Zuletzt müssen auch noch unsere an sich wirklich sehr kreativen französischen Film-Freunde erwähnt werden, denn auch ihnen ist in den letzten Jahren mehrmals ein kleiner oder vielleicht auch etwas größerer faux-pas passiert. Aber seht selbst:

Un long dimanche de fiançailles – Mathilde eine große Liebe

Le Grad Bleu – Im Rausch der Tiefe

Graz erlebt Geburtsstunde einer neuen Ära des europäischen Films

2006-03-22T00:31:00.000-08:00

Vom 17. bis zum 20. März tagten die Mitglieder der Europäischen Föderation der Regisseure, kurz FERA, in Graz. Auf Einladung des österreichischen Regisseurverbandes ADA (Austrian Director’s Association) erarbeiteten die Teilnehmer die so genannte Grazer Deklaration, durch die die europäische Filmwirtschaft eine bessere Struktur erhalten soll.

Von Rainer Brinskelle

39 Regisseur-Verbände aus 31 Ländern Europas sind an der FERA beteiligt. Am Wochenende trafen sich nun 51 Delegierte zur Jahreshauptversammlung im Hotel Weitzer. Angeführt wurde der dreitätige Kongress von FERA-Präsidentin Liv Ullmann, die als Schauspielerin durch ihre Zusammenarbeit mit Ingmar Bergman berühmt wurde. Mit ihr diskutierten unter anderem der polnische Regisseur Andrzej Zulawski sowie Griechenlands Aushängeschild der Regisseur-Szene, Costas Ferris.

„Ich bin sehr froh darüber, dass unsere Versammlung hier statt gefunden hat. Denn gerade die Stadt Graz zeigt durch ihr Engagement aber auch ihre Architektur, wie wichtig Kultur in der heutigen Gesellschaft ist“, erklärt Ullmann. In der Grazer Deklaration wurde unter anderem die zukünftige Leitlinie der FERA festgelegt. „Die Stärkung des europäischen Films, die Erhaltung der kulturellen Vielfalt der einzelnen Länder sowie die Vernetzung der europäischen Filmemacher sind die Hauptpunkte“, sagt der österreichische Regisseur Kurt Mayer.

Das Hauptziel der FERA ist die Verbreitung von Filmen von finanziell schwächeren Ländern. Bisher kämen nicht einmal zwei Prozent aller in Europa gezeigten Filme aus Oststaaten wie beispielsweise Bulgarien oder Rumänien, erklärt Peter Carpentier, Vorsitzender des Bundesverbandes der Fernseh- und Filmregisseure in Deutschland. Er warnt vor allem vor dem Ausverkauf der Filmindustrie kleiner Länder.

„In Bulgarien wird gerade über den Verkauf der Boyana-Studios in Sofia verhandelt. Drei international renommierte Filmfirmen bieten für Bulgariens wichtigste Produktionsstätte von Filmen mit, wobei die Verhandlungssumme für das gesamte Studio mit Equipment nur rund ein Zehntel des aktuellen Grundstückpreises in der bulgarischen Hauptstadt liegt“, ist Carpentier enttäuscht. Vor allem sei dies bedenklich, da nach dem Verkauf großteils nur noch internationale Produktionen bei Boyana gemacht werden würden, was der bulgarischen Filmszene immens schaden würde.

Außer den Diskussionen rund um die Zukunft der FERA wurde im Rahmen der Jahreshauptversammlung aber auch eine neue Führung gewählt. Während Liv Ullmann als Präsidentin bestätigt wurde, wählten die Mitglieder die Französin Cecile Despringre zur neuen Geschäftsführerin. Zusätzlich wurden die Regisseur-Verbände aus Slowenien, Ungarn, Irland und Dänemark in die Europäische Föderation der Regisseure aufgenommen.

Im Zeichen des österreichischen Films

2006-03-21T15:17:00.000-08:00

Der österreichische Film besteht nicht allein aus den Werken der Kabarettisten Hader, Dorfer und Düringer. Das wird die Diagonale, das zweitgrößte heimische Filmfestival nach der Viennale, ab 21. März fünf Tage lang in Graz beweisen.

„Das vergangene Jahr brachte dem österreichischen Film so viel Anerkennung, wie schon lange nicht mehr“. Mit diesen Worten eröffnete die Diagonale-Intendatin Birgit Flos am Donnerstag die erste Pressekonferenz zur Diagonale 06 im Grazer Kunsthaus, bei der das diesjährige Programm des renommierten Filmfestivals vorgestellt wurde.

In der Tat zeigen nicht zuletzt die Oscar-Nominierung von Hubert Saupers Dokumentarfilm Darwin’s Nightmare sowie die Auszeichnung des österreichisch-kroatischen Projekts Grbavica mit dem Goldenen Bären bei der heurigen Berlinale, dass Flos mit ihrer Behauptung richtig liegt.
Auch Michael Haneke, der für Caché in Cannes als bester Regisseur ausgezeichnet wurde, und Michael Glawoggers Workingman’s Death, der durch seine Nominierung bei den European Film Awards auch über die Grenzen Österreichs hinweg bekannt wurde, trugen in den vergangenen Monaten zum positiven Image der österreichischen Filmszene im Rest der Welt bei.
Mit Ausnahme von Saupers Oscar-Dokumentation werden alle diese Filme bei der diesjährigen Diagonale zu sehen sein. Die frisch gekrönte Berlinale-Gewinnerin und Grbavica-Regisseurin Jasmila Žbanic wird als Gast ihren Film in Graz präsentieren.

Seit 1998 verwandelt sich Graz alljährlich im Frühling zur Filmhauptstadt Österreichs und präsentiert eine Auswahl der aktuellen österreichischen Filmproduktion.
Insgesamt haben in diesem Jahr 189 der 530 eingereichten Filme den Sprung in den Hauptbewerb geschafft, wo sie sich von 21. bis 26. März einer internationalen Jury stellen werden und um die zahlreichen Preise, darunter den neu geschaffenen Großen Diagonale-Preis für Kinospielfilm und Dokumentarfilm in der Höhe von je 15.000 Euro, kämpfen.
Den Veranstaltern um Geschäftsführer Oliver Testor und Intendantin Birgit Flos steht in diesem Jahr ein Gesamtbudget von einer Million Euro zur Verfügung. Allein die Preise sind mit insgesamt 63.000 Euro dotiert.

Fand die Diagonale in den letzten Jahren im Filmzentrum im Rechbauerkino,
augartenkino kiz und im Schubertkino statt, so gelang es in diesem Jahr die UCI Kinowelt Annenhof als Veranstaltungsort dazu zu gewinnen. In den drei hinzu gekommenen Sälen, wird auch der Eröffnungsfilm, Florian Flickers Dokumentation No Name City, gezeigt.
Aufgrund des großen Andrangs haben sich die Veranstalter entschieden, den Film auch am zweiten Tag des Festivals in Anwesenheit des Regisseurs zu zeigen.

Mit zahlreichen Specials wird das Angebot der Diagonale abgerundet. So wird unter anderem das Gesamtwerk der Filmemacherin und Künstlerin Maria Lassnig präsentiert. Außerdem widmet sich die Diagonale 06 mit einem Fokus Dänemark dem dänischen Kino vor und nach der Dogma 95-Initiative von Thomas Vinterberg und Lars von Trier.
Als besondere Aktion ermöglicht die Diagonale in diesem Jahr zum ersten Mal in Zusammenarbeit mit karitativen Einrichtungen und dem Land Steiermark auch bedürftigen Menschen den Besuch des Filmfestivals. So werden unter dem Motto DIAGONALE für alle 300 Freikarten zur Verfügung gestellt, die von Caritas, Megaphon und AMS verteilt werden.

Auch abseits des Films sorgt die Diagonale mit der DIAGONALE Nightline alljährlich für Unterhaltung während der Graz Filmwoche.
So werden in diesem Jahr neben dem Wiener DJ-Duo Dzihan & Kamien die Sofa Surfers und zahlreiche andere Größen der heimischen und internationalen elektronischen Musikszene im Grazer p.p.c. für gute Stimmung auf den Premieren-Partys sorgen.

Publikumsgespräche, Diskussionen und Präsentationen rund um das diesjährige Diagonale-Kernthema Filmproduktion in Österreich runden das vielseitige Angebot des diesjährigen Festivals des österreichischen Films ab.

Sloweniens Filmszene

2006-03-21T15:08:00.000-08:00

Facts:
· Bester slowenischer Film: Ples v Dežju (Tanz im Regen; 1960er)
· Internationale Erfolge: "Ekspres, Ekspres" (1997), "Kruh in Mleko" (2001),"Sladke sanje" (2001), „Kajmak in Marmelada“ (2003)
· Seit 1991 neue Filmemacher- Generation auf internationalen Festivals bekannt
· Slowenien als Koproduktionsland – Infrastruktur für ausländische Produktionen (Bp.: No Man‘s Land 2001)
· Derzeit vier heimische Produktionen im Kino (15 in Produktion); internationale Ausrichtung

Filmeinrichtungen:
· Ca. 50 Produktionsfirmen und Filmstudios
· Knapp 10 Filmförderungsstellen
· Mehr als 10 nationale Verleihfirmen neben den Major-Filmverleihern (Fox, Sony, UIP)
· Zwei Filmmagazine (Ekran, STOP)
· Rund 90 Kinos (3 Multiplexe)

Filmfestivals:
· Neun offizielle Festivals
· Festival slovenskega filma (offizielles Slowenisches Filmfestival)
· ursprünglich Teden domacega filma (Slowensche Film Woche), dann Slovenski filmski maraton (Slowenischer Film Marathon)
· Rückblick auf nationale Produktionen (Film & TV), Slowenischer Film Fond vergibt Preise
· Ljubljana International Film Festival (LIFFE)
· Seit 1989, sechs Kategorien, Nachwuchspreis (Vodomec Award), ~40.000 Besucher

Filmski sklad Republike Slovenije:
· = Staatlicher Filmfond der Republik Slowenien
· Gründung: 1994/95
· Programmierung, Planung und Realisierung der Filmproduktion
· 4 – 6 Filme pro Jahr
· Jährlicher Etat: etwa 2 – 2,5 Mio Euro + 500.000 € für internationale Promotion slowenischer Filme
· Durchschnittliches Spielfilm-Budget: 1 Mio. €
· Koproduktionen mit TV-Sendern

Filmbeispiele:
PORNO FILM:
- Scenarist in Režiser: Damjan Kozole
- Igralci: Matjaz Latin, Primož Petkovsek, Natalia Danilova
- Žanr in Leto: Komedija; 2000
- Parallelen zu „Nacktschnecken“: Junges Filmteam, Amateure produzieren Pornofilm, Geldmangel, Personen(konstellation)

SLEPILO:
- Režiser: Jan Bilodjeric
- Igralci: Kaja Bilodjeric, Dejan Lendvai
- Žanr in Leto: Drama; 2005
- Parallelen zu “Requiem for a Dream”: Filmtechnik (düstere Optik, Split-Screen, klassischer Soundtrack) und Thematik (Junges Paar, Drogen und Prostitution)

Film: Eine Faszination im Alltag

2006-03-20T14:36:00.000-08:00

Wenn Menschen wie ich an Film denken, dann kommen ihnen Begriffe wie Leidenschaft, Lebensinhalt, Kunst und Wissenschaft in den Sinn.
Seit meinem zehnten Lebensjahr beschäftigt und fasziniert mich das Medium Film, das seit mittlerweile mehr als einem Jahrhundert die Menschheit in seinen Bann zieht.
Auch wenn man sich nie intensiv mit den „Kinderjahren“ des Kinos und der bewegten Bilder beschäftigt, ist es möglich, dass der moderne Film der 90er Jahre eine ähnliche Anziehungskraft und Faszination auf seinen Betrachter ausüben kann, wie es die ersten Vorführungen am Ende des 19. Jahrhunderts auf den Jahrmärkten bei ihren Besuchern taten.

Sich als Cineast zu bezeichnen bedarf mehr, als nur über das Medium Film und seine Geschichte Bescheid zu wissen. Man muss Film leben, um den Einfluss dieses Phänomens zu spüren.
Es steckt so viel in dieser Wissenschaft. Erinnerungen an den ersten Kinobesuch oder an den ersten Kuss im dunklen Saal. Emotionen, die geweckt werden, wenn man sich für zwei Stunden in eine andere Welt entführen lässt.
Angst, Freude und Traurigkeit; das volle Emotionsprogramm wird innerhalb kürzester Zeit durchlaufen.

Aber was ist es wirklich?
Bei genauerer Betrachtung kommt man zu dem Schluss, dass Film eigentlich nur eine Illusion ist. Eine Scheinwelt, die für wenige Stunden von den Filmschaffenden erzeugt wird, nur um ihr Publikum zu unterhalten. Man starrt auf eine weiße Wand im Kino oder auf die Glotze und wird Zeuge, wie diese plötzlich zum Leben erwacht und Unterhaltung für jedermann bietet.
Was ist es also, dass dieses Medium so besonders macht?
Film kann eine Magie erzeugen, die denjenigen, der sich darauf einlässt, auf ewig fesselt.
Wie eingangs schon erwähnt, ist Film eine Wissenschaft. Eine Wissenschaft, von der nur wenige wissen, wie man sie gekonnt einsetzt. Schon die Franzosen, die mit ihrer Nouvelle Vague einen bedeutenden Teil der Geschichte des Films ausmachten, unterschieden in ihrer Filmblütezeit um 1960 zwischen dem „cinéma“ als Kunstform, die sich für die Ästhetik und die hohe Kultur der bewegten Bilder interessiert und dem „film“, bei dem das narrative Element im Vordergrund steht.

Hollywood und seine großen Regisseure, die für viele als Vorbilder gelten, fügten diesen beiden Begriffen noch einen dritten hinzu. „Movies“ sind jene Filme, die sich aus heutiger Sicht am besten als Popcorn-Kino bezeichnen lassen. Die Blockbuster regieren seit Anfang der 90er Jahre den weltweiten Filmmarkt. Wer erfolgreich sein will, muss Großes produzieren.
„Jurassic Park“ von Steven Spielberg führte 1994 das weiter, was George Lucas in den 70er Jahren mit seiner „Star Wars“-Trilogie begann.
Und wieder berührte man den Alltag des Publikums. Man sprach über das Gesehene, und unzählige Menschen ließen sich in den Bann dieser „movies“ ziehen.

Schon immer plagt der Begriff des Lieblingsfilms die Freunde der bewegten Bilder. Menschen, die selbsternannte Filmprofis auf die Probe stellen wollen, fragen nach den ultimativen Top Five-Lieblingsfilmen. Es herrscht, pathetisch gesagt, ein ewiger Kampf um den besten Filmgeschmack, den es logischerweise nicht geben kann. Das Schlimmste, was passieren kann, ist, wenn zwei Menschen, die sich selbst als Cineasten bezeichnen, über Filme diskutieren. Einmal abgesehen davon, dass viele Filmfreunde auch im Internet ihre Leidenschaft durch entsprechende Usernames zum Ausdruck bringen, sollten sich viele davor hüten, sich auch in der Realität so zu nennen.

Begriffe, wie der des „Filmaddicts“, treffen die Gesinnung vieler Möchtegern-Cineasten viel besser. Hierbei handelt es sich um Personen, die im positiven Sinne vom Film abhängig sind. Das macht sich dadurch bemerkbar, dass ihre Wohnungen mit Filmplakaten abgedeckt sind, sie zu jeder Situation ein passendes Filmzitat hätten und Filme bis auf ihr Grundgerüst zerlegen und analysieren. Film ist die Freude etwas zu erleben, was man in der realen Welt nicht erleben kann. Aus einer Leidenschaft entsteht sehr oft auch der Wunsch, diese Leidenschaft zum Lebensinhalt zu machen, indem man versucht, sein Hobby, also quasi seine Droge, zum Beruf zu machen.

Seine eigenen Welten zu kreieren, in die man sein Publikum einladen kann und die die Möglichkeit zum Abschalten bieten. Menschen zu zeigen, welche Ideen man hat. Das ist der Motor, der jemanden antreibt, Filme zu produzieren.
Zugleich ist dieser Wunsch auch die Möglichkeit und die Überleitung zum Alltag, in den dieses Medium eingreift.
Für einen Menschen, der gerne ins Kino geht, allerdings ansonsten keine intensive Bindung zum Film hat, ist ein Kinobesuch eben nichts weiter als eine zweistündige Unterhaltung, nach der er wieder in die Realität zurückkehrt.

Für einen Cinephilen gehört allerdings mehr dazu. Es ist das Spektakel rund um das Kino, das Film so besonders macht. Es beginnt mit der Vorfreude, die durch einen Trailer entsteht. Die Information, die man sich im Vorfeld besorgt, ist ebenfalls Bestandteil der Faszination. Man verschlingt sämtliche Berichte und Kritiken zum bevorstehenden Film, um sich selbst ein möglichst genaues Bild und eine eigene Meinung bilden zu können. Der Alltag wird beherrscht vom Film. Kinomagazine wie RAY, SCHNITT, CINEMA und SKIP gelten für jeden Österreicher und Deutschen, der sich mit Film und Kino beschäftigt, als Pflichtlektüre in jedem Monat. Kaum ein Heft, das man nicht von der ersten bis zur letzten Seite durchliest und förmlich aufsaugt. Es ist eine Art Zwang, die Information zu bekommen.

Film hat auch ein journalistisches Element. Spezielle Genres wie das Drama, die Komödie und teilweise auch Horror- oder Thrillerfilme sind die Abbildung von Realität. Genau wie im Journalismus berichtet man als Filmemacher über die Realität (oder schafft sich seine eigene).
Hier liegt jedoch auch der Hauptunterschied zum Journalismus. Film ist immer eine subjektive Darstellung von subjektiven Ideen, während Journalismus objektiv darstellen sollte, wie die Realität wirklich ist.
Egal ob Cineast, Cinephile oder Buff (so der englische Ausdruck für einen Filmfreund): Jeder der sich mit dem Medium Film beschäftigt und zulässt, dass es in seinem Alltag eine wichtige Rolle einnimmt, wird erkennen, dass Film etwas Wunderbares ist, von dem man sich nur sehr schwer wieder trennen kann.

Film ist überall. Ob nun im Kino für einige Stunden, in Magazinen oder in Tageszeitungen, die über neue Filme berichten; im Fernsehen, das rund um die Uhr eine Vielzahl an Klassikern und anderen Movies zeigt, oder auf Plakaten, die kommende Blockbuster ankündigen.
Auch wenn es ein ewiger Kampf zwischen Filmbegeisterten ist, wenn es um den besten Filmgeschmack geht, so ist es doch immer wieder interessant, dass es Filme wie „Pulp Fiction“ gibt, die Kultstatus erreichen und damit von fast jedem akzeptiert und hochgelobt werden. Trotzdem ergibt sich für mich ein Problem, wenn Menschen sich anmuten, eine Liste mit den besten Filmen zu erstellen. Es entsteht dabei eine Problematik, die diesem Medium sehr schadet. Film und Kino sind etwas Vielschichtiges. Was dem einen gefällt, kann dem anderen absolut nicht zusagen. So kommt es sehr oft zu Missverständnissen, hervorgerufen durch Meinungsverschiedenheiten. Film kann nicht verallgemeinert werden. Er ist völlig subjektiv, und das zeigt auch ein weiteres Phänomen, das dieses Medium alljährlich in den Alltag der Weltöffentlichkeit bringt.

Die Oscarverleihung ist das Spektakel schlechthin, das Jahr für Jahr diese Theorie bestätigt. Der beste Film des Jahres wird gekürt und auch schauspielerische Leistungen werden ausgezeichnet. Eine Tour de Force für viele Cinephile oder Buffs, die dann regelmäßig ihren Glauben an den Geschmack von „Good old Hollywood“ verlieren, weil gerade ihr Favorit nicht gewonnen hat oder überhaupt nicht nominiert war.
Film spielt in meinem Alltag eine große Rolle. Nach mehreren Versuchen, selber als Regisseur oder Kameramann Filme zu produzieren, habe ich mich dazu entschlossen, auf die Seite der Gegner zu wechseln, die sich anmuten, ihre Meinung öffentlich kundzutun und für wichtig zu halten.

Film-Journalisten sind jene Sorte von Menschen, die im eigentlichen Sinne, wie vorhin schon erwähnt, die selbe Arbeit wie Filmschaffende verrichten, nämlich die Realität abzubilden und zu kommentieren. Trotzdem haben sie die Macht, Filme für die Öffentlichkeit schmackhaft zu machen oder aber auch ihren Untergang einzuleiten. Sie können mit ein Grund dafür sein, dass ein Film in den Charts floppt oder ganz nach oben kommt. Nur eines darf man nie vergessen: Niemals sollte Ignoranz den Alltag eines Filmaddicts vernebeln.

In letzter Zeit wurde ein Phänomen sehr populär, das den Film und seine Existenz sehr stark bedroht. Das Internet entwickelte sich in die falsche Richtung. Durch immer schnellere Verbindungen in Form von Breitbandzugängen wurde das Angebot illegaler Downloads um eine Vielzahl erhöht. Filme, die erst in einigen Wochen oder gar Monaten in den Kinos zu sehen sind und früher für große Vorfreude unter den Kinofans sorgten, sind heute in wenigen Stunden aus dem Internet erhältlich und in guter Qualität am heimischen PC anzusehen.

Auch viele Filmfreunde, die eigentlich gegen diese kriminellen Tätigkeiten sein sollten, sind dieser neuen Möglichkeit des Downloads von Filmen verfallen. Allerdings ist dies nur darauf zurückzuführen, dass ihr Wissensdurst und Drang nach Information immer größer wird. Einen Film vor allen anderen gesehen zu haben verleiht einem in gewisser Weise Macht. Man hat ein Urteil vor allen anderen und kann somit die Gedanken und Meinungen anderer beeinflussen und prägen.

Vielleicht ist es die Magie, die von diesem Phänomen ausgeht, die so viele Menschen fasziniert.
Böse Zungen behaupten, dass Filmfreunde realitätsfremd sind und keine Ahnung vom richtigen Leben haben. Sie würden in einer Traumwelt schweben, fernab vom Alltag.
Persönlich halte ich das natürlich für falsch.
Durch die Tatsache, dass man sich gerne in anderen Welten entführen lässt, bekommt man die Möglichkeit, die Realität aus einem komplett anderen Winkel zu betrachten. Sozusagen von außen, und das, obwohl man Bestandteil und Mitglied dieser Realität ist.
Die Vielfältigkeit dieses faszinierenden Mediums reicht eben tatsächlich von Leidenschaft bis Wissenschaft und umspannt damit den gesamten Alltag eines Menschen. Man muss diese Magie und ihre Wirkung nur zulassen!

made in turkey – Junge Österreicher aus der Türkei

2006-03-20T13:05:00.000-08:00

FH JOANNEUM und Verein JUKUS laden herzlich ein zur Präsentation des Dokumentarfilms made in turkey am Montag, dem 9. Jänner, um 17.30 Uhr in der FH JOANNEUM Graz.

Sie leben in Österreich, ihre Wurzeln sind allerdings in der Türkei: Filiz, Ramazan, Ömer, Vefa, Koza und Hülya. Manche von ihnen sind in Österreich geboren, andere wiederum erst vor einigen Jahren hierher gezogen.

In berührenden Interviews sprechen die sechs DarstellerInnen über ihr Leben zwischen Österreich und der Türkei. Sie erzählen, wie sie den Spagat zwischen türkischer Kultur im Elternhaus und österreichischem Leben in Ausbildung, Arbeit und Freizeit vollbringen. Heimat, Integration, Religion und der Unterschied zwischen Sohn und Tochter – das sind die Hauptthemen dieser Dokumentation.

made in turkey ist ein Dokumentarfilm des Studiengangs „Journalismus und Unternehmenskommunikation“ der FH JOANNEUM Graz und dem Verein JUKUS - Verein zur Förderung von Jugend, Kultur und Sport.
Initiiert wurde der Film vom Verein JUKUS, produziert von sieben Studierenden der FH JOANNEUM.

Der Film bietet subjektive Einblicke in das Leben von türkischen und kurdischen Jugendlichen der zweiten Generation in Graz. Er soll als Diskussionsgrundlage über Migration und Integration dienen, gleichsam über Menschen zwischen zwei Stühlen.

About

Die Idee zu der Dokumentation stammt vom Verein JUKUS. Der Verein arbeitet hauptsächlich mit türkischen und kurdischen Jugendlichen der zweiten Generation in Graz. „Das große Thema ist Integration“, erklärt Ali Özbas vom Verein JUKUS: „Von der Gesellschaft fühlen sie sich ausgeschlossen – von zwei eigentlich. Sie sind zu offen für die 'eigenen Reihen', von den Österreichern werden sie oft nicht ernst genommen“.

Die Gefühle und Gedanken der Jugendlichen sollten also bei dem Film im Mittelpunkt stehen.
Im Sommer 2004 gab es ein erstes Gespräch des Vereins mit den Studierenden, ein Team fand sich und die Produktion des Filmes konnte in zwei Lehrveranstaltungen eingebettet werden. Der technische Teil wurde im Rahmen der Veranstaltung „Multimedia Production“ bei Herbert Martinschitz und Werner Goger betreut, auch Josef Krainer stand dem Team mit Rat und Tat zur Seite. Die inhaltliche Supervision übernahm Karl Stocker im Rahmen der Lehrveranstaltung „Cultural Studies“.

Die erste Aufgabe bestand darin, Darsteller für die Dokumentation zu finden, besser gesagt Darstellerinnen. Oft begegneten uns Frauen und Mädchen, die eine Geschichte zu erzählen hatten, das aber unter keinen Umständen vor einer Kamera tun wollten – auch nicht hinter einer Schattenwand und mit verzerrter Stimme.

Schließlich konnte mit den sechs Jugendlichen Filiz, Ramazan, Ömer, Vefa, Koza und Hülya eine interessante Mischung aus Meinungen und Geschichten gefunden werden.

Die Darsteller

Etwa 230.000 Menschen leben in Graz. Ungefähr 1,2 Prozent von ihnen sind aus der Türkei nach Österreich gekommen.Sechs Jugendliche aus türkischen und kurdischen Familien sprechen über Graz, die Türkei und das Gefühl zu Hause zu sein.

Filiz Cetin wurde in Graz geboren . Ihr Vater ist Türke, die Mutter Österreicherin, die Eltern sind geschieden. Integration ist für Filiz Gleichheit.
„So gesehen, jeder Mensch ist verschieden und ob es jetzt Religion oder Aussehen oder einfach bestimmtes Handeln in bestimmten Situationen ist. Ich finde es einfach nur charakteristisch, solche Sachen formen einen Menschen und das sollte man einem Menschen nicht wegnehmen.“

Ramazan Yaylali stand während der Dreharbeiten kurz vor der Matura. Die erste Zeit in Österreich sehnte er sich zurück nach seinem Dorf in seinem Geburtsland.
„Sehnsucht ist nur, wenn zum Beispiel du dich dort, wo du lebst, allein fühlst. Und wenn du dich dort nicht allein fühlst, dann ist es kein fremdes Land mehr, sondern dann ist es deine Heimat.“

Ömer Calik ist mit Ramazan befreundet und verwandt. Er kam auf Anraten seines Bruders zum Studieren nach Österreich.
„Man integriert sich nicht 100-prozentig, das ist so. Ich habe mich zu 70 oder 80 Prozent integriert, das kann ich sagen, aber nicht ganz. Es ist so schwer.“

Vefa Kara wurde in der Nähe von Ankara geboren. Als kleines Kind kam er nach Österreich. Der 17-Jährige arbeitet in der Bäckerei seines Vaters. Religion und Tradition sind ihm wichtig. „Meine Frau soll halt nicht so offen sein, wie die anderen. Sie soll bevor sie mit mir zusammen ist nicht mit anderen geschlafen haben.“

Sami Olcay Koza ist mit Vefa befreundet. Er wurde in Österreich geboren.
„Ich bin da aufgewachsen, ich weiß, wie es ist. Ich habe mich immer anpassen können. Wenn du irgendwo neu dazu kommst kannst du dich nicht sofort anpassen. Wenn du noch nie Fussball gespielt hast und du kommst in eine Mannschaft kannst du auch nicht sofort Fussball spielen.“

Hülya Alban wurde ganz im Osten der Türkei geboren und kam mit 18 nach Österreich. Sie studiert Dolmetsch, gibt Türkischkurse und arbeitet auch als Dolmetscherin.
„Wenn ich auf der Straße bin und wenn zwei Menschen reden und lachen, dann denke ich mir auch irgendwie: 'Ja, jetzt bin ich in der Türkei'. So kurzfristig aber. Zehn Sekunden bin ich in der Türkei und dann wieder in Österreich.“

Weitere Informationen sind auf der Filmpage http://students.fh-joanneum.at/FogtAg/madeinturkey/ zu finden

Umgestiegen auf Ubuntu

2006-03-20T12:11:00.000-08:00

Yeah, I made it man!
Ich habe mich tatsächlich in das Land der unbekannten Betriebssysteme getraut und bin letzte Woche auf meinem alten Laptop von Windows auf Linux Ubuntu umgestiegen.
Tja, das hört sich zwar alles super an, das System läuft wie erwartet sehr stabil und es erkennt sogar meinen ipod mini als Festplatte. Eigentlich genau das, was ich wollte.
Jetzt sollte nur noch ein geeigneter Mediaplayer rauf. Also gleich mal auf die seite von vlc (www.videolan.org) gegangen und nach der geeigneten Version gesucht.
Naja, es gibt zwar eine Debian Version aber was um Gottes Willen soll ich denn da runterladen. Ich habe echt keine Ahnung und schon habe ich es zum ersten Mal bereut, dass ich umgestiegen bin.
Aber egal.
Immerhin habe ich jetzt Open Office und bin offiziell ein cooler Computer-Nutzer. Da kann ich mir doch schon mal was kaufen. Wenigstens kann ich jetzt Texte schreiben und Präsentationen gestalten ohne mit Bill Gates in Verbindung zu geraten.
Nun wollte ich also eines der Programme für den ipod installieren. Da gibt es gtkpod, yamipod etc. klingen alle super. Auch zum saugen geht alles gut. Aber jetzt beginnt die Sache mit dem Installieren. Ich habe es echt versucht leute, aber ich habs beim besten Willen nicht geschafft.
Jetzt bleibt echt nur mehr ein Experte, der mir Dinge wie den "berühmten 3-Satz" von dem ich noch nie was gehört habe und all die anderen Dinge die man beim Installieren auf Linux benötigt beibringt.

Aja, für diejenigen, die sich auch mal über Ubuntu informieren wollen hab ich hier ein paar nützliche Links, die mir allerdings nicht sehr viel gebracht haben:
http://coffeebreak.kulando.de/post/2006/01/11/ipod_unter_linux
http://mylinux.suzansworld.com/?p=40
http://wiki.ubuntuusers.de
http://www.ubuntu-forum.de/artikel/1600/Ubuntu-und-iPod.html

Die Revolution des Radios

2006-03-20T06:46:00.000-08:00

Die sinkenden Hörerzahlen am weltweiten Markt des terrestrischen Radios beweisen es: Der klassische Hörfunk ist out!
Kein Wunder, dass sowohl öffentlich-rechtliche, als auch private Rundfunkanstalten immer mehr auf ein zweites Standbein im Internet setzen. Doch was die Nutzer von heute wollen ist vor allem eines: Freiheit.
Die Web-Streams der Sender binden den Hörer einerseits zeitlich und anderseits örtlich, da man ohne Computer bekanntlich kaum ins Internet kommen kann und Streams keine Speichermöglichkeit bieten.
Ein neuer Trend aus den USA soll das nun ändern. Podcasting, ein Neologismus, gebildet aus Broadcasting, dem englischen Wort für Rundfunk, und iPod, dem trendigen MP3-Player des kalifornischen Computerriesen Apple, bezeichnet die Zukunft des Mediums Radio. Ähnlich dem Prinzip des Weblogs, können damit mittels modifizierter RSS-Feeds Sendungen automatisch gesucht, herunter geladen, gespeichert und Zeit versetzt gehört werden. Außerdem bietet Podcasting die revolutionäre Möglichkeit, selbst produzierte Casts über das Internet weltweit zu verbreiten.

Es war nur eine Frage der Zeit, bis sich das Medium Radio durch immer umfangreicher werdende technische Möglichkeiten selbstständig machen würde. Der Wunsch des Publikums nach neuen Inhalten war es schließlich, der im September 2004 zur Einführung einer völlig neuartigen Form von Radio führte.
Entwickelt hat das Podcasting Dave Winer, populär wurde es dann vor einem halben Jahr durch die Bereitstellung eines ersten Podcasting Clients durch den ehemaligen MTV-Moderator Adam Curry auf der Internetseite www.ipodder.org.

Vom Weblog zum Podcast

Schon seit einigen Jahren hat sich speziell in den USA und seit kurzem auch in Europa eine Weblog-Community gebildet. Gefürchtet von so manchen Journalisten wurden diese Foren mit der Zeit immer beliebter und machten dadurch den Onlineausgaben der Tageszeitungen große Konkurrenz. Nun wird die Blogger-Szene durch Radio begeisterte Podder erweitert. Mit speziellen RSS-Aggregatoren oder Podcasting Clients können RSS-Feeds - sie tragen solch klingende Namen wie Podcatcher oder iPodder - abonniert werden. Immer, wenn eine neue Sendung online gestellt wird, lädt die Software diese automatisch herunter.
Dass es sich bei Podcasting nicht nur um eine kurze Modeerscheinung handelt, beweisen die Userzahlen. Die meistgehörten Podcasts verzeichnen in den USA bereits bis zu 50.000 regelmäßige Hörer.

Vom Trend zum Massenphänomen

Wie bereits beim bekannten Weblog Blogger.com erhofft sich dessen Gründer Evan Williams nun auch mit seinem neuesten Unternehmen Odeo.com ähnlichen Erfolg.
Odeo vereint mit einer einfach zu bedienenden Web-Schnittstelle wesentliche Grundfunktionen der Podcasting-Technologie.
Die Odeo-Page bietet die Möglichkeit nach neuen Podcasts zu suchen, diese zu abonnieren und auch eigene Casts zu veröffentlichen. Neben der automatisierten Suche, die man von iPodder und Co. kennt, ermöglicht Odeo dagegen auch das Probehören von Sendungen und gibt damit "vorsichtigen" Poddern die Möglichkeit, unbekannte Shows zu testen.

Jeder wird zum Sender

Wer zu den Poddern oder Podcastern gehören will benötigt nicht sehr viel. Ein Computer mit Soundkarte und Mikrophon reicht bereits aus, um Shows und Sendungen zu produzieren.
Mit spezieller Software, die kostenlos erhältlich ist, werden aufgenommene Inhalte in das weltweit gängige Format MP3-Format konvertiert. Um die Aufnahmen senden und veröffentlichen zu können, benötigt man neben einem Breitband-Internetzugang und viel Platz auf einem Webserver vor allem eine der zirka zwanzig kostenlosen Podcasting Programme. Damit werden die Aufzeichnungen in RSS-Feeds integriert, die später von jedem User herunter geladen und abonniert werden können.
Rein technisch gesehen unterscheiden sich diese RSS-Feeds von jenen in Weblogs nur durch einen einzigen"tag". Dieser "enclosure tag" beinhaltet neben der Adresse der Datei auch Informationen über Länge und Format des Casts.

Von der Radioshow bis zum Audio-Tagebuch

Der Kreativität sind mit Podcasting keine Grenzen gesetzt. Während renommierte Sendeanstalten wie die BBC auf regelmäßige Radioshows setzen, gibt es weltweit unzählige Podcaster, welche die neue Technologie dazu nutzen, um ihre gelesenen Tagebücher, Liebesbriefe oder Gedichte einem weltweiten Publikum zur Verfügung zu stellen.
Neben Sprachkursen, Quizshows und Kino- oder Buchrezensionen nützen aber vor allem junge Musiker ohne Label Podcasting dazu, um ihre Werke zu promoten und zu publizieren. Hier ist vor allem der Schweizer Podcaster Starfrosch zu erwähnen, der jungen Musikern die Möglichkeit der Veröffentlichung bietet.
Wie immer, wenn es um das heikle Thema der Musikverbreitung über das Internet geht, hat sich die Gesellschaft zur Verwendung von Leistungsschutzrechten, GVL, eine Schwesterngesellschaft der GEMA, dazu entschlossen, ab April 2005 die Lizenzgebühren für kommerzielle und nicht-kommerzielle Online-Radios zu erhöhen.
Damit reagiert man auf die Möglichkeit der Speicherung von Tonträgern in MP3 Qualität, die sich durch Podcasting ergibt.

"Leere" Player und langweilige Radioshows sind "schuld"

Für die Einführung des Radio-on-demand, wie man Podcasting auch nennen kann, waren vor allem zwei Umstände maßgeblich verantwortlich.
So sieht es zumindest Adam Curry, Mitentwickler der Podcasting-Technologie.
Millionen von MP3-Player haben Gigabytes an leerem Speicherplatz, der mit den zahlreichen Casts, die im Durchschnitt etwa 40 Megabyte groß sind, gefüllt werden kann.
Die eigentliche "Schuld" an der zukünftigen Entmachtung der Radiostationen tragen jedoch diese selbst, setzen sie doch statt einer beinahe unendlich und facettenreichen Reihe verschiedener Musiktitel und Genres lediglich auf eine knapp bemessene Auswahl von wenigen hundert Songs, die in hot rotation zu Tode gespielt werden.
Die Eintönigkeit und teilweise totale Humorlosigkeit der Moderatoren hat den selbst ehemals bei MTV tätigen Curry dazu getrieben, etwas zu unternehmen.

Attraktiver Werbemarkt

Was beim Fernsehen durch Digital TV und PVR (Personal Video Recorder) bereits seit langem gang und gäbe ist, könnte nun auch auf das Radio anwendbar werden.
Durch die Möglichkeit, weltweit aber auch regional fokussiert zu senden, eröffnen sich auch für den Werbemarkt auf diesem Gebiet neue Tore. Mit über 90 Prozent US-Marktanteil und mehreren Millionen verkauften Exemplaren beweist der trendige MP3-Player iPod von Apple, dass die Infrastruktur für das Podcasting gegeben ist und, dass es auch Kundenpotenzial für den Werbemarkt gibt.
Vor allem die Chancen auf eine Erhöhung der Einnahmen durch Internetwerbung und die Nähe zum Kunden machen Podcasting zu einem attraktiven Werbemarkt der Zukunft.

Die deutschen Podcaster

Mit kurzer Verzögerung hält Podcasting seit Beginn 2005 auch in Deutschland Einzug und es verbreitet sich wie ein Lauffeuer. So hat sich beispielsweise die Hörerschaft von Thomas Wanhoffs unterhaltsame Sendung "Wanhoffs Wunderbare Welt der Wissenschaft" in den letzten Monaten versechsfacht. Pro veröffentlichter Aufzeichnung verzeichnet der 38-jährige Podcaster der ersten Stunde nun bereits zirka 800 Downloads. Wanhoff ist von den Möglichkeiten, die sich durch Podcasting überzeugt und meint, mit dieser neuen Form von Radio könne man "das demokratische Potenzial des Internets" endlich nützen.

Can U hear me?

2006-03-20T06:41:00.000-08:00

Als ich bei Cinema im September 2005 gearbeitet hab, wurde ich damit beauftragt eine wöchentliche Besprechung von Fimen in Form eines mp3 files zu kreieren.
Insgesamt sind so zwei oder drei primitive Vorgänger von Podcasts entstanden. Einer davon ist immer noch online und unter http://cinema.msn.de/news/detail/?id=3248 zu finden.
Mittlweile macht den Podcast Oliver Kalkofe und ich muss sagen, dass er das wirklich gut macht!

James Dean im Portrait

2006-03-20T06:38:00.000-08:00

Mit nur drei Filmen wurde James Dean zur Hollywood-Ikone einer ganzen Generation. Ein Unfall mit seinem Sportwagen beendete seine Karriere, noch bevor sie richtig begonnen hatte.

Auch fünfzig Jahre nach seinem Unfalltod gilt James Dean immer noch als das größte Jugendidol aller Zeiten. Am 30. September 1955 wurde die kurze Karriere des legendären Schauspielers mit einem Unfall unvorhergesehen früh beendet. Auf dem Weg zu einem Autorennen in Salinas prallte Dean mit seinem "Little Bastard" genannten Porsche 550 Spyder gegen den Ford eines 23-jährigen Studenten und war auf der Stelle tot. Heute erinnert ein Schild mit der Aufschrift "James Dean Memorial Junction" daran, dass an dieser Kreuzung ein Welt-Star tödlich verunglückte.

Geboren wurde James Byron Dean am 8. Februrar 1931 in der kleinen Industriestadt Marion im US-Bundesstaat Indiana. Nach dem frühen Krebstod seiner Mutter verbrachte er seine Jugend bei seiner Tante auf einer Farm in Fairmount. Bereits als Schüler erkannte "Jimmy" seine Leidenschaft für die Kunst, das Theater aber auch für Autorennen. Nachdem Dean zunächst Jura studiert hatte, entschied er sich schließlich ganz für die Schauspielerei und wurde am renommierten New Yorker Actors Studio von Lee Strasberg aufgenommen. Nach seiner ersten Hauptrolle in der Broadway-Aufführung "Der Unmoralische" zog es den jungen Schauspieler schließlich nach Hollywood, wo er vor seinem Aufstieg zum Star in vier kleineren Produktionen in Nebenrollen zu sehen war.

In der Traumfabrik schaffte es der ewige Rebell mit nur drei Kinofilmen Weltruhm zu erreichen und in die Geschichte Hollywoods einzugehen. Elia Kazans Steinbeck-Verfilmung "Jenseits von Eden" machte ihn über Nacht berühmt. Dean spielte Cal, den unverstandenen von zwei Söhnen, der um die Liebe seines strengen Vaters ringt. Die Kritiker schwärmten von einem "neuen Brando" und schrieben dem Newcomer eine ungeheure körperliche Leinwand-Präsenz zu. Auch die Academy war von seiner Leistung in Kazans Werk beeindruckt und nominierte ihn 1956 posthum für den Oscar als bester Hauptdarsteller.

In seinem zweiten und zugleich berühmtesten Film "Denn sie wissen nicht, was sie tun" verkörperte er ein weiteres Mal den verletzlichen Außenseiter. Als Jim, der Junge aus gutem Hause, der gegen sein angepasstes Elternhaus rebelliert, prägte James Dean endgültig den Lebensstil einer ganzen Generation. Der Film startete nur wenige Wochen nach dem Tod des Stars und gilt bis heute als das beste Werk in Deans kurzer Karriere.

Nur ein Monat vor seinem tragischen Autounfall waren die Dreharbeiten zur texanischen Saga "Giganten", mit Liz Taylor und Rock Hudson, beendet worden. Seine Darstellung des Cowboy und späteren Öl-Tycoon Jett Rink führte 1957 zu einer weiteren Oscar-Nominierung. Dass der verführerische Jungspund mit den blonden Haaren, der Zigarette im Mundwinkel und dem leicht trotzigen Blick ins Leere, selbst bei Hollywood-Diva Liz Taylor einen bleibenden Eindruck hinterlassen hatte, zeigt ihre Aussage, wonach sie sich für Dean sogar scheiden ließe.

James "Jimmy" Dean war trotz dicker Brillengläser und Zahnprothese nicht nur auf der Leinwand, sondern auch im wahren Leben ein verführerischer Rebell und Frauenheld. Zu Dreharbeiten und Interviews kam er chronisch zu spät, hatte schlechte Manieren und trotzdem wurden ihm Affären mit Schönheiten wie Ursula Andress und Pier Angeli nachgesagt. Trotz, oder gerade wegen seiner aufregenden Lebensweise und der legendären Vorstellung, die er dem Publikum während seiner kurzen Karriere geboten hat, ging James Dean als Jugend-Ikone in die Filmgeschichte ein. Und vielleicht hatte Humphrey Bogart mit seinem schwarzen Humor Recht, dass Dean "genau zum richtigen Zeitpunkt starb". Hätte er nämlich länger gelebt, wäre er nie seinem Ruf als Legende gerecht geworden, sinnierte der "Casablanca"-Star nach dem Tod des größten Hollywood-Rebellen aller Zeiten.

Ein Text von mir für Cinema

Weitere Portraits von mir für Cinema sind hier zu finden:
Sharon Stone: http://cinema.msn.de/stars_glamour/abisz?id=1704
Bill Murray: http://cinema.msn.de/stars_glamour/abisz?id=3323

Geniale Filmkritik zu einem genialen Film

2006-03-20T05:40:00.000-08:00

DEFINITION VON FILMKUNST

In the Mood for Love – das ist Zelebrierung kinematografischer Grundregeln, die Reduktion auf das Wesentliche visueller Erzählkunst. Kaum eine Einstellung geschieht grundlos, die Bilder erzählen die Geschichte, kommentieren sie, spiegeln Emotionen der Figuren.

Mit seinem visuellen Meisterwerk In the Mood for Love zelebriert Hongkong-Star-Regisseur Wong Kar-wai kinematografische Grundregeln.
Im Mittelpunkt der Liebesgeschichte stehen zwei geschundene Seelen im Hongkong der 60er Jahre. Beide erleben Einsamkeit und Treulosigkeit in ihren Partnerschaften und finden durch einen gemeinsamen Schmerz zueinander. Dabei kann ihre Beziehung nur in einem engen Korsett gesellschaftlich-moralischer Konventionen entstehen. Sie muss sich innerhalb dieser Grenzen langsamer entwickeln, folgt bald eigenen Regeln und findet schließlich zu einer eigenen Sprache. Zum Beispiel durch ein bizarres Rollenspiel, in dem sich die Betrogenen gegenseitig den treulosen Ehepartnern ersetzen, aber ohne sich des wirklichen Ehebruchs schuldig zu machen.

Wong Kar-wai findet für dieses ungewöhnliche Miteinander den entsprechenden ästhetischen Rahmen. Als tragend für die Handlung erweisen sich hier die scheuen Blicke und kleinen Gesten,
nicht aber große Worte und Taten. Und wenn die Kamera ein Bild einfriert, möchte man meinen, dass der Regisseur dem Erzählen eine Absage erteilen will: Die Kamera ist Spiegel eines unveränderbaren Status quo. Überhaupt entspricht das Erzähltempo der Zaghaftigkeit, mit der die beiden Menschen aufeinander zugehen, um schließlich ein Gefühl der Liebe füreinander aufbringen zu können. Die Zeitlupe, in der sie sich treffen und wieder voneinander entfernen, wird so zur Metapher für das selbstauferlegte Verbot zu handeln: Veränderungen sind rein emotionaler Natur und deshalb lässt Wong Kar-wai nicht die Menschen sondern seine betörenden Bilder sprechen.

In the Mood for Love. HK 2000. R,B: Wong Kar-wai. K: Christopher Doyle, Li Ping-bing. S,P: William Chang. M: Mike Galasso. D: Maggie Cheung. Tony Leung, Chiu Wai, Lai Chen, Rebecca Pan, Paulyn Sun u.a. 97 Min. Prokino ab 30.11.00

Quelle: Schnitt Filmmagazin

Interview mit Andreas Ungerböck vom Filmmagazin Ray

2006-03-20T05:13:00.000-08:00

"Jeder träumt von der eigenen Zeitschrift"

Wenn der Verlag eines Magazins in Konkurs geht, dann heißt das noch lange nicht, dass auch das Magazin ein Ende haben muss. Besonders am unabhängigen österreichischen Printmedien-Markt besteht zumeist eine sehr starke Bindung zwischen Journalisten und dem von ihnen hergestellten Heft. Immerhin will man etwas, bei dessen Entwicklung man von Beginn an dabei war, nicht so schnell aufgeben.
Wie stark eine solche Bindung sein kann, lässt sich anhand der monatlich erscheinenden Filmzeitschrift ray erkennen, der durch den Konkurs des PVS Verlags ebenfalls das Ende gedroht hatte. Weil Grafiker und Redakteure ihr ray allerdings nicht aufgeben wollten, entschied sich der ehemalige Chefredakteur und nunmehrige Herausgeber Andreas Ungerböck, gemeinsam mit seinen Kollegen einen eigenen Verlag zu gründen und das Heft damit zu retten. Die Gründung von substance media ltd. wurde zugleich als Chance genutzt, das Magazin einem radikalen Relaunch zu unterziehen, der das Produkt rein optisch gesehen wesentlich moderner wirken lässt.
Inhaltlich hat sich im neuen ray allerdings nicht viel geändert. Immer noch setzt man auf ungewöhnliche Themenzugänge und gute recherchierte Texte, wie man sie sonst in kaum einem deutschsprachigen Special-Interest-Magazin aus dem Bereich Film und Kino kennt. Weil eine Fokussierung auf ein einziges Thema, nämlich den Film, langfristig nicht funktionieren wird, überlegen die Macher des Heftes, dass in Zukunft auch andere Themen wie bildende Kunst und andere Kulturbereiche eine steigende Bedeutung bekommen sollen. Das Filmmagazin mit dem etwas ungewöhnlichen Titel erschien zum ersten Mal im April 2001 und konnte sich seither einen Namen unter den unabhängigen österreichischen Magazinen verschaffen. Wie sich ray über die Jahre hinweg entwickelt hat, warum es zum Relaunch gekommen ist und wie die Zukunft aussieht, darüber hat Norbert Hillinger mit ray-Gründungsmitglied und Herausgeber Andreas Ungerböck gesprochen.

Interview mit Herausgeber Andreas Ungerböck

Seit Anfang Dezember ist ray in einem neuen Layout auf dem Markt. Wie sind Sie mit dem Produkt zufrieden? Gibt es bereits erste Rückmeldungen?

Ungerböck: Die Reaktionen sind sehr positiv, nicht nur von Lesern, sondern von überall, wo man fragt und was man so zugetragen bekommt. Auch im „Falter“ erschien eine sehr positive Rezension, was für uns sehr wichtig ist. In Buchhandlungen sind wir ausverkauft und es muss ständig nachbestellt werden. Außerdem gibt es viele neue Abonnenten.

Sind das Erst-Abos?

Ungerböck: Ja, hauptsächlich, aber auch Verlängerungen.
Im Editorial der neuen Ausgabe gibt es einen Absatz, in dem steht: „Viel ist geschehen, was Sie gar nicht wissen wollen.“ Ich nehme an, Sie sprechen damit den Konkurs des [PVS Verlags]? an.

Warum ist es eigentlich dazu gekommen?

Ungerböck: Nun, das ist ein großes Rätsel. Es hat sich bereits länger abgezeichnet aber warum es dann im September so radikal und vor allem so schnell geendet ist, weiß ich nicht. Ob der Ex-Herausgeber (Anm.: Franz Marksteiner) es schon vorher gewusst hat, ist mir nicht bekannt. Verraten hat er es uns auf jeden Fall nicht. Es war wohl so, dass die Druckerei aufgrund ausstehender Zahlungen nicht mehr gedruckt hat. 2001, bei der Gründung von ray, war es von den Inseraten her einige Zeit sehr düster. Dann kam der 11. September, der angeblich einen weiteren Einbruch bei den Inseraten mit sich brachte. Es war zwar sehr anständig, aber vielleicht nicht klug, schon von Anfang an Honorare zu zahlen. Aus all diesen Gründen hat sich ein Schuldenberg aufgetürmt, den man nicht mehr abbauen konnte. Die letzten Monate vor dem Konkurs waren eigentlich alle positiv bilanziert. Es scheint also eindeutig an den Altlasten gelegen zu sein.

Sie haben, gemeinsam mit den Grafikern und den Redakteuren das Magazin aus der Konkursmasse gekauft. Die Chancen für ein österreichisches Filmmagazin stehen nicht gerade rosig. Es gibt eine starke Dominanz der Gratis-Magazine Skip und M-Magazine, deutsche Magazine sind in Österreich viel verbreitet und außerdem ist da noch das zweite österreichische, kostenpflichtige Filmmagazin Celluloid. Warum haben Sie substance media ltd. gegründet und ray übernommen und wie schätzen Sie ihre Ausgangs-Lage ein?

Ungerböck: Das ray-Team besteht zu einem großen Teil aus Mitgliedern, die schon sehr lange dabei sind. Wir haben alle immer gefunden, dass es ein gutes Heft ist und, dass es schade wäre, dieses aufzugeben. Vor allem deswegen, weil die Reaktionen immer sehr gut waren. In der österreichischen Filmbranche ist man zwar eher zurückhaltend, wenn es um Aufmunterung geht, aber die Reaktionen waren immer gut. Jeder akzeptiert das Heft und freut sich darüber, vor allem wenn er nichts dafür bezahlen muss, aber der enthusiastische Support hat immer gefehlt.

War der Relaunch schon länger geplant oder war der Konkurs von PVS und die darauf folgende Gründung von substance media der ausschlaggebende Grund für den Relaunch des Hefts?

Ungerböck: Nein, es war kein Relaunch geplant. Der Konkurs kam eher überraschend und sehr plötzlich, sodass wir nicht vorausplanen konnten. Als der Masseverwalter den Verlag übernommen hatte, erschien noch die Oktober-Nummer und dann war Schluss und es war klar, es wird kein ray mehr geben. Zumindest nicht in der bisherigen Form. Es gab auch Gerüchte über Angebote von Großverlagen aber ich habe das nie so richtig geglaubt und letztendlich stellten sich diese Gerüchte auch als falsch heraus. Wenn das Heft weiter existieren sollte, dann mussten wir es übernehmen und wenn man diesen Schritt macht, dann muss das Magazin auch von Grund auf überarbeiten. Ich bin froh, dass wir die Chance bekommen haben, den Relaunch zu unternehmen. Das Heft hätte sowieso in nächster Zeit einmal überarbeitet gehört. Das inhaltliche Konzept hat sich nicht sehr stark geändert. Es war mehr ein optischer Relaunch.

Das neue ray sieht aus wie ein Special-Interest Magazin aus dem Bereich bildende Kunst.

Ungerböck: Special-Interest war ray schon immer. Unser Fokus lag immer schon auf Film und Kino. Ich persönlich bin eher unbedarft, was den internationalen Magzin-Markt anbelangt. Die Grafiker beobachten natürlich, was sich so tut. Klar war, dass sich eine Zeitschrift, die vier Jahre lang in mehr oder weniger demselben Outfit erscheint, verändern muss. Was mir in letzter Zeit auffällt, wenn ich im Zeitschriftenhandel Magazine betrachte, ist der Trend zum eher nüchternen Design, mit viel Weißflächen und opulenten Bildern.

Gibt es eigentlich ein Vorbild für das neue Layout von ray?

Ungerböck: Für mich gar nicht. Es ist viel geschrieben und spekuliert worden. Wir wurden mit Zeitschriften wie The Gap, Fleisch, Neon oder Brand Eins verglichen aber wie gesagt: Ein wirkliches Vorbild hat es nicht gegeben. Unsere Grafiker hüllen sich jedenfalls in Schweigen.

Verständlich, immerhin will man ja einzigartig sein?

Ungerböck: Stimmt. Wahrscheinlich ist es ein Mix aus Ideen gewesen. Damals als wir angefangen haben, da waren unsere Vorbilder Magazine wie Film Comment oder Sight and Sound. Das sind Filmzeitschriften, die man eher der traditionellen Form zuordnen kann. Aber auch bei diesen beiden Magazinen war es eher der Inhalt und weniger die Optik, der für uns ein Vorbild darstellte. Das Aussehen von heutigen Magazinen ist sicherlich eine Mode-Erscheinung, die sich in wenigen Jahren wieder ändern wird. Das alte Heft war sicherlich am Schluss ein wenig… (denkt kurz nach) degeneriert. Es war voll geschrieben von oben bis unten, was vor allem auf die damals schwächere Position der Grafiker zurückzuführen ist. Irgendwann hätte man die Notbremse ziehen müssen. Es war einfach nicht mehr schön. Das kam nicht davon, dass die Grafiker schlechte Arbeit leisteten, sondern das ergab sich so über die Jahre und die Neugründung war die Gelegenheit, hier einzuschreiten. Heute sind die Grafiker in die Firma miteingebunden und haben ein deutlich größeres Mitspracherecht bei der Gestaltung des Hefts.

Wie viele Personen sind bei ray beteiligt?

Ungerböck: Wir haben zwei Grafiker, Mario Groschner und Mitko Javritchev, wobei Letzterer zugleich zweiter Herausgeber ist. Die Kern-Redaktion ist ebenfalls sehr klein. Nachdem Gunnar Landsgesell bei uns aufgehört hat, sind nur mehr drei bzw mit mir vier Leute in der Redaktion (Anm.:Roman Scheiber, Michael Pekler und Jörg Schiffauer).

Und wie sieht es mit freien Mitarbeitern aus?

Ungerböck: Ich habe versucht einmal zu zählen, wie viele Leute schon einmal für ray als Autoren, freie Mitarbeiter oder als Redakteur gearbeitet haben und bin auf etwa 150 gekommen. Eine Bindung an das Magazin kommt so nie zustande, aber es war leider aufgrund der Zahlungsschwierigkeiten ein Problem, die Mitarbeiter an das Unternehmen zu binden und so haben manche nach ein paar Beiträgen wieder aufgehört zu schreiben, weil sie zu lange auf ihr Geld warten mussten. Das ist verständlich. Immerhin wurde Geld versprochen, das dann lange Zeit oder gar nicht ausbezahlt wurde.

Worauf wird in Zukunft bei ray der inhaltliche Fokus gelegt werden? In einer Aussendung der APA war zu lesen, dass Roman Scheiber, einer der Redakteure, sich auch vorstellen könnte, dass es in Richtung Kunst und Kultur gehen wird. Stimmt das?

Ungerböck: Mit Film allein geht es auf lange Sicht sicherlich nicht. Es gehen zwar viele Leute ins Kino, aber bedeutend weniger lesen auch darüber. Und wenn sie lesen, dann tun sie das im Internet oder fünf Minuten vor Filmbeginn im Kino, wo Skip aufliegt. Eine richtige Auseinandersetzung mit dem Thema Film stellt für viele ein Zeitproblem dar. Trotz alledem wir das Hauptmerkmal in ray immer der Film sein, wenn auch mit offeneren Grenzen. Es geht natürlich nicht, plötzlich Ausstellungskritiken oder Bücherstrecken in das Heft aufzunehmen. Es sollte, wenn möglich, immer ein gewisser Filmbezug dabei sein. Bereits beim alten ray haben wir manchmal versucht, filmische Themen mit einem künstlerischen Aspekt aufzuarbeiten. Ein richtiges Kulturmagazin ohne Hauptschwerpunkt Film wird ray aber trotzdem nie werden. Das kann ich mir momentan nicht vorstellen. Das liegt auch daran, dass wir alle vom Filmjournalismus kommen.

Der PVS Verlag war sehr lose aufgebaut. Die Redaktion, wenn man von einer Hauptredaktion sprechen konnte, war sehr lose organisiert. Gab es durch den Wechsel des Verlags auch Änderungen diesbezüglich?

Ungerböck: Es gibt jetzt mehr Zusammenkünfte und wir sehen uns öfter als früher. Ein Büro hatten wir immer schon, aber da waren wir eher selten. Wir sind jetzt mehr in der Redaktion, und es ist alles viel zentraler geworden. Der Großteil der Arbeit wird aber immer noch von zu hause aus erledigt.

Was ist Ihrer Meinung nach das Besondere am neuen ray?

Ungerböck: (denkt nach) Das Besondere ist auf jeden Fall das grafische Konzept. Ohne arrogant klingen zu wollen, muss ich sagen, dass ich kein Magazin in Österreich kenne, das sich mit uns messen kann und das von sich aus so schön aussieht. Das zweite zentrale Merkmal, das uns zu etwas Besonderem macht, ist Kompetenz. Wir sind alle bereits ewig lang im Filmbereich tätig und haben dementsprechend hohes Wissen auf diesem Gebiet. Weiters zeichnen wir uns durch unsere Unabhängigkeit aus. Wir leben natürlich von Inseraten, aber es würde bei uns nie vorkommen, dass wir einen Film nur deswegen „schön schreiben“ weil wir ein Inserat dafür bekommen haben. Das ist im alten Heft manchmal passiert, sollte aber beim Neuen nicht mehr vorkommen. Die Anzeigenkunden akzeptieren das.

In der allerersten Ausgabe von ray gab es einen Artikel mit dem Titel „Who the f*** is ray?“. Würde es heute noch mal so einen Artikel geben, was würde darin stehen?

Ungerböck: Das war damals mehr ein Spaß. „ray“ ist vor allem eines: Es ist der Lichtstrahl im Kino (ray = Strahl). ray als Zeitschrift beleuchtet aktuelle und historische Hintergründe und Zusammenhänge, vor allem solche, die nicht immer leicht zu durchschauen sind.

Gibt es einen typischen ray-Artikel?

Ungerböck: (denkt nach) Ja, den gibt es. Einen neuen typischen ray-Artikel konnte man in der Februar-Ausgabe lesen. Ang Lees „Brokeback Mountain“ war dabei der zentrale Film des Hefts, der aus verschiedenen Blickwinkeln beleuchtet wurde. Recherche spielt bei ray eine übergeordnete Rolle. Auch in der Dezember-Ausgabe war ein typischer ray-Artikel zu finden. Nach gründlicher Vorbereitung ist ein Bericht über Paranoia im aktuellen Hollywood-Kino entstanden. Es ist uns wichtig, dem Leser Zusammenhänge sichtbar zu machen und ihm Berichte zu bieten, die er nicht im Internet findet. Das Abfeiern einzelner Filme ist heutzutage nicht mehr zeitgemäß.

Sie haben das Thema Internet angesprochen. Auch der Online-Auftritt von ray präsentiert sich in einem neuen Gewand. Sie stellen eine Übersicht über den gesamten Inhalt der Print-Ausgabe, allerdings nur ausgewählte Artikel zur Verfügung. Ist das Internet also nur eine Art Teaser für das Heft?

Ungerböck: Ich sehe die Site als Unterstützung für das Heft. Eine Ergänzung haben wir früher versucht. Wir haben damals die Dinge, die wir nicht in der Print-Ausgabe untergebracht haben, online zur Verfügung zu stellen. Das ist allerdings nicht sehr gut gelaufen. Jetzt geht es eigentlich in die andere Richtung. Wenn man über die Internetseite „stolpert“, bekommt man einen Eindruck vom Heft und wird neugierig. Deswegen sind nur ausgewählte Artikel online, was auch international üblich ist. Das Heft wird also online promotet.

Wer ist für den Inhalt im Internet zuständig?

Ungerböck: Vorläufig macht das die Print-Redaktion mit. Natürlich kann man den Online-Auftritt in alle Richtungen ausbauen, aber dazu ist es noch ein wenig zu früh. Mit dem vorhandenen Personal ist dieser Schritt derzeit aus rein organisatorischen und finanziellen Gründen nicht möglich. An Texten mangelt es mit Sicherheit nicht. Jeder unserer Mitarbeitet hat eine Unzahl an unveröffentlichtem Content. Eine Wunschvorstellung von mir wäre eine deutschsprachige Filmdatenbank nach dem Vorbild „Senses of Cinema“, einer Art alternativer Internet Movie Data Base. Dabei taucht natürlich unausweichlich die Frage nach den Kosten auf, an denen es mit Sicherheit scheitern würde.

Und wenn man die Kosten teilweise auch über Einnahmen aus zu bezahlenden Texten auf der Website von ray einholt?

Ungerböck: Wir haben über die Möglichkeit der Einnahmequelle Internet mit einigen Leuten gesprochen, aber wir denken, dass diese Maßnahme schwierig bis unmachbar ist, zumal es mit den Seiten von Skip und Cineplexx bereits zwei österreichische Filmportale gibt. Noch eine Filmstartliste zu veröffentlichen wäre also nicht wirklich interessant. Die einzige Möglichkeit, das Internet als zusätzliche Einnahmequelle zu nutzen, wäre, Anzeigenkunden, die im Heft inserieren auch einen Banner oder sonstige online Werbeflächen auf der Internetseite zu verkaufen. Es darf nur nicht passieren, dass die Fläche als „Müllplatz“ vergeudet wird.

"ray" war von Anfang an ein Independent Magazin. Ist das Magazin auch heute noch abseits des Mainstream positioniert?

Ungerböck: Auf jeden Fall.

Aber ergeben sich dadurch nicht noch größere finanzielle Schwierigkeiten?

Ungerböck: Man kann nicht sagen, dass ray finanziell unabhängig ist. Wir leben hauptsächlich von den Film-Inseraten und wenn diese Einkommensquelle für einige Monate einbricht, werden wir ein Problem haben, wie man das ja bereits beim alten ray gesehen hat. Im Moment bin ich allerdings optimistisch. Es werben auch andere Unternehmen, die nicht mit Film in Verbindung stehen. So hatten wir in Dezember-Ausgabe auch Inserate von Mobilkom oder T-Mobile. Ich hoffe, dass bleibt auch weiterhin der Fall, weil die Filmbranche wird in Zukunft nicht allein als Werbekunde ausreichen. Abgesehen von den Inseraten sind wir „independent“. Presseförderung bekommen wir nicht und was die öffentlichen Förderungen anbelangt, weiß ich noch nichts Genaues. Was auf jeden Fall feststeht ist, dass wir inhaltlich unabhängig sind.

Warum sind Sie 2001 als Chefredakteur bei ray eingestiegen?

Ungerböck: Ich kannte die PVS Verleger schon lange, und wir haben auch das Konzept miteinander entwickelt. Die Idee fand ich einfach gut. Jeder träumt von der eigenen Zeitschrift.

Nach dem Motto „Bürgerjournalismus“. Ich mache mir mein eigenes Magazin, weil es das noch nicht gibt.

Ungerböck: Sicher, und vor allem glaubt man ja immer, dass man es selbst am besten kann. Das haben wir zumindest damals geglaubt. Geld gab es am Anfang auch. Es lief im Grunde alles wie geplant. Es gab eine ziemlich lange Vorbereitungszeit. Dass die Theorie in der Praxis nicht so aussieht, ist auch klar. Darüber hilft einem aber der anfängliche Enthusiasmus hinweg. Der Wirtschaftsberater war guter Dinge, und von daher war die Idee sehr reizvoll.

Wie lang hat es von der Idee bis zur Umsetzung gedauert?

Ungerböck: Vom Konzept bis zum ersten Heft ist ein halbes Jahr vergangen. Ende Sommer 2000 war die Idee da, und im April 2001 ist die erste Ausgabe in die Läden gekommen.

Und wie viel damals die Resonanz auf die Idee aus? Wie konnte man Mitarbeiter gewinnen?

Ungerböck: Damals war das kein Problem, weil bezahlt wurde. Jeder war optimistisch gestimmt und so war es kein Problem, Leute zu gewinnen. Jeder war Feuer und Flamme für das neue Filmmagazin.

Aus welcher Branche sind die Mitarbeiter gekommen?

Ungerböck: Die meisten hatten ein zweites Standbein. Das ist auch jetzt noch so. Von ray konnte man damals nicht leben, und auch heute benötigt man eine zweite Einnahmequelle. Im Moment arbeiten die Redakteure und Autoren nämlich gratis, was aber kein Dauerzustand sein soll. Ich finde, dass für Arbeit auch bezahlt werden soll. Diese Selbstausbeutung kann man eine Zeit lang betreiben aber ich denke, dass das längerfristig zu Frust führen würde, wenn man für seine Arbeit nichts verdient.

Wie ist damals eigentlich das Anzeigenkundennetz gesponnen worden? Inwieweit spielte die Erfahrung von PVS eine Rolle?

Ungerböck: Das weiß ich nicht. Ich war damals nicht so sehr in das wirtschaftliche Konzept involviert, was ich heute bedauere. Vor allem Franz Marksteiner war damals für diese Dinge zuständig und hat sich voll auf das wirtschaftliche Konzept von ray konzentriert. Dass es sich bei diesem Prozess um etwas handelt, was nicht von heute auf morgen passiert, ist glaube ich jedem klar.

Hat es 2001 eine Nullnummer von ray gegeben?

Ungerböck: Ja, hat es gegeben (lacht) Die kann ich mir heute aber nicht mehr anschauen. Das kann man ungefähr mit Hosen aus den 70er Jahren vergleichen. Wenn man die heute sieht, kann man es fast nicht mehr glauben, dass man die selber mal getragen hat. Man erkennt bereits in dieser Nullnummer Grundzüge, die sich bis heute durchziehen, aber vom Aussehen her ist es aus heutiger Sicht schlimm. Die Reaktionen von damals könnte man als „höfliches Interesse“ bezeichnen. Aber rein optisch, glaube ich, hat es niemandem so richtig gefallen. Wir haben das Magazin damals stolz bei der Diagonale präsentiert aber so eine richtige Euphorie ist nicht ausgebrochen.

Haben Sie denn wenigstens bei der ersten Ausgabe, die dann in die Läden gegangen ist, das verwirklichen können, was Sie sich gewünscht haben?

Ungerböck: Ja, zum damaligen Wissenstand war ich schon zufrieden. Es ist klar, dass man vier Jahre später anders darüber denkt, aber damals hat mir das Heft wirklich gut gefallen. Und ray ist 2001 ja an sich gut gestartet. Ich denke, wir hatten damals den richtigen Film-Mix und gute Interviews mit den Stars. Es gab halt Kinderkrankheiten aber das ist so bei der Neugründung eines Magazins. Auch jetzt, bei der neuen Ausgabe gibt es wieder Dinge, die man gerne ein wenig anders hätte. Aber das kommt daher, dass einiges im Konzept anders aussieht als dann in der Realität.

Es wird also eine Nachjustierung geben?

Ungerböck: Ja, minimal, aber doch. Dabei geht es aber um kleine Dinge wie, dass man in größere Fotos keine Schrift hineinsetzt. Das schaut im Konzept zwar schön aus, aber wenn man das Heft in Händen hält, wirkt es gleich nicht mehr so gut. Die Nachjustierung wird aber heute, im Vergleich zu 2001, wesentlich milder ausfallen. Damals war viel Arbeit von der ersten zur zweiten Ausgabe und sogar noch weiter nötig.

Also ein ewiger, schleichender Relaunch…

Ungerböck: Ja, so könnte man es nennen. Ein ewiger Relaunch, aber leider nicht unbedingt zum Besseren. Diese Umstände schaden ja auch sehr stark der Identitätsbildung eines Magazins. Allein wenn man sich die Covers im Laufe der Jahre ansieht, merkt man die Veränderungen bei ray sehr stark. Mit einem klaren Konzept hätte das ganz anders ausgesehen. Im Großen und Ganzen waren die ersten Hefte für die damalige Zeit aber schon ganz OK.

Noch einmal zurück zum Thema Nullnummer. Hat es bei der neuen Ausgabe nach dem Relaunch eine Nullnummer gegeben?

Ungerböck: Nein, keine Zeit dazu. Es gab ursprünglich ein ganz anderes, spektakuläreres Cover, das einen Film gezeigt hätte, dessen Kinostart verschoben wurde und so hatten wir ein wenig Stress.

Warum will man heute bei ray arbeiten?

Ungerböck: Natürlich spielt Geld eine große Rolle. Es soll auf keinen Fall mehr so sein, wie bei der alten Ausgabe, wo man auf das Honorar bloß hoffen konnte. Ich hoffe und weiß, dass viele Leute, die schon einmal für ray gearbeitet haben, wieder zurückkommen wollen. Von daher bin ich optimistisch, dass wir wieder einen guten Stamm an Autoren bekommen werden.

Wie sieht die Zukunft von ray aus? Welche Ziele, Wünsche oder Vorstellungen haben Sie?

Ungerböck: Auf jeden Fall wollen wir eine stärkere Platzierung. Nicht Positionierung, weil die ist klar definiert und abgegrenzt von den anderen Filmzeitschriften. Wir wollen unabhängig bleiben im Gegensatz zu Skip und M Magazine, die aufgrund ihrer kostenlosen Verbreitung von vorn bis hinten bezahlt sind. Mit Platzierung ist gemeint, dass ray öffentlicher und bekannter werden soll. Es gibt dafür verschiedenste Möglichkeiten. Wir sind im Februar beispielsweise in 800 Trafiken am Verkaufspult aufgelegen und so mehr in den Blickwinkel der Leser gewandert. Organisiert wird diese Aktion von unserem Vertrieb, also Morawa, mit dem wir seit der Gründung des Magazins 2001 zusammenarbeiten. Außerdem erhoffe ich mir eine größere Zusammenarbeit mit Kinos, Museen und Filmfestivals. Mir ist natürlich klar, dass wir das Rad nicht neu erfinden werden können, aber man kann die vorhandenen Strukturen sicherlich besser nutzen, als das bisher der Fall war.

Norbert Hillinger

Kino fürs Gehirn

2006-03-20T05:03:00.000-08:00

Die Welt ist voller schauerlicher Wunder, wundern Sie sich nicht, wenn Sie sich also nicht, wenn ein unschuldiger Konzertbesuch zur surrealen Wanderung gerät. Eine Konzertkritik der etwas anderen Art...

Es war einmal ein Walfisch, der hatte sich ins Zentrum von Deutschland verirrt. Und als er so durch die Flüsse der Germanen schwamm und schließlich am Bodensee angekommen war, merkte er, dass ihm seine Freunde vom Salz fehlten. Tja Pech gehabt du Schwein!Graz als Nichtraucherstadt? Nein, hier in der Hochburg der österreichischen Vogelgrippe raucht selbst der 5 jährige Sohn des FM4, ähm sorry Soundportal-Chefredakteurs eine Kippe nach der anderen. Den Walfisch, mittlerweile in die falsche Richtung schwimmend in der österreichischen Vogelgrippe-Hochburg angekommen, stört das eigentlich nicht so wirklich. Er hat seinen Weg durch das Fledermausland schon geschafft. Aber hat er sich auch wirklich nicht infiziert? Gibt es eigentlich schon so etwas wie eine Walfisch-Vogelgrippe? Eine Frage, die demnächst geklärt werden muss, tauchen die großen Meeressäuger doch immer häufiger auch in Binnen-Städten auf (siehe London).

Der R2D2 unter den Viren.
Glaubt man den Wissenschaftlern und Medizinern, die in der Qualitäts-Wochenzeitung „Die Zeit“ zu Wort kamen, so wird das Virus mit dem Star Wars-fähigen Titel H5N1 potenziell jedes Lebewesen früher oder später befallen. Aber wird dann auch unser Walfisch befallen werden?Tja, nicht so einfach. Wenn er nicht aufpasst und auch weiterhin als Gaststätte von musizierenden Gästen von weit her fungiert, dann könnte es ihm wie dem bösen Aal gehen, der schon mit dem Darth Vader-Virus aus Norddeutschland angesteckt ist. Wo schlafe ich also heute noch?

Wilbur is gay!
Der Walfisch mein bester Freund. So oder so ähnlich könnte die Devise des völlig dahinschwebenden Mannes auf der Bühne lauten, der da so fröhlich vor sich hin trellert und irgendwas von den Sachen des Lichts und einem scheinbar sehr glücklichen Wilbur singt. Was hörte ich da? Mein Pimmel ist erleuchtet! Ui, da wandert plötzlich eine merkwürdig gerollte Zigarette mit süßlichen Duft vorbei. Träume ich, oder hat der Typ auf der Bühne tatsächlich gerade einen Stromstoß von seiner Gitarre bekommen? Kein Wunder. Immerhin schwitzt er sich mit seiner Lederjacke die Hucke voll und hat quasi nur darauf gewartet, bis ihm nach dem „Föhn-in-der-Badewanne-Prinzip“ eine geballte Ladung Strom durch den Körper jagt. Ja, endlich einmal etwas, das länger als vier Jahre hält. Ich bin ein Verehrer der Sachen des Lichts und schrei den Namen meiner Mutter. Puh! Der muss hinüber sein. Apropos Strom. In dieser Situation kommt dann doch wieder die Frage, ob er nicht doch im Aal und nicht im Wal übernachtet hat. Es soll ja so Viecher wie Zitteraale geben. Die haben zwar sicher keine Vogelgrippe, können aber genauso tödlich sein, wenn man versucht in ihnen zu übernachten!

Wilhelm da war doch nichts!
Sind eigentlich Rockmusiker, die sich bei einem Konzert vor einigen hundert Personen als H&M Sünder outen „Arschlöcher“? Geht man nach dem Publikum, dann ja. Aber was solls. Er ist ja nicht wegen dem Publikum nach Graz gekommen, sondern um auf Männertoiletten Trickot-Tausch mit mit Liam Gallagher-Fans T-Shirts bekleideten Fans zu machen und wegen dem Nichtrauchen. In Graz sollte sich das eigentlich leicht organisieren lassen. Kann ich nicht beurteilen, ich bin schließlich Nicht-Raucher. Aber es hat mir ein bestätigender Wind Feinstaub-Wind entgegen geweht, als ich vor ein paar Jahren hier ankam. Im Land der Fledermäuse, und das war Graz an jenem bezaubernden Abend ganz sicher, stellt sich dann immer die Frage, ob da eigentlich irgendwie eine Erinnerung an halluzinierende Fans und Bandmitglieder bleibt. Aber nein Willhelm oder Uhlrich, oder wie auch immer du heißen magst, da war doch nichts!

Schräge Männernamenabkürzung mit Konsonant und Vokal!
Warum schicken eigentlich wütende CSU-Politiker strenge Grundschullehrer in Bayern auf Volkschüler los? Keine Ahnung, aber ich bin mir sicher der zuckende Frontmann der coolen Säue von Tomte kann mir die Frage beantworten. Tomte, was ist das eigentlich für ein Name? Eine Männernamenabkürzung mit Konsonant und Vokal. Wie kommt man bloß drauf? Ich will es gar nicht wissen. Man braucht sich nur die Art und Weise ansehen, wie der Typ seine Gitarre hält und in die Luft blickt. Erinnert mich ein wenig an Joaquin Phoenix im Johnny – Ring of Fire - Cash Biopic Walk the Line.“Korn und Sprite” plärrt mir auf einmal ein aufgeregter Männechor hinter mir ins Ohr. Ja geil, das hätt ich jetzt auch gern, denk ich mir, bis ich drauf gekommen bin, dass man das ja gar nicht trinken kann.Aber egal, lassen wir das.Und der Wal? Ja der lebt wieder und ist mit Tomte mittlerweile nach Wien und Linz geschwommen, um dort die Darth Vader-Seuche zu verbreiten. Bekleidet mit einem überdimmensionalen Liam Gallagher T-Shirt steht als nächster Halt vielleicht sogar Großbritannien auf dem Plan. Das war ich! Das waren Tomte am 14. März im p.p.c.!